GABRIEL DALAR : Docteur Miracle

Acquis chez Emmaüs à Tours-sur-Marne le 14 novembre 2008
Réf : 460.602 ME -- Edité par Fontana en France en 1958
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Docteur Miracle -- Hé, Youla ! -/- Viens -- Croque-Crâne-Creux

Ça fait bien longtemps que je ne fais plus trop de bonnes affaires à l'Emmaüs de Tours-sur-Marne, du coup j'y vais moins souvent. Depuis l'album de Donovan, à part un EP de Marcel Bianchi plus tôt cette année je suis presque toujours revenu bredouille. Mais en cette saison les vide-greniers se font rares, alors j'ai retenté ma chance l'autre jour et, dès les premiers disques feuilletés, j'ai senti un changement d'ambiance : je venais de tomber sur le This is pop ? de XTC en pressage anglais alors que je n'avais que le pressage français, plus un EP live d'Eddie and the Hot Rods de 76 avec quatre reprises de classiques (enfin un peu moins que ça car le disque a dû être fondu par un mégot et le début de chaque face n'est pas écoutable...). En tout, j'ai ramené neuf 45 tours, dont un Gilles Marchal, un Morrissey et un Bobby Patterson et en plus au moment de payer j'ai vu quelques cartons de CD singles promo à 50 centimes et j'ai fait quelques affaires de plus !
Pour ce qui est de cet EP, j'aurais tout de suite dû réagir à la lecture du nom de Gabriel Dalar vu que j'avais emprunté à la Médiathèque il y a quelques temps le CD Twistin' the rock vol. 1 sur lequel on trouve les huit titres des deux EPs qui constituent son l'intégrale de son oeuvre publiée, ainsi que huit titres de Teddy Raye.
Non, en fait ce qui m'a fait m'arrêter sur ce disque et y prêter attention, ce n'est ni le nom de Dalar, ni la pochette assez moche, mais bel et bien la mention de Docteur Miracle, un titre enjoué que je connais surtout interprété par Jacques Hélian, et Annie Cordy aussi.
Ces temps-ci, je suis bien content quand mes disques sont répertoriés sur le site Amour du rock'n'roll. Ça signifie que j'ai dégotté un disque de rock français des fifties. Ce disque de Gabriel Dalar y figure bien, et, sans le savoir, j'ai bien fait de suivre la recommandation qui y figure : "Parfois le verso d’un EP gagne à être montré".
Et en effet, outre qu'on y apprend par un tampon que mon disque a appartenu précédemment à Louis Parent d'Epernay, le verso nous indique que Gabriel Dalar propose des chansons "choc", qu'il est accompagné par Alain Goraguer et son orchestre et que l'adaptation de l'un des titres est signée Boris Vian.
En me creusant un peu, j'aurais pu deviner tout seul que les notes de pochette signées Anatof de Raspail étaient en fait de Boris Vian, alors directeur artistique de Fontana. Au passage, je connaissais les activités de directeur artistique de Vian, mais jamais je n'aurais imaginé que, en plus de ses compositions, il avait adapté un nombre impressionnant de chansons anglo-saxonnes en français dans les seules années 1958-1959, dont 39° de fièvre, version française de Fever, interprétée en premier par Gabriel Dalar sur son deuxième EP.
