LILI L'ABASSI : La bombe atomique

Offert par Christopher Silver par correspondance le 12 novembre 2026
Réf : CO 7040 -- Édité par Pacific en France vers 1947
Support : 2 fichiers MP3
Titres : La bombe atomique (1re partie) -- La bombe atomique (2e partie)

A la fin de ma chronique de la version par Blond-Blond de La bombe atomique, j'exprimais ma frustration de ne pas avoir pu écouter en ligne ou acheter le 78 tours de la version de cette chanson par son auteur Lili L'Abassi.
En cours de rédaction, j'ai repéré deux exemplaires du disque référencés en ligne, un chez Discogs (où aucun exemplaire n'a encore été vendu), l'autre chez Gharamophone.
Gharamophone est un site que je connais depuis au moins 2018, quand j'ai chroniqué le disque de Melle Ratiba El-Chamiah. C'est une archive qui vise à préserver le passé musical juif de l'Afrique du Nord, constituée à partir de la collection de 78 tours de Christopher Silver, un enseignant-chercheur de l'Université McGill au Canada. Il est notamment l'auteur de Recording History: Jews, Muslims, and Music Across Twentieth Century North Africa (Stanford University Press, 2022).

Gharamophone avait l'air en sommeil depuis quelques temps, mais après avoir publié la chronique de Blond-Blond, j'ai tenté le coup et j'ai interpellé Christopher Silver en lui expliquant que je serais très heureux s'il pouvait mettre à disposition sur Gharamophone l'enregistrement de Lili L'abassi.
Très vite, Christopher a répondu que j'avais de la chance, car il est justement en train de lancer une version rénovée de son site, et il a aussitôt et très gentiment mis à disposition les deux faces du 78 tours La bombe atomique de Lili L'abassi !! Si seulement tous mes vœux pouvaient se réaliser aussi vite...

Initialement, je voulais me contenter de rajouter un lien à la fin de la première chronique. Mais ce disque et ce beau cadeau méritent bien une chronique dédiée.

Je ne savais pas, mais les premiers mots de l'introduction de Recording history sont justement consacrés à une anecdote mettant en scène Lili Labassi, enregistrant en 1959 pour RCA à Alger ce qui sera le tout dernier 78 tours du pays, avant que ce format laisse définitivement la place au vinyl. Son fils Robert Moyal (qui a fait une carrière d'acteur sous le nom de Robert Castel) jouait de l'oud sur cet enregistrement, qu'il a longtemps cru perdu, mais Christopher Silver a fini par en trouver sur Ebay un exemplaire qui avait atterri en Israël.
Cela souligne la popularité et l'importance de Lili Labassi pour la musique algérienne et plus largement du Maghreb, lui qui avait commencé à enregistrer dans les années 1920.

Il est indiqué à plusieurs reprises en ligne que la version originale de La bombe atomique daterait de 1947. Ce n'est pas une source sûre, mais vu son thème il est clair qu'elle date de l'immédiat après-deuxième guerre mondiale. Son enregistrement remonte donc à près de 80 ans, et pourtant je trouve qu'elle n'a rien de vieillot. Les conditions en studio étaient pourtant encore précaires (tout le monde, musiciens et chanteurs, en direct autour d'un ou des micros), mais le son est clair, la musique (violon, oud et percussions majoritairement il me semble) est entraînante, la mélodie est accrocheuse et les paroles captent notre attention.

Le rythme est moins enlevé que pour la reprise des années 1970 par Blond-Blond. Il y a des différences dans les paroles entre les deux versions (voir ci-dessous ma transcription des paroles françaises), avec un couplet sur les bombardements du Japon que Blond-Blond avait complètement omis (ça se comprend, ça n'était plus trop d'actualité), et malheureusement un deuxième couplet très lourdingue sur l'utilisation de la bombe pour "régler" ses problèmes conjugaux.
Et surtout, il n'y a pas ici la moralité en conclusion, où Blond-Blond implorait les Nations Unies de faire cesser la fabrication des bombes atomiques.
Quant à l'expression "C'est pas du trafic", je ne la connaissais pas, mais je pense la comprendre : ce serait une façon de dire que ce n'est pas de la camelote, issue du marché noir par exemple.
Du coup, si on prenait au pied de la lettre le texte de la version de Lili Labassi, on pourrait presque penser que c'est une ode à la bombe. Mais il n'y a aucun doute sur la critique au vitriol que contient cette chanson, enrobée d'un humour très caustique. Et elle se termine par une pirouette en hommage à son label, "C'est une chose très magnifique le disque Pacific".

Je ne connais qu'une autre chanson où il est question avec humour des bombes atomiques et de leur taille. Elle date de 1955 et on peut se demander si Boris Vian n'a pas été en partie inspiré par Lili Labassi.

En tout cas, je suis bien content, grâce à Rachid Taha, Blond-Blond et Christopher Silver, d'avoir pu dérouler une pelote qui m'a permis d'écouter cette chanson de Lilie Labassi.

En-dehors d'une page Wikipedia minimale, on trouve en ligne peu d'informations détaillées sur le parcours et la discographie de Lili Labassi. D'expérience, c'est souvent le cas pour les artistes français des territoires hors métropole. Une compilation double CD, Le génie du chaâbi, a été publiée en 2013 (La bombe atomique n'y figure pas).

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La bombe atomique

Ça c'est la bombe atomique C'est pas du trafic
C'est une chose très magnifique Ça vient d' l'Amérique

Pour détruire une ville C'est une chose facile
On la fait grosse comme une pile Elle fait craquer toutes les tuiles
Elle est petite et ronde Longue comme une sonde
Si on veut détruire le monde On la fait plus grande

Chez les japonais Elle a bien sonné
Trois bombes on leur a donné Ils ont vite abandonné
Même dans les abris Ils ont vite compris
Qu'il fallait pas résister Ils ont capitulé

Ça c'est une affaire Qui a fini la guerre
Dommage qu'il n'y a pas Hitler On l'aurait rendu poussière
Lui et son armée Et sa croix gammée
(vers en arabe)

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Ceusses qui craignent leur femme Voilà une belle arme
(vers en arabe) Je vais vous faire la réclame
On devient poussière Et on voyage en l'air
Ça fait changer d'atmosphère Et même de caractère

C'est comme un baroud Ça vient d'Hollywood
(vers en arabe)
(vers en arabe, peut-être : Illa ‘andek chi mra, ou ma ‘icht’ha mara)
(vers en arabe, peut-être : ‘ati-lha la bombe atomique, ou tahrab ‘alik)

(vers en arabe)
(vers en arabe)
Si tu as une fiancée Qu'elle s'est beaucoup fâchée
Donne-lui la bombe atomique Ça va lui passer

Ça c'est la bombe atomique C'est pas du trafic
C'est une chose très magnifique Le disque Pacific

BLOND-BLOND : La bombe atomique

Consulté sur YouTube pour la première fois en juin 2023
Réf : 1297 -- Édité par Dounia en France dans les années 1970
Support : 1 fichier flv
Titre : La bombe atomique

J'ai découvert l'existence de la chanson La bombe atomique au moment où j'ai chroniqué Ida de Rachid Taha (1958-2018). J'ai noté en explorant Discogs que l'une de ses faces B, Girls name, était aussi la face B d'un autre CD single, La bombe atomique, qui n'a été diffusé qu'en version promo hors commerce. Produit par Steve Hillage et avec la même photo de pochette, cette chanson a certainement été enregistrée pendant les sessions de l'album Diwân, mais ce qui est très étonnant c'est qu'elle semble n'avoir été distribuée commercialement que perdue en troisième face B du maxi Ach adani sorti en 1999.

C'est dommage, car cette version de La bombe atomique par Rachid Taha est une excellente chanson, très enlevée, aux paroles parfaitement d'actualité :
"Ça, c’est la bombe atomique, c’est pas du trafic.
C’est une chose très magnifique, ça vient d’Amérique.
Voici la moralité de cette chanson :
Et les Nations Unies seraient raisonnables si elles disaient : « C’est fini de cette chose épouvantable ! »
Pour la sécurité de l’humanité, il faut plus que l’on fabrique la bombe atomique."

Assez vite, j'ai appris que la chanson de Rachid Taha, comme la plupart des titres de Diwân, était une reprise, d'un chanteur dont je ne connaissais que le nom, Blond-Blond (1919-1999). J'en ai retrouvé la trace sur la face B du 45 tours Viens à Juan-les-Pins. En écoutant l'excellente version de La bombe atomique par Blond-Blond , j'ai pu constater que Rachid Taha lui était resté très fidèle.
Une reprise de Blond-Blond par Taha, certes, mais ce n'est pas pour autant que la version de Blond-Blond est la version originale.
On voit mentionner par-ci par-là que la chanson de Blond-Blond date de 1947. Or, il y a un timbre SACEM sur le 45 tours, ce qui le date au minimum du début des années 1970.

1947, c'est l'année où l'auteur de la chanson, Lili L'abbassi (1897-1969), a publié en 78 tours sur le bien-nommé label Pacific ce qui doit être la version originale de La bombe atomique.
Comme Rachid Taha et Blond-Blond, Elie Moyal alias Lili L'abbassi, qui se trouve être le père de l'acteur Robert Castel, est né en Algérie. Il pratiquait le chaâbi et est considéré comme l'un des pionniers de la chanson francarabe dès les années 1930.
On comprend le contexte géopolitique qui lui a inspiré les paroles : la course à l'arme nucléaire après les bombardements américains au Japon en 1945, la guerre froide qui s'installe et les premiers pas des Nations Unies.
Cette chanson de Lili L'abbassi n'est pas en ligne. Ça, ce n'est pas rare et j'y suis habitué. Plus embêtant et plus rare : je n'ai trouvé aucun exemplaire du 78 tours en vente en ligne. C'est donc très frustrant : je n'ai pas eu la possibilité d'écouter cette version, et encore moins de la partager avec vous.

Pour se consoler, on peut écouter une courte version de La bombe atomique par Maurice El Médioni, en hommage à Blond-Blond, et celle qui ouvrait en 2013 l'album La saison des grandes chaleurs d'Au P'tit Bonheur.
Mais toutes les bombes atomiques qui prolifèrent ne sont pas de Lili. Je vous déconseille fortement celle des Musclés (la moralité est très différente : "Il y a bien plus fort que l'atome, c'est l'explosion des femmes sous les câlins des hommes"...!), mais vous pouvez vous déhancher sans craindre les retombées sur celle de William Onyeabor.

Ajout du 13 novembre 2026 :
Ma frustration n'aura pas duré trop longtemps : sur ma demande, quelqu'un a été assez suffisamment aimable pour mettre à disposition La bombe atomique par Lili Labassi.

JOAN JETT : I love rock 'n roll

Acquis d'occasion dans la Marne probablement vers les années 2000
Réf : 101616 -- Édité par Boardwalk en France en 1982
Support : 45 tours 17 cm
Titres : I love rock 'n roll -/- Love is pain

J'appréciais cette chanson qui passait partout en 1982, mais il ne me serait pas venu à l'idée d'acheter ce disque neuf. Elle sonnait sûrement un peu trop hard rock pour moi, et surtout j'avais plein d'autres priorités pour dépenser mon maigre budget d'étudiant.
Mais bon, vu son succès, ce 45 tours se trouve très facilement et j'ai fini par l'acheter. Et surtout, l'histoire tortueuse d'I love rock 'n roll, avec quatre parutions avant que ce soit un tube, est très intéressante.

On n'y prêtait pas vraiment attention à l'époque, mais la version de Joan Jett est une reprise. Son auteur est Alan Merrill (1951-2020). Américain, il était proche en grandissant de sa cousine par alliance Laura Nyro. Il s'est retrouvé au milieu des années 1960 au Japon, où sa mère la chanteuse de jazz Helen Merrill s'était installée. C'est là qu'il connaît ses premiers succès.
En 1974, le guitariste Jake Hooker (1953-2014) lui paie le billet d'avion Tokyo-Londres pour venir y former le groupe Arrows, initialement un trio où Merrill est à la basse et au chant. Ils ont du succès avec Touch too much (un titre différent de celui d'AC/DC).

En 1975, Alan Merrill écrit I love rock 'n roll, en réaction épidermique à It's only rock 'n roll des Rolling Stones. C'est un titre fortement marqué par le glam, notamment pour la rythmique. En le réécoutant, je me suis dit qu'il a pu servir d'inspiration à We will rock you de Queen, sorti en 1977.
Alan Merrill expliquait que, côté paroles, il y avait pour lui deux chansons en une : l'histoire d'une rencontre dans un bar racontée par les couplets, et pendant le refrain ce qu'on entend serait la chanson jouée sur le juke-box, un hymne au rock and roll.
Il est le seul auteur de la chanson, mais Jake Hooker est également crédité car ils avaient passé un accord pour rembourser la dette du billet d'avion. Hooker a fait une très bonne affaire en avançant ce billet !

La version originale d'I love rock 'n roll est sortie en 1975 chez Rak, mais elle n'était qu'en face B du 45 tours Broken down heart. Assez vite, le disque a été réédité avec I love rock 'n roll en face A, mais il y a eu d'autres complications, dont une grève de la presse, et le disque est passé inaperçu. Le groupe a quand même joué la chanson une fois à la télé, ce qui leur a donné une excellente opportunité puisque, après ce passage, la productrice leur a proposé d'animer leur propre émission musicale, Arrows. Il y a eu 28 épisodes en 1976-1977, au cours desquels le groupe jouait trois de ses chansons et recevait deux invités. Sauf qu'ils étaient en conflit avec leur label et qu'il n'ont pas pu capitaliser sur cette publicité : ils n'ont plus sorti un seul disque à partir du moment où l'émission a débuté et le groupe s'est séparé en 1978.

Entre-temps, Joan Jett, en tournée anglaise en 1976 avec les Runaways, les a vus jouer I love rock 'n roll à la télé. Elle s'est procuré le disque et elle n'a plus jamais lâché cette chanson, dont elle a fait un classique du rock and roll.

Tout d'abord, les Runaways ont travaillé ce titre en répétition en 1977, mais il a finalement été décidé de ne pas l'inclure dans le répertoire, car ça faisait un peu doublon avec Rock & roll du Velvet Underground.

Ce n'était que partie remise. Après la séparation des Runaways, Joan Jett a enregistré ses premières sessions solo à Londres avec Steve Jones et Paul Cook des Sex Pistols. Il en a résulté You don't own me, un 45 tours sorti en 1979 chez Vertigo mais, de ce que je vois sur Discogs, ce disque n'est sorti qu'en Hollande et en Scandinavie. En tout cas, sa face B est une première version d'I love rock 'n roll par Joan Jett, un peu moins tranchante que celle qu'on connaît. Pour l'anecdote,  Alan Merrill a expliqué qu'il s'est retrouvé à un moment à enregistrer dans le même bâtiment que Joan Jett, mais il ne savait pas qu'elle allait faire cette reprise de sa chanson. Évidemment, ce disque très peu diffusé est resté une obscurité.

Mais Joan Jett doit être têtue. En 1981, pour son deuxième album sous son nom, le premier avec son groupe The Blackhearts, elle a travaillé avec les producteurs Ritchie Cordell, connu notamment pour son travail avec Tommy James and the Shondells, et Kenny Laguna, dont le nom figurait notamment au dos des premiers disques de Jonathan Richman and the Modern Lovers chez Beserkley.
Cette fois-ci, ce petit monde a mis toutes les chances de son côté. Cette nouvelle version d'I love rock 'n roll, comme la précédente, garde strictement la structure de la version originale des Arrows, mais le son est tranchant et la production percutante.
Et plus question de face B : la chanson ouvre l'album et lui donne son titre, et elle est bien en face A du 45 tours sorti début 1982. Ça ne fonctionne pas à tous les coups, mais là si, enfin : le disque a eu un grand succès partout dans le monde, se classant numéro 1 des ventes aux États-Unis. La persévérance a fini par payer !

La face B, Love is pain, est écrite par Joan Jett et figurait aussi sur l'album. Elle est sur un tempo moyen et semble hésiter entre rock and roll pendant les couplets et le son new wave d'époque pour le refrain. Elle a un peu de mal à décoller, mais elle passe bien quand même au bout du compte.

Je suis plus ou moins dans l'actualité : l'album I love rock 'n roll va être prochainement réédité, 45 ans après sa sortie, avec un disque bonus, The shadow album, enregistré en 1980, qui contient des versions inédites des titres de l'album.


Joan Jett, I love rock 'n roll. Ci-dessus, la vidéo classée comme "officielle" sur YouTube, en noir et blanc, avec une scène d'introduction complète. Ci-dessous, la vidéo en couleurs, telle qu'elle était diffusée à la télévision à l'époque, mais apparemment Joan Jett n'aime pas le rouge de sa tenue.



Joan Jett, I love rock 'n roll, dans l'émission de la télévision hollandaise TopPop le 13 avril 1982.

SESAME STREET : Monster in the mirror

Consulté sur YouTube le 1er novembre 2026
Réf : [sans] -- Édité par Sesame Street aux États-Unis en 1990
Support : 1 fichier flv
Titre : Monster in the mirror

Dimanche, au lendemain de ma chronique du disque d'Aaron Nudelman, j'ai repensé au titre de l'album et je me suis dit que j'avais oublié de chercher à quoi cette expression, "Monster in the mirror" pouvait bien faire référence. Cette idée d'un monstre qui apparaît dans un miroir m'avait semblé familière dans un contexte de récit d'horreur ou d'épouvante, mais je pensais que c'était peut-être lié précisément à une comptine, une œuvre littéraire ou un film.

Eh bien non, en tout cas pas vraiment. Quand on fait une recherche sur internet, on découvre qu'il y a plusieurs œuvres littéraires qui portent ce titre, dont une étude sur H.P. Lovecraft, mais rien de connu ou de "classique". Au bout du compte, les résultats de recherche sont dominés par une seule œuvre, une chanson de l'émission Sesame Street que je ne connaissais pas du tout. Je l'ai écoutée par curiosité, et elle m'a bien plu. Voilà comment on se retrouve avec deux monstres de suite : il ne va plus y avoir de place dans le miroir !

Sesame Street, lancée en 1969, est une émission de télévision américaine un peu particulière : elle est éducative et elle était diffusée sur le réseau de télévision publique. Les marionnettes (de la famille des Muppets) et les chansons y tiennent une grande place.

Monster in the mirror a été diffusée pour la première fois dans une émission de 1990. Cette chanson est "interprétée" par Grover, un gentil monstre bleu. Elle est écrite par deux des auteurs fidèles de l'émission, Christopher Cerf et Norman Stiles.

Je ne saurais pas trop dire quel est le style musical de Monster in the mirror. Emmenée par le piano, ponctuée par ce qui doit être un saxophone basse, ce qui compte c'est que c'est une chanson entraînante et joyeuse.
Les paroles ne sont pas du tout prêchi-prêcha, mais il y a bien sûr un petit message sous-jacent. Il est question de ne pas être effrayé par le monstre qu'on découvre au matin dans son miroir, parce que ce monstre pourrait tout simplement être soi-même. Sur un thème similaire, Grover avait été en 1971 le héros d'un livre qui a eu un très grand succès, The monster at the end of this book.
Le mot "wubba" utilisé dans le refrain fait partie du langage des monstres de Sesame Street. Son sens reste inconnu.

Il y a deux séquences principales de Sesame Street avec Monster in the mirror, la version originale de 1990 et celle concoctée quelques temps plus part, avec la participation des invités de la dernière saison en cours, parmi lesquels on note, Bo Diddley, très fugacement, et Ray Charles, quelque secondes de plus.

Signe que Monster in the mirror est une chanson populaire, je suis tombé au cours de mes recherches initiales sur une reprise pop-rock par Scoopski, un duo de Philadelphie. Il y a aussi des versions au piano, comme celle-ci.


Sesame Street, Monster in the mirror, avec la séquence originale de 1990 ci-dessus, et ci-dessous celle réalisée un peu plus tard avec les invités vedettes.



Sesame Street, Monster in the mirror, une vidéo réalisée en 2017.

AARON NUDELMAN : Monster in the mirror

Offert par Philippe D. par correspondance en 2001
Réf : AG-08 -- Édité par Amazing Grease aux États-Unis en 2000
Support : CD 12 cm 
9 titres

Un monstre dans le miroir pour Halloween, je ne l'ai pas fait exprès...

L'autre jour, je suis repassé sur la liste de mes compilations mensuelles du tournant du siècