Acquis au Record & Tape Exchange de Notting Hill Gate à Londres dans les années 1990
Réf : BBQ 1CD -- Edité par Beggars Banquet en Angleterre en 1992 -- Promo
Support : CD 12 cm
Titres : Chasing a bee -/- Coney Island cyclone
Quand Yerself is steam, le premier album de Mercury Rev, est sorti en 1992, nous avons reçu à La Radio Primitive l'édition limitée qui contenait un deuxième album en bonus, Lego my ego. J'ai toujours regretté de ne pas avoir acheté ce double-disque quand il était encore facilement disponible à l'époque, d'autant que j'avais une préférence pour l'album-bonus, qui contenait If you want me to stay, une reprise de Sly Stone éditée à l'origine par le Rough Trade Singles Club, Car wash hair, le premier single du groupe, et une version Peel session de Syringe mouth que j'ai toujours préférée à celle de l'album.
Je me suis rattrapé quelques années plus tard en dégottant à Londres ce CD promo anglais, qui associe Chasing a bee, le morceau d'ouverture de Yerself is steam, dont les paroles fournissent son titre à l'album (Il faut peut-être comprendre Your self-esteem, d'ailleurs), à la version Peel session de Coney Island cyclone, extraite de Lego my ego.
A plus de sept minutes, Chasing a bee ne risquait pas d'être un succès radio. Notons d'ailleurs que, s'il y a bien eu un maxi CD sorti aux Etats-Unis, avec une pochette différente et cinq titres qu'on trouve aussi sur Lego my ego comme faces B, Beggars Banquet n'a par contre jamais commercialisé ce single en Angleterre, ce qui rend ce CD promo, et surtout sa pochette, d'autant plus rare et intéressant.
Je me souvenais que les débuts de Mercury Rev étaient plus énervés que ce qu'ils ont produit par la suite. Mais en réécoutant aujourd'hui ces deux titres paresseusement psychédéliques, et même avec un chanteur différent, on arrive très bien à faire le lien avec, par exemple, leur grande réussite Deserter's songs. Dans sa version Peel session, présente sur Lego my ego, Chasing a bee s'appelait Chasing a girl (inside a car), et je crois bien que je préfère ce titre alternatif.
Je n'ai plus aucun regret maintenant car je viens de m'offrir l'édition originale de Yerself is steam / Lego my ego, qu'à ma grande surprise on arrive encore à trouver pour pas trop cher. De toute façon, il y a eu en 2007 une réédition de ce double-CD, avec en plus un DVD, qui contient uniquement la vidéo de Chasing a bee (à voir ci-dessous) et celle de Car wash hair. C'est un peu du gâchis.
Acquis chez Elisabeth et Jean-Pierre Moya à Reims le 13 novembre 2013
Réf : [sans] -- Edité par michaelholtmusic.com au Canada en 2010
Support : CD 12 cm + Affiche 36 x 60 cm
15 titres
J'ai assez souvent pu assister à des prestations musicales chez des amis ou de la famille, généralement à l'occasion de fêtes, mais c'est la première fois, grâce à l'invitation d'Elisabeth et Jean-Pierre (de Rockomondo), que j'assiste à un concert "à la maison" organisé comme tel. Je ne connaissais pas The Mommyheads, le groupe dont il fait partie depuis les années 1990 (et avec un nom pareil, je me serais attendu à un son garage, ce qui n'est pas le cas), et encore moins Michael Holt lui même, mais je m'attendais à passer une très bonne soirée et je n'ai pas été déçu.
Vétéran d'un groupe qui a signé en 1996 chez un gros label américain, Geffen, et a sorti un album produit par Don Was, Michael Holt connait de l'intérieur, on peut en être certain, l'industrie de la musique dans toute sa splendeur et son horreur. Depuis quelques années, il a visiblement décidé de tourner le dos à cette façon de produire et de vivre la musique et travaille de façon indépendante, en éditant lui-même ses disques et en en se produisant en priorité, c'est un choix réfléchi et assumé, dans des concerts à la maison où la participation financière est libre.
Pour lui, ça se traduit par trois mois de tournées dans l'année, où il en voyage en train et en avion, avec sur le dos tout son matériel. Sa tournée de l'automne 2013 compte 66 concerts, aux Etats-Unis, au Canada (où il est établi depuis une quinzaine d'années) et en Europe. Il l'a intitulée The sacred culture tour, avec comme explication : "Comment pouvons-nous ensemble nous inspirer
à traiter la musique, la nourriture, la communauté, la fête et la
planète comme si elles étaient sacrées ?".
Ces concerts sont l'occasion pour lui de se produire en public devant un public intéressé, motivé, mais aussi varié, et de faire des rencontres. Côté public, à une vingtaine dans le salon, contents de se retrouver et de partager la soirée ensemble, repas compris, nous avons en plus pu profiter dans des conditions optimales de la prestation de Michael Holt, qui a joué, pendant près de deux heures je pense, une sélection de titres couvrant l'ensemble de son parcours discographique, et au-delà.
Michael a une très belle voix, placée assez haut dans le registre, et c'est d'abord un joueur de claviers. Il l'a prouvé en ouvrant le concert avec de la musique française, son interprétation du menuet du Tombeau de Couperin de Maurice Ravel. Il a également joué une ouverture au piano qu'il a composée dans le cadre d'un projet qu'il vient de conclure et sur lequel il a travaillé ces dix dernières années.
Il a alterné chansons à la guitare acoustique ou au piano/orgue électronique, en produisant un spectacle parfaitement construit, avec divers accessoires (tambourin, kazoo, nez rouges...), pas mal de chapeaux, dont un fez avec lequel il donne une interprétation délirante de son Nino wrote a tune et un chapeau de chef cuisinier pour l'un de mes titres préférés de la soirée, The Essex house. Et comme il ne doit pas faire deux concerts identiques (il n'a pas de liste de tritres pré-établie), il a profité de la présence de cet objet dans la maison pour se faire accompagner sur un titre par une grande marionnette !
Après le concert, Michael Holt vendait ses deux derniers CD, où il est accompagné par The Kids. Si je n'ai pas choisi le dernier en date, Jubilation, c'est tout simplement parce que j'ai été attiré par la pochette de ce The dawn chorus, une peinture de Matt James , d'autant qu'une affiche reproduisant cette pochette était fournie avec le CD.
Le concert ne m'a pas déçu, et l'album non plus ! Il est marqué par une conscience écologique aigüe, avec plusieurs titres sur le thème des animaux et de la nature. La majeure partie des titres sont dans un style qu'on pourrait qualifier de pop-rock (The sound of love, John O'Dreams, Today, It's not up to us) avec un chant et des arrangements qui m'évoquent parfois Andrew Bird. D'autres titres, comme Hummingbird et The ballad of Isaac and Jyllian, sont dominés par le piano. Il y a aussi une très bonne chanson dans le style country, An animal invitation.
Parmi mes titres préférés, on trouve celui qui ouvre le disque,Those lonely tears, une chanson très émouvante interprétée a cappella, et aussi The whole world is a song, Great bodies of nature, Back to zero et The desert song.
Un excellent album, donc, et une soirée mémorable. Michael Holt a poursuivi son chemin par Lille et la Belgique, mais guettez sa prochaine tournée en 2014 ou, pourquoi pas, contribuez à l'organiser !
Michael Holt, Desert song, en public à Reims le 13 novembre 2013.
Egalement à voir sur YouTube, un autre extrait de ce concert, Like a brick (une chanson qui ne figure pas sur The dawn chorus). D'autres vidéos vont sûrement suivre.
Michael Holt à Reims le 13 novembre 2013.
Michael Holt, Great bodies of nature, en public à Stockholm le 5 novembre 2009.
Acquis à La Clé de Sol à Châlons-sur-Marne ou chez New Rose à Paris en 1980
Réf : VS 321 -- Edité par Virgin en Angleterre en 1980
Support : 45 tours 17 cm
Titres : A song from under the floorboards -/- Twenty years ago
C'est avec ce 45 tours que s'est annoncé, au tout début de l'année 1980, le troisième album de Magazine, The correct use of soap, et comme très souvent à l'époque, c'est dans l'émission Feedback de Bernard Lenoir que j'ai dû l'entendre pour la première fois.
C'est aussi avec ce disque qu'on a découvert la thématique "savon de Marseille" des pochettes de Magazine en cette année 1980 : les pochettes réalisées par Malcolm Garrett pour les quatre 45 tours utilisent toutes le carton retourné et le graphisme qui rappellent ces savons et leur emballage (seule la couleur des étiquettes changeait d'un disque à l'autre), et la pochette de l'album y fait également référence.
J'ai toujours trouvé qu'A song from under the floorboards était une chanson tès originale, pas une pop song facile au premier abord. Je me suis toujours focalisé à l'écoute de cette chanson sur la basse, très élastique, qui en est le véritable squelette, et sur le chant et les paroles d'Howard Devoto, particulièrement percutantes, notamment les trois premiers vers : "Je suis en colère, je suis malade, je suis moche comme le péché. Mon irritabilité me maintient en vie et en forme. Je connais le sens de la vie et ça ne m'est d'aucune utilité." J'ai aussi toujours été intrigué par ce titre, Une chanson d'en-dessous du plancher. Par contre, je n'avais jamais prêté particulièrement attention au travail intéressant sur les choeurs.
Ce n'est que récemment, notamment en lisant un article du Guardian, que j'ai appris que, pour cette chanson, Howard Devoto s'est inspiré (et ne s'en est jamais caché) d'un roman de Dostoïevski, Les carnets du sous sol. En quelques lignes, il rend apparemment parfaitement compte du caractère et des pensées du narrateur, dont le monologue occupe toute la première partie du roman.
Musicalement, on est très proche d'un disque qui allait sortir quelques mois plus tard, Christine de Siouxsie and the Banshees, un disque qui a en commun avec celui-ci le guitariste John McGeoch, qui n'avait pas encore quitté Magazine mais se faisait déjà inviter chez ses amis Banshees. Twenty years ago est l'une des nombreuses excellentes chansons de Magazine reléguées en face B de 45 tours. Elle a dû être enregistrée au début des sessions pour l'album et donc sélectionnée pour ce single. Si elle était apparue plus tard, elle aurait sûrement été retenue pour figurer sur The correct use of soap. Le groupe l'appréciait d'ailleurs au point de la jouer sur scène lors de toute la tournée qui a suivi : on la trouve sur l'album live Play et en face B du single Sweetheart contract. Elle aurait d'autant pu figurer sur l'album que, sauf erreur de ma part, c'est la seule chanson issue de ces sessions à mentionner le fameux savon dont il est question dans le titre de l'album, un titre qui lui aussi est suffisamment bon pour m'intriguer depuis plus de trente ans. Ces paroles ne nous éclairent pas pour autant ("Il y a vingt ans, j'ai utilisé ton savon") pour comprendre le titre, par contre, en préparant ce billet, je suis tombé page 323 du Punk diary de George Gimarc, sur un document que je ne connaissais pas et qui est soit une affiche soit plutôt une publicité parue dans la presse :
Pour la première fois, voilà donnée visuellement une interprétation possible du titre de l'album : la façon correcte d'utiliser le savon serait de le prendre comme combustible en substitut au charbon ou au bois !
Magazine, A song from under the floorboards, en direct dans l'émission de télévision Rockpalast. Filmé en public au Metropol à Berlin le 30 octobre 1980.
Acquis chez Troc.com à Charleroi le 22 mai 2013
Réf : 6021 321 -- Edité par Vertigo en Belgique en 1981
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Je suis venue te dire que je m'en vais -/- Escape (Demo)
Pour moi, Jo Lemaire + Flouze restera toujours associé à un rendez-vous manqué, le seul concert Feedback auquel j'aurais pu assister.
Ça
a du se passer pendant le premier trimestre 1980, après la parution du
premier album du groupe, mais avant le deuxième il me semble. Bernard
Lenoir avait pourtant tout fait pour me faciliter les choses : il avait
programmé ce concert non pas à Paris, comme d'habitude, encore moins à
New York ou Lyon, comme ça a dû arriver, non, suite probablement à un
deal entre un tourneur et le patron qui venait d'ouvrir sa discothèque,
ce concert a eu lieu au Sunshine, rue du Barbâtre, à 45 kilomètres à
peine de chez moi.
Il suffisait d'écrire pour avoir des
invitations. J'ai écrit et j'ai reçu chez moi deux cartons siglés Radio
France, avec les détails du concert de l'invitation tapés dessus à la
machine. Je les ai conservés précieusement dans l'attente du concert,
et je dois toujours les avoir quelque part au grenier, dans une caisse
(je n'ai pas eu le courage d'aller fouiller). Si je les ai toujours,
c'est que je n'ai jamais pu me rendre à Reims ce soir-là : à 17 ans, je
n'avais pas de permis, et encore moins de voiture. J'avais posé des
jalons auprès de deux ou trois copains véhiculés pour les convaincre de
m'accompagner, mais celui qui m'avait dit oui m'a fait faux bond au
dernier moment. Je me suis donc retrouvé, bêtement, à écouter ce
concert comme tous les autres, en direct à la radio, avec en plus la
rage au ventre. Peut-être bien que j'ai même été assez maso pour
l'enregistrer. Pendant des années j'ai repensé à cette soirée avec ma
radio et mon carton d'invitation à chaque fois que je suis passé devant
cette discothèque de la rue du Barbâtre, même après qu'elle avait
changé de nom.
En tout cas, c'est plutôt pour des raisons financières qu'à cause de cette déconvenue que je n'ai pas acheté le premier Jo Lemaire + Flouze (avec Stakhanov, Running time et Tinterella di luna). Le deuxième, j'ai dû passer à côté, et si j'ai fini par acheter le troisième, Precious time, sorti dès 1981, c'est en grande partie je crois parce qu'il contenait la reprise de Je suis venu te dire que je m'en vais de Gainsbourg,
que la maison de disques a choisi, sans trop de surprise, de sortir en
45 tours et qui a donné au groupe son plus grand succès.
J'ai
donc l'album depuis très longtemps, mais c'est seulement cette année
que j'ai fini par acheter le single, notamment parce que j'ai toujours
beaucoup aimé, et j'apprécie toujours autant, cette reprise.
C'était pourtant assez casse-gueule. On aurait pu avoir un banal exercice new wave
de reprise en synthétique d'une bonne chanson, pour un résultat sans
intérêt, voire désastreux (les exemples sont nombreux), mais il y a de
très bonnes réussites dans le genre, et ce titre en fait partie.
Pourtant, ce n'est que de l'électronique, tout est très distancié, mais
l'émotion est là, sans recourir aux pleurs de Birkin par exemple comme
sur la version originale. Les ingrédients sont simples : batterie ou
boite à rythmes, basse trafiquée ou synthétique, mais qui joue un rôle
essentiel, un synthé aigrelet qui égrène la mélodie, et un autre
plaintif, qui démarre tout au fond du mix, comme un theremin discret,
et s'avance au premier plan au fil du morceau. Et pour lier le tout et
permettre à cette sauce de prendre, le chant de Jo Lemaire, posé,
détaché, mais efficace, donc. Une version à ne pas oublier pour qui
s'amuse à compiler les meilleures reprises de titres de Gainsbourg.
Mais c'était loin d'être le seul bon titre de Pigmy world. Si Jo Lemaire + Flouze avaient les oreilles bien ouvertes sur tous les paysages sonores de la new wave, y compris les incursions exotiques (Chameleon et Claustrophobia ici), le modèle, notamment pour le chant, était clairement Siouxsie, (Satellites et Siamese sister, parmi d'autres), mais une Siouxsie différente, très posée et presque sage.
J'avais
complètement oublié par contre qu'il y avait effectivement présent sur
ce disque un invité anglais de marque, associé à la Belgique via Les
Disques du Crépuscule, Vini Reilly, le guitariste de Durutti Column (il
est même en photo aux côtés de Jo sur la pochette intérieure). Les
crédits ne précisent pas sur quels titres il joue (à moins que ce soit
tous...), mais il est très probablement présent sur deux des meilleurs
titres du disque, Voices in the silence et Shades of night et aussi, là je parierais bien, sur Escape. On voit bien la différence entre le son typiquement Reilly de la guitare sur la version album d'Escape et
celui saturé qu'on entend sur la démo, qu'on trouve en face B du 45
tours. Un titre inédit en album, que j'ai la chance d'avoir sur mon
édition du 45 tours achetée en Belgique (sauf que mon exemplaire a pris
le chaud et a le bord un peu gondolé : je ne peux pas écouter les
trente première secondes !). En France, Vertigo n'a pas voulu gâcher
une face B avec une démo inédite : ils ont préféré, aussi bien pour le disque promo que pour l'édition disponible à la vente, mettre deux fers au feu avec deux extraits de l'album, Je suis venue te dire que je m'en vais et Shades of night.
Acquis par correspondance via Ebay en novembre 2013
Réf : 373564-1 -- Edité par Mercury en France en 2013
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Les joyeux bouchers -- Le déserteur -/- La java des bombes atomiques -- Le petit commerce
Sur ce coup-là, je me suis un peu laissé emporter par mon enthousiasme. Certes, il était bien précisé dans l'annonce Ebay que l'objet vendu était neuf, pas d'occasion, mais avant d'enchérir je n'ai vu aucune trace en ligne d'une réédition récente de ce 45 tours historiquement important, puisqu'il s'agit du premier disque de chansons de Boris Vian. J'ai donc cru enchérir sur un disque absolument introuvable (l'édition originale de 1956 de ce disque a dû s'écouler au maximum à quelques centaines d'exemplaires), alors qu'il s'agissait tout bonnement d'une réédition en quasi fac-similé du disque, qui n'a pas dû beaucoup être diffusée elle non plus car elle n'est disponible chez aucun des grands sites marchands.
Pas trop de bobo au final, puisque je n'ai pas dû payer ce disque plus cher que si je l'avais acheté neuf dans le commerce, mais il faudra que je prenne garde à être plus attentif la prochaine fois.
Malgré cela, je ne suis pas mécontent d'être en possession de cet objet, même si bien sûr je connais ces quatre chansons impossibles depuis bien longtemps : comme plusieurs générations de fans de Vian, je les ai découvertes avec l'album 30 cm titré Chansons possibles, ou impossibles, édité une première fois en 1962, réédité en 1968 et maintenu au catalogue pendant des années par la suite. On trouve quatorze titres sur cet album compilation : deux instrumentaux d'André Popp, un poème lu par Philippe Clay, le Fais-moi mal Johnny de Magali Noël, et surtout les dix Chansons "possibles" et "impossibles" éditées en 33 tours 25 cm en 1956 mais aussi, pour huit d'entre elles, en deux EP de quatre Chansons impossibles et quatre Chansons possibles (pour tout savoir de la discographie de Boris Vian, consultez l'indispensable De Vian la zizique).
Il y a un petit bonus ici par rapport à l'album : trois des quatre chansons sont précédées de quelques mots d'introduction par Boris Vian. S'il se contente d'annoncer le titre de Le déserteur, on a par ailleurs droit à "A la gloire de tous les enchanteurs du merlin, Les joyeux bouchers" et à "Par autorisation spéciale de la commission du même nom, La java des bombes atomiques".
Le choix de la photo de pochette est assez surprenant : elle est loin d'être techniquement parfaite et, avec le litron au premier plan, elle aurait été idéale pour illustrer la chanson Je bois, sauf que celle-ci n'est pas au programme. Les dix chansons sorties en 1956 sont issues de sessions de 1955, les 22, 27 et 29 avril avec l'orchestre de Jimmy Walter, et le 24 juin avec celui de Claude Bolling. Les quatre titres de ce 45 tours sont tous (excellemment) orchestrés par Jimmy Walter, et ce qui frappe à l'écoute, c'est qu'on a réuni ici quatre titres qui ont en commun la haine des armes, des militaires et de la guerre.
La première des chansons de ce disque que j'ai connue, c'est Le déserteur, qui figurait je crois dans les carnets de chansons que nous avions en colonie. Je l'ai chantée, donc, et à un moment je la connaissais par coeur. Je suis sûr aussi qu'elle a contribué à me décider à ne surtout pas faire mon service militaire. Pourtant, depuis longtemps, je la fuyais un peu. C'est l'une des rares de Boris Vian à être purement et simplement une chanson de contestation, sans aucune trace de légèreté ou d'humour. J'ai quand même été agréablement surpris en la réécoutant pour cette chronique de voir qu'elle était plus orchestrée et moins solennelle que dans mon souvenir. Le petit commerce, qui s'attaque à un secteur commercial toujours florissant de nos jours, celui de l'armement, est pour le coup beaucoup plus léger, en poussant à bout la logique du succès des ventes de ces produits. Le couplet sur la vigueur de l'industrie qui incite les ouvriers à consommer, à fonder des familles, et donc à produire de la chair à canon, traite, avec un point de vue différent, précisément du même sujet que les paroles de Shipuilding, écrites par Elvis Costello pour Robert Wyatt.
Si on met à part Le déserteur, pour son poids politique et historique, les deux chefs d'œuvre ici sont Les joyeux bouchers et La java des bombes atomiques. D'un côté un tango célébrant d'abord les artistes du raisiné des abattoirs avant de dévier sur les boucheries des tranchées et de tous les champs de bataille. De l'autre, une joyeuse java paradoxale, une fable célébrant cette fois-ci un savant fou qui développe une arme immonde, certes, mais qui en fait bon usage en l'utilisant non pas contre le peuple, comme c'est l'habitude, mais contre les dirigeants du monde entier. Je me disais que cette java est à la chanson politique ce que Le Canard Enchaîné est au journalisme, et ça juste avant d'apprendre que Le Canard en a publié les paroles en première page en juin 1955 ! Celle-là aussi je la connaissais par cœur à une époque, et j'ai bien dû casser les oreilles de la famille en la chantant à longueur de journée.
En réécoutant ces chansons aux rythmes désuets avec ces orchestrations inventives, surtout pas jazzy, avec piccolo, hautbois, basson et autres instruments à vent, percussions, piano et contrebasse, je me dis qu'on est proche finalement de l'ambiance musicale d'un disque qui m'a beaucoup marqué, le premier album de Lewis Furey.
Acquis sur le vide-grenier de Saint Remy en Bouzemont le 21 juillet 2013
Réf : 45 S 026 -- Edité par Ricordi en France en 1959
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Yes, Sir, that's my baby -- No, no, Nanette -/- Zaza -- Rosalie, elle est partie
Par un dimanche d'été très chaud, en route vers chez ma maman, j'avais prévu un détour par le vide-grenier de Saint Remy en Bouzemont. Halte fructueuse car j'en ai ramené quelques disques intéressants.
Dans la famille Boris Vian, côté musique, je connaissais le fils, Patrick, de réputation, pour sa musique électronique dans les années 1970, mais pas Alain Vian, le frère, qui a pourtant participé à toutes les aventures musicales de son frère au temps du jazz, plutôt comme batteur d'ailleurs, et qui a écrit des poèmes sous le pseudonyme de Nicolas Vergencèdre. C'est lui qui a offert à son frère une guitare-lyre devenue fameuse. Il a longtemps tenu une boutique d'instruments de musique plus ou moins bizarres, rue Grégoire de Tours à Paris. Il est mort en 1995.
Ce disque par contre ne m'était pas tout à fait inconnu. J'avais eu l'occasion d'admirer sa pochette, tout à fait saisissante, chez Dorian Feller, qui possède depuis longtemps un exemplaire de ce 45 tours.
Un Méphisto tout à fait convaincant, un piano en feu, une chouette posée sur une pique à l'arrière-plan, cela est l'oeuvre d'un grand photographe, plutôt réputé pour ses portraits de musiciens de blues, Jean-Pierre Leloir. On peut voir une autre photo de la même séance, en noir et blanc, sur le site officiel de Jean-Pierre Leloir.
Sachant qu'Alain Vian n'était pas particulièrement réputé pour être pianiste, je me demande bien quelle est l'histoire de l'édition de ce 45 tours, qui semble bien être son seul disque sous son nom. Il a été édité à la toute fin de l'année 1959, quelques mois après la mort de Boris.
Si la pochette est mémorable, le disque mystérieux, les titres des quatre compositions interprétées, toutes des reprises, assez rigolos, l'écoute du disque est assez décevante. Il s'agit bien, comme indiqué sur la pochette, de charlestons, joués en instrumental au piano. C'est échevelé, sûrement impressionnant pour qui sait apprécier, mais pour ma part, hormis le côté rétro qui me fait penser au ragtime, ça ne me parle pas beaucoup.
N'empêche, je suis très content d'avoir sauvé ce disque diabolique de l'enfer des vide-greniers, et si quelqu'un en sait plus sur les circonstances de sa publication, ça m'intéresse.
Acquis chez Parallèles à Paris probablement à la fin des années 1980
Réf : RNEP 507 -- Edité par Rhino aux Etats-Unis en 1980
Support : 33 tours 30 cm
Titres : Okie from Muskogee -- Get off my cloud -/- I get around -- Flying tigers
Bakersfield Boogie Boys est un groupe éphémère et mystérieux, apparu en 1979 sur le légendaire Devotees album, édité par Rhino Records, qui compilait des reprises de Devo envoyées par des auditeurs de la station KROQ FM. Enfin, des reprises de Devo, à l'exception justement de la contribution des Barkersfield Boogie Boys, qui était une reprise du Okie from Muskogee de Merle Haggard, interprétée en pastichant parfaitement le style de Devo, à tel point que, comme il est indiqué dans les notes de pochette de ce maxi, la rumeur a couru qu'il s'agissait bel et bien de Devo sous pseudonyme.
Ce n'était apparemment pas le cas, en tout cas c'est ce qu'affirme Rhino Records, qui a publié quelques mois plus tard ce seul et unique disque des Bakersfield Boogie Boys, groupe constitué de trois petits gars de Bakersfield, Billy Joe Conrad (basse), Jimmie Lee Grabert (guitare) et Gary Hoffmann (batterie). Et peut-être bien que, même s'ils apparaissent masqués sur la pochette, tout ça est vrai et que ce sont leurs vrais noms. En tout cas, j'ai trouvé la trace du batteur Gary Hoffman, qui était membre de Big Daddy, un groupe justement spécialisé dans les reprises (des titres contemporains des années 1980 joués façon fifties), qui enregistrait aussi chez Rhino. En fait, les BBB ont enregistré leur disque dans le studio ouvert par Bob Wayne, l'un des membres de Big Daddy.
On retrouve ici l'excellente version d'Okie from Muskogee, ce fameux tube anti-hippie de Merle Haggard, écrit en soutien aux combattants américains au Vietnam, que j'adapterais bien en français en Pécore du Périgord !
On trouve ensuite deux autres reprises, chantées par une invitée, Shari Famous, et là l'inspiration n'est plus tant Devo que, clairement The Flying Lizards, tant le "chant", plutôt parlé qu'autre chose, distancié et monocorde, est calqué sur celui de Deborah Evans-Stickland pour The Flying Lizards. Je ne dirais pas que la version de Get off my cloud est mauvaise, mais elle ne fonctionne pas car il ne reste pas assez de ce qui accrochait dans la chanson originale des Stones. Par contre, la version d'I get around des Beach Boys est excellente, et là on croirait vraiment avoir affaire à un titre perdu des Flying Lizards.
L'unique chanson originale du disque, Flying tigers, laisse plus transparaître d'autres influences citées par le groupe (Vanilla Fudge, Frank Zappa), avec quand même un son new wave marqué. C'est agréable, mais loin d'être renversant, et ça explique peut-être pourquoi le groupe n'a pas persévéré au-delà de cet énigmatique maxi.
Acquis chez Rough Trade à Londres le 24 avril 1987
Réf : ISW 305 -- Edité par Island en Angleterre en 1987 -- n° 006257
Support : 33 tours 17 cm
Titres : Trampolene -- Disaster -/- Mock turtle -- Warwick the kingmaker
J'ai déjà eu l'occasion de raconter comment, le 23 avril 1987, avec Philippe R., nous avons été placé devant un choix cornélien : aller voir comme prévu Julian Cope en concert au Town and Country Club à Kentish Town, ou aller à quelques centaines de mètres de là au concert "secret" de Felt sous le nom de Scarlet Servants, avec Momus en première partie. Nous avions maintenu notre projet d'aller voir Cope, sachant que, dès le lendemain soir, nous avions la possibilité de voir Felt en tête d'affiche, au King's College, avec House of Love et The Wishing Stones en première partie. Avant ça, avec Philippe, nous avions passé une bonne journée ce 24 avril 1987, en partie à faire du shopping dans le quartier de Notting Hill. Au rayon collector du Record & Tape Exchange, nous avions eu la bonne surprise de tomber nez à nez avec Monsieur Lawrence et nous étions ressortis de Rough Trade avec chacun un exemplaire de ce 45 tours de Julian Cope en édition limitée et numérotée.
Comme c'était l'habitude chez Rough Trade, il était vendu strictement au prix habituel de l'époque d'un 45 tours, soit 1,75 £. Ce qui est plus surprenant, c'est que Rough Trade en ait eu encore en stock. J'ai vérifié et revérifié, et ce single est bel et bien sorti en janvier 1987, pour annoncer en mars la sortie de l'album Saint Julian. Trois mois après, ces "collectors" auraient dû s'être volatisés depuis longtemps, et d'ailleurs, un nouveau single, Eve's volcano, était déjà sorti. L'explication tien peut-être au fait que Trampolene a succédé au single World shut your mouth (à ne pas confondre avec le premier album solo de Cope, qui porte le même titre), un vrai tube, sa meilleure vente en solo. Et si l'album ensuite s'est bien vendu lui aussi, Trampolene et Eve's volcano se sont eux plantés tous les deux. Et, comme Island avait inondé le marché de multiples éditions du single (45 tours "normal", le même avec pochette ouvrante, maxi-45 tours "normal", le même en version remixée, et donc ce 45 tours 4 titres en édition limitée), ça explique peut-être pourquoi il en restait encore lors de notre séjour. Ou, pour être plus précis, comme Philippe s'en souvient, on a sûrement eu la chance de tomber un jour où Rough Trade venait de recevoir quelques exemplaires de ce disque retrouvés dans un coin ou un autre.
Pour cette édition spéciale, Cope et son manager Cally, s'en sont une fois de plus donné à coeur joie pour l'emballage. Il y a une sur-pochette cartonnée, une enveloppe du type de celles utilisées par les labels pour envoyer leurs disques promo par la poste. A l'intérieur, on trouve le disque dans sa pochette. Il y a bien eu une pochette imprimée pour certains exemplaires de cette édition référencée ISW 305, mais Island a peut-être quand même cherché à faire des économies car mon disque est lui inséré dans une pochette du 45 tours simple IS 305. On trouve aussi dans l'enveloppe un "display poster", comme ceux qui pouvaient être envoyés aux disquaires pour afficher dans leurs boutiques mais, c'est le seul raté du projet, ce poster imprimé en noir et blanc sur du papier journal est vraiment moche.
Dans son livre Repossessed, Julian Cope explique qu'il est tombé un jour sur une cassette avec la démo d'une chanson, enregistrée un an plus tôt, qu'il avait complètement oubliée. Cope est enthousiaste et lyrique à propos de cette démo "extraordinaire — comme un train rapide avec une barbe de ZZ Top". Il mentionne Chuck Berry, Dolly Parton et 13th Floor Elevators. Idem pour la version studio, qu'il décrit notamment comme "une version cosmique du rock sudiste américain".
Je n'ai pas eu l'occasion d'entendre la version démo, mais pour ce qui concerne la version album, l'enthousiasme de son auteur me parait un petit peu exagéré quand même. Certes, c'est une bonne chanson, bien rock, mais la production eighties à fond est dure à digérer et la chanson est bien moins accrocheuse que World shut your mouth. C'est ce titre qui a été choisi pour ouvrir Saint Julian, mais il contribue à faire que je préfére la face B du disque à la A.
Les trois autres titres sont ceux qu'on trouvait sur le maxi 45 tours. Disaster est un bon exemple de chant de marin électrique et épique, mais je préfère encore la face B de ce disque. Mock turtle (je ne sais pas si cette fausse tortue fait référence à la fameuse coquille portée par Cope sur la pochette de son album Fried en 1984) est la grande bonne surprise du disque. Le son est dépouillé et on croirait être revenu au premier album solo, voire même aux faces B de Sunshine playroom. Superbe.
Il y a aussi un petit côté folk à Warwick the kingmaker, un titre sur lequel Cope doit être seul ou presque, car Julian est crédité à la batterie et Double De Harrison (un de ses pseudonymes) l'est au piano.