La sélection des reprises de ce disque est symptomatique de ce qui se passait visiblement à l'époque : quand les labels voyaient passer une chanson susceptible de marcher ils se précipitaient pour la faire enregistrer par un de leurs poulains. Il y a un paquet de versions de Docteur Miracle, mais c'est le cas aussi pour Viens (reprise de When des Kalin Twins), enregistrée par Claude Piron, le futur Danny Boy, en septembre 1958, puis par Richard Anthony en novembre (sa version ne sera éditée que plus tard) et aussi donc par Gabriel Dalar. Le EP de Claude Piron de 1958 a carrément trois titres en commun avec celui de Dalar (Docteur Miracle, Hé Youla ! et Viens) et, quand on découvre que le quatrième titre est une adaptation de Where have you been Billy Boy ? par Boris Vian, on comprend que le directeur artistique de Fontana n'a pas eu besoin d'aller chercher trop loin pour sélectionner les titres à enregistrer par son poulain Dalar. Et la chaîne continue car le EP Hula hoop sorti en décembre 1958 par Moustache et ses Moustachus chez Barclay, le label qui allait embaucher Vian quelques mois plus tard, a lui aussi trois titres en commun avec celui de Gabriel Dalar.
Musicalement, avec Alain Goraguer aux manettes on sait que la base de l'instrumentation est bien plus jazz que rock : les cuivres sont ici bien plus présents et mis en avant que la guitare. Mais je trouve que les arrangements et les interprétations sont ici très fins et excellents, meilleurs que sur d'autres enregistrements que je connais d'Alain Goraguer.
Ça s'entend par exemple sur Docteur Miracle dans les bruitages qui accompagnent le remède magique du médecin. Pour Hé, Youla !, on entend un peu plus la guitare, mais c'est une chanson que je n'aime pas trop.
Il y a une chose impressionnante avec Viens, c'est que tous les ingrédients du yéyé sont déjà présents, des paroles un peu niaises aux claquements de mains, alors que le mouvement n'éclatera qu'au début des années 60. Richard Anthony et Danyel Gérard, qui sort lui aussi sa version de Viens sur son premier disque fin 1958, en seront deux des vedettes. Gabriel Dalar aura alors déjà abandonné sa carrière de chanteur, mais ce n'est pas un hasard si le magazine Music-Hall de mai 1959 consacre un article à ces chanteurs regroupés sous le terme des "trois agités".
Tout cela est bien beau, mais le clou du disque c'est le dernier titre, Croque-crâne-creux. C'est le plus rockabilly des quatre, mais c'est surtout le plus drôle.
Il s'agit d'une reprise de Purple people eater de Sheb Wooley. Je n'en avais strictement jamais entendu parler, et pourtant ce titre a été un tube énorme qui est resté six semaines n°1 aux Etats-Unis en 1958, vendant alors trois millions d'exemplaires (et cent millions en tout depuis !).
L'histoire est celle d'un monstre extra-terrestre mangeur d'hommes pourpres, qui s'avère pas si méchant que ça. Le genre d'histoire à la Here come the Martian Martians de Jonathan Richman. Vian a transformé le monstre en croqueur de crânes creux et toute l'équipe s'en donne à coeur joie, des bruitages de science fiction à la voix extra-terrestre trafiquée. Vian n'a pas pu s'empêcher de placer une référence à son pote Claude Luter, mais à sa décharge il semble que la version originale comportait effectivement un solo de clarinette.
En tout cas, des disques de chansons "choc" de cinquante ans en parfait état à 30 centimes comme celui-là, je veux bien en trouver toutes les semaines !

CAPTAIN SENSIBLE : Happy talk

Acquis très probablement à Londres sinon en France en 1982
Réf : CAPP 1 -- Edité par A&M en Angleterre en 1982
Support : 45 tours 30 cm
Titres : Happy talk -/- It -- I can't stand it

J'avoue que je ne sais plus trop dans quel ordre les choses se sont passées. Est-ce que je suis allé au Marquee en pélerinage comme tout bon touriste, sans connaître le groupe à l'affiche et parce qu'il n'y avait pas beaucoup d'autres concerts à Londres un dimanche ? Ou est-ce que j'avais vu une affiche ou récupérer un tract la veille au concert des Flying Padovanis ? Je ne sais pas, en tout cas, ce qui est sûr c'est que, la veille du concert de Clint Eastwood and General Saint, le 20 juin 1982, j'étais au Marquee pour voir Dolly Mixture, avec en première partie un groupe de rockabilly, connu ou non, dont je regrette bien de ne pas avoir capté/noté le nom.
Là, d'autres questions se posent. Est-ce que j'avais entendu parler de Dolly Mixture avant ? Probablement pas. Est-ce que je savais qu'elles accompagnaient Captain Sensible sur le single qu'il venait de sortir ? Probablement pas non plus. Est-ce qu'au moins je connaissais Captain Sensible ? Peut-être même pas. J'avais dû lire son nom dans la presse, mais je n'avais aucun disque des Damned à l'époque.
En tout cas, j'ai apprécié ce concert et, au moment du rappel, j'ai été tout surpris de voir le gars qui se trouvait à côté de moi dans le public répondre à l'appel du groupe et se précipiter sur scène pour interpréter Happy talk, une chanson de la comédie musicale de 1949 South Pacific.
Je n'en suis plus tout à fait certain, mais je pense bien que c'est dans les jours qui ont suivi, avant de quitter Londres, que j'ai acheté ce maxi 45 tours. J'ai donc ainsi probablement et involontairement contribué à hisser ce disque au n°1 du hit parade anglais le 27 juin 1982 !
Venant d'un pionnier du punk dont le premier single solo était sorti sur Crass Records, enregistrer une scie pareille, la faire produire par Tony Mansfield du groupe électronique New Musik, c'était bien sûr une gentille provocation et surtout une grosse rigolade. Et ce d'autant plus que les paroles de la chanson ("Tu dois avoir un rêve, Si tu n'as pas de rêve, Comment vas-tu réaliser ton rêve ?") sonnent comme un pied de nez au "No future" des punks.
Dans une interview, le Capitaine explique qu'il avait besoin d'un titre pour compléter son premier album et qu'il a choisi cette chanson car ses parents l'aimaient beaucoup et que ça ne pouvait qu'être bizarre de voir un punk reprendre un titre d'une comédie musicale. A l'époque, je n'avais jamais entendu parler de South Pacific. Depuis, j'ai dû voir l'album de la BO de la version filmée des centaines de fois dans des boutiques de charité mais j'ai toujours réussi à me retenir de l'acheter et je pense ne jamais avoir entendu les versions classiques (comédie musicale ou film) de Happy talk. Quant au Captain Sensible, ce choix de dernière minute lui a été favorable, puisque c'est ce titre que le label a choisi de sortir en single comme premier extrait et que, juste avant l'été, ça a été un énorme tube en Angleterre, ce qui a valu au Captain et aux Dolly Mixture un passage mémorable à Top of the Pops où il a amplement prouvé qu'il ne connaissait pas ou n'avait pas envie de connaître les paroles de la chanson.
En France, et dans le reste de l'Europe je crois, c'est plutôt le second titre extrait de l'album qui sera un tube, la parodie de rap Wot!, avec son clip avec le gars baraqué et son marteau piqueur (et aussi les Dolly Mixture ! — Ne pas rater la version en passage télé chez Drucker !!) — qui a été matraqué pendant des années sur toutes les chaînes.
J'ai revu les Dolly Mixture en concert le 11 mars 1984 au Clarendon, avec Bomb Party en première partie. J'ai trouvé le groupe toujours aussi sympathique, un peu l'équivalent des Calamités chez nous (que je n'ai malheureusement jamais vues sur scène). Les filles ont fait quatre rappels et là encore Captain Sensible est monté sur scène, pour chanter Honky Honda cette fois. Par contre, je n'ai jamais acheté de disque des Dolly Mixture. Quand j'écoute les quelques titres disponibles sur la page MySpace qui leur est consacrée, dont certaines faces A de 45 tours, je n'ai pas trop de regrets : Dolly Mixture étaient typiquement le genre de groupe dont l'humour, le côté amateur et la joie de vivre faisaient fureur sur scène mais passaient mal le cap de l'enregistrement en studio.




En fait, Captain Sensible est passé au moins quatre fois à Top of the Pops avec Happy talk, dont une fois dans l'émission rétrospective de fin d'année. Là, nous avons ses apparitions loufoques avec Dolly Mixture les 24 juin, 1er et 8 juillet, au moment où son single est devenu n°1 des ventes.

HAWKWIND : Kings of speed

Acquis au Secours populaire à Châlons-en-Champagne vers 2004
Réf : UP 35808 -- Edité par United Artists en France en 1975
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Kings of speed -/- Motorhead

Il faut que j'évite de me séparer de mes disques. Ceux pour lesquels c'est arrivé sont très minoritaires par rapport à tous ceux que j'ai eus mais je sais d'expérience que, pour une raison ou pour une autre, j'ai très souvent fini par regretter d'avoir revendu ou donné tel ou tel disque, rare ou non.
Celui-ci est un bon exemple. J'ai eu l'occasion d'aller quelques fois vers 2003-2005 au petit local de vente du Secours Populaire de Châlons, situé Cité Tirlet, dans un bâtiment construit à l'origine comme écuries pour la caserne qui se situait là, dans le prolongement de celui où l'ASCC Tennis de table a longtemps eu ses locaux.
De là, j'ai surtout ramené des livres car il y avait très peu de disques. Sauf une fois où je suis tombé sur un petit lot de 45 tours 2 titres des années 60-70. J'ai pris une poignée de ces disques, je les ai écoutés, j'en ai gardé quelques-uns (Fairport Convention, Jethro Tull,...) et j'ai mis les autres sur une étagère avec d'autres disques, dont des doubles, à donner, échanger ou vendre.
Cette semaine, j'ai fait le tour de ces disques et il y en a plusieurs que j'ai eu envie de réécouter, d'autant plus que cette année j'ai été amené à acheter et chroniquer pas mal de 45 tours années 70. Et évidemment, pour tous ces disques que j'avais écartés après une première écoute rapide, j'ai trouvé une bonne raison aujourd'hui de les conserver ! Comme quoi, il faut sûrement que je sois bien sélectif au moment de l'achat, mais il faut surtout que j'évite de me séparer de mes disques (et il faut que j'évite de me répéter...).
Parmi ces quelques disques sauvés par le gong figure ce 45 tours de Hawkwind, acheté uniquement parce qu'en face B il y a la chanson Motorhead, composée et chantée par Lemmy, qui allait donner quelques mois plus tard son nom au groupe Motörhead, après que Bastard ait été jugé un peu lourd à porter commercialement.
En le réécoutant, j'ai apprécié le rock solide et carré des deux faces du disque. On est bien plus proche ici du pub ou du punk rock que du space rock ou du progressif que j'associerais plus volontiers à Hawkwind. Même la face A Kings of speed est très rock, bien que ses paroles soient signées par l'écrivain de science fiction Michael Moorcock et qu'elle ait été ensuite placée à la fin de l'album Warrior on the edge of time, qui lui a une pochette des plus progressives. Non, Kings of speed est un rock binaire avec deux batteurs, quasiment un boogie qui pourrait être joué par Status Quo, sauf qu'il y quand même quelques étrangetés, comme des sons de synthé, un accompagnement de flûte et un solo de violon électrifié plus long que le solo de guitare.
Outre que c'est lui qui chante, la patte de Lemmy s'entend dès l'intro de basse de Motorhead mais la chanson n'est pas vraiment plus "lourde" que la face A. Pas de flûte, mais elle est remplacée par un saxo, qui prend des solos en alternance avec le violon qui lui est toujours là.
De sa pochette, avec ce qui ressemble à une photo du groupe qui émerge d'un paysage de clochers, le tout passé au trichloréthylène, au titre des deux chansons (Les rois du speed et Motorhead qui désigne en argot américain un accroc aux amphétamines) ce disque semble entièrement placé sous le signe des amphets. Et même au-delà, puisque c'est une arrestation à la frontière canadienne pour possession d'amphétamines en mai 1975 qui va conduire à l'expulsion de Lemmy d'Hawkwind et à la formation de Motörhead ! (La légende veut que, en plus d'être bassiste et chanteur d'Hawkwind, Lemmy en était le fournisseur de drogues...).
Si j'en crois la mention "Jerk" au stylo sur un des titres de la pochette, et la même mention reprise sur la rondelle du disque (mais pour l'autre titre, le DJ avait peut-être aussi pris quelque chose !), il est fort probable que ce 45 tours provienne du fonds de disques d'une boîte de nuit.

La pochette anglaise du 45 tours. On jurerait que le personnage à gros nez a été dessiné par Gilbert Shelton. D'un pays à l'autre, il y a eu au moins quatre pochettes différentes pour ce single, dont une qui tend à laisser croire que les rois du speed sont des athlètes du sprint !

FAD GADGET : I discover love

Acquis au Virgin Megastore de Londres en septembre 1983
Réf : 12 MUTE 028 -- Edité par Mute en Angleterre en 1983
Support : 45 tours 30 cm
Titres : I discover love (Extended version) -/- Lemming stomp

Comme Make room/Ladyshave en 1981, I discover love est un single de Fad Gadget complètement inédit sorti entre deux albums. Celui-ci est arrivé entre le sommet que constitue à mon sens Under the flag et ce qui s'avèrera être l'ultime album de Frank Tovey sous le nom de Fad Gadget, Gag.
A peine quatre ans après les débuts 100% solo et synthétique de Fad Gadget, Frank Tovey se trouve là avec un groupe au complet et avec des instruments quasiment tous acoustiques : contrebasse, piano plutôt que synthétiseur, trois cuivres en invités; la seule note très électrique est apportée par l'autre invité, Rowland S. Howard de Birthday Party, avec sa guitare électrique.
J'avais adoré les versions maxi de Life on the line et For whom the bells toll, les deux précédents singles très électroniques de Fad Gadget. Du coup, j'ai été un peu déçu à la sortie de I discover love, mais l'évolution n'est pas trop surprenante quand on lit dans une interview à Sounds en 1983 que Frank Tovey estimait avoir fait un peu trop de compromis à la mode avec ces maxis, sans avoir plus de succès pour autant. En fait, I discover love n'est pas l'un des chefs d'oeuvre de Fad Gadget mais, comme One man's meat par exemple, dont il est assez proche, c'est une bonne chanson, qui fonctionne bien notamment grâce à l'apport des choeurs féminins et des cuivres, mis encore plus en valeur sur cette version allongée.
La face B du maxi, Lemming stomp, est un remix instrumental de la face B du petit 45 tours, Lemmings on lovers' rock, et, comme le "stomp" du titre l'indique, l'accent est mis sur le côté rythmique et percussif.
Ce disque est sorti au moment où je venais d'arriver à Londres pour y passer une année scolaire et c'est l'un des premiers que j'ai dû acheter sur place vu que, comme pour Magazine, Costello, XTC ou Devo, à l'époque j'achetais tout ce que sortait Fad Gadget.
Je me souviens qu'un jour, alors que j'attendais un bus qui mettait longtemps à venir, j'ai scruté pendant de longues minutes une affiche qui faisait la promo du single, à détailler ces dentelles et fanfreluches arrangées en forme de coeur accrochées à du grillage.
Par contre, là où j'ai un gros problème de mémoire, c'est quand je contemple longuement la page de mon agenda du 19 octobre 1983 et que j'y lis "Concert : Fad Gadget + Red On Red". Il paraitrait logique que Fad Gadget ait donné au moins un concert à Londres pour soutenir la parution de son single, et normalement cette mention dans mon agenda signifie que j'ai assisté à un concert ce jour-là, avec Red On Red en première partie de Fad Gadget, ce qui a dû être un moment important, puisque je n'avais encore jamais vu Fad Gadget sur scène et qu'il s'agissait seulement du deuxième concert depuis mon arrivée à Londres, le premier étant un concert de Rich Bitch au Clarendon en septembre.
Le problème c'est que je ne conserve aucun souvenir de ce concert !!
Je me souviens très bien du concert d'Elvis Costello à l'Hammersmith Palais la semaine suivante (d'ailleurs, j'en ai conservé le billet et j'avais noté la liste de titres joués). Je me souviens très bien également de ce qui constituerait le deuxième concert de Fad Gadget auquel j'ai assisté, le 4 mars 1984 au Lyceum Ballroom, au moment de la sortie de Gag (j'en ai aussi le billet et une chronique publiée dans la presse) : le Ballroom est une sorte de théâtre à l'italienne, j'étais à l'un des balcons et l'une des trois premières parties était un groupe débutant nommé Dead Can Dance dont la chanteuse, à un moment, jouait du stylophone agenouillée sur la scène.
Mais pour le concert du 19 octobre 1983, j'ai beau me triturer les méninges, rien ou quasiment rien ne me revient à l'esprit. Sauf peut-être le lieu du concert, l'Electric Ballroom, qui m'a peut-être été suggéré par un historique des concerts de Fad Gadget sur lequel je n'arrive pas à remettre la main aujourd'hui. La salle se situe à Camden, et cela aurait été l'une des premières fois où je me rendais dans ce quartier de Londres. Et effectivement, il me revient un vague souvenir de punks relativement agressifs (événement très rare dans mes expériences londoniennes) entre l'Electric Ballroom et la station de métro toute proche de Camden Town. Mais du concert lui-même, rien, pas une image mentale, pas un son en tête. Pourtant, selon toute vraisemblance, ce concert a bien eu lieu... et j'étais bien dans le public !

BUCK 65 : A walk in the woods - Excerpts from Talkin' honky blues

Acquis très probablement à Nantes sinon à Paris fin 2003 ou en 2004
Réf : BUCK 6503 -- Edité par Warner au Canada en 2003 -- Promotional CD property of Warner Music Canada. Distributed for restricted use only. Subject to recall. Not for sale.
Support : CD 12 cm
Titres : Wicked & weird -- Riverbed part 1 -- Sore -- 463 + Talkin' honky blues (piste audiovisuelle)

Quand l'album Talkin' honky blues de Buck 65 est sorti en France et qu'il a entamé une tournée par chez nous, les différentes chroniques annonçaient bien la couleur : Buck 65 fait du hip hop mâtiné d'éléments de folk-rock-country. Un mélange qui avait toutes les chances de me plaire, mais qui était loin d'être nouveau pour moi. En tout cas, j'étais suffisamment intéressé pour être tout content de tomber sur ce disque, un bel objet promotionnel, le genre de trucs dans lequel seuls les gros labels sont assez fous pour investir — aux frais des artistes bien sûr : pochette cartonnée ouvrante, livret avec les paroles, petit documentaire de présentation dans la partie multimédia du disque, petit mot de présentation de l'artiste (qui nous apprend que son disque a été conçu entre son Canada natal et Paris, où il a séjourné) et quatre extraits de l'album.
Mais sur le coup j'ai écouté le disque une ou deux fois rapidement avant de le ranger pour longtemps. Non pas que je l'ai trouvé mauvais, mais les descriptions que j'avais lues étaient trop exactes et j'ai vraiment eu l'impression d'entendre une resucée de choses que j'avais beaucoup appréciées les dix années précédentes, de Beck à Bobby Sichran, en passant par G. Love ou Alabama 3.
Aujourd'hui, cette impression d'un tout relatif manque d'originalité reste tout à fait valable, mais en réécoutant le disque avec une oreille fraiche je me suis surpris à apprécier énormément tous ses titres, à commencer par Wicked & weird, le premier single extrait de l'album, avec sa bonne grosse basse, son banjo sur les couplets et son rythme sautillant.
Riverbed est décliné en sept parties sur l'album. Ici, on a la première partie. C'est le seul des quatre titres de ce CD qui n'ait pas été édité en face A de single. C'est aussi le plus lent, avec une ambiance de musique de western donnée par une guitare acoustique à tendance twangin' et une pedal steel façon country sur lesquelles Buck 65 rappe/raconte son histoire.
Sore est construit sur une ambiance reggae dub. C'est aussi un titre assez lent, que j'aime bien mais que je trouve moins accrocheur que Wicked & weird et 463. Car 463 me plait presque autant que le premier titre, surtout son refrain, avec son petit gimmick au clavier et des sons de guitare électrique. Avec sa voix qui fait plus vieux que son âge et ses paroles sur le thème "Quand j'étais jeune c'était différent", Buck 65 se vieillit beaucoup sur ce titre.
En tout cas, c'est toujours agréable de (re)découvrir de bons disques dans ses étagères, et avec le temps qu'il fait, ce Walk in the woods fournit une occasion unique de se promener dans les bois sans se mouiller !

MARCEL BIANCHI : Sa guitare et son grand orchestre

Acquis sur le vide-grenier de la rue de la Chaude Ruelle à Epernay le 11 novembre 2008
Réf : LDY 28050 -- Edité par Vogue en France en 1975
Support : 33 tours 30 cm
12 titres

Depuis quelques années que je m'intéresse à ses enregistrements, j'ai l'impression de commencer à me faire une bonne idée de la production discographique de Marcel Bianchi. Pour la période de ses débuts jusqu'au milieu des années 1950, il y a les trois CDs édités chez Djaz (The exciting electric guitar, The swingin' guitar et The hawaiian guitar). Pour les dix années suivantes, chez Barclay, Pathé Marconi et surtout chez Vogue, je trouve régulièrement des disques (comme celui-ci ou celui-là) et les copains aussi. Certains des titres enregistrés sous le nom des Hawaiians Beachcombers ont été réédités dans les années 70, notamment un double album chez Vogue qu'on voit assez souvent.
C'est ce genre de disque que, par un pressentiment surprenant, je me suis dit que je risquais de trouver — au mieux — dans une caisse plastique pleine d'albums années 70 en bon état à 50 centimes, qui commençait par un album de James Last, puis un double album de James Last, puis un album de James Last "pour danser" puis encore un autre album de James Last reprenant des airs de musique classique.
Et effectivement, j'ai fini par trouver dans cette caisse non pas un mais trois albums de Marcel Bianchi, mais il ne s'agissait pas de rééditions seventies des Hawaiians Beachcombers comme je le pensais, mais d'enregistrements originaux de cette époque : outre ce disque de 1975, il y avait His guitars and the Fabulous Faces Orchestra crédité à Marcel Bianchi (1976) et Hawaii today crédité à Marcel Bianchi et ses Hawaiians Beachcombers (1978). Pour l'anecdote, ce stand ne devait pas se trouver à plus de trente mètres, dans la même rue, de l'endroit où j'ai acheté de le EP de Santo & Johnny il y a trois ans.
Ce disque-ci est sûrement celui qui a eu la plus grande diffusion, grâce à la célébrité de Paul Mauriat. Il a même été édité à l'étranger avec une autre pochette et le nom de Paul Mauriat mis en avant (voir ci-dessous). Mais c'est la pochette française qui en décrit le mieux le contenu : on y voit les violonistes du Grand Orchestre (de Paul Mauriat plutôt que de Marcel Bianchi) par-dessus lesquels surgit, dans un halo blanc, la superbe steel guitar à deux manches de Marcel B.
Sur le premier titre, Only you, c'est le plus flagrant : rythme quasi disco, envolées de cordes et la guitare qui vient jouer la mélodie. Sur le reste du disque, les arrangements d'orchestre se font plus discrets et on apprécie mieux la guitare sur Sleep walk, de Santo & Johnny justement, Over the rainbow, Love story, et même sur une nouvelle version de Love is blue, le plus grand succès de Paul Mauriat, qui permet à Marcel Bianchi de se mesurer — à distance — avec Jeff Beck. Mais on est loin de la pureté et du dépouillement des enregistrements souvent solo des années cinquante crédités à Marcel Bianchi et sa Guitare. C'est encore pire sur les deux disques "non stop" de 1976 et 1978 car là l'accompagnement est carrément disco !


Le verso de l'album.


La pochette intérieure du disque : Marcel Bianchi en pantalon patte d'éléphant sur un front de mer, très probablement sur la Côte d'Azur (cliquer pour agrandir).


La pochette d'une édition internationale chez Philips de cet album.

Ajout du 12 janvier 2010 :

La même guitare que sur mon album (ou sa soeur jumelle), dessinée et non photographiée, déjà en vedette sur une pochette d'album une vingtaine d'années plus tôt (33 t 25 cm, Riviera 6525).

Ajout du 16 octobre 2016 :


Un document qui nous montre Marcel Bianchi dans ses oeuvres.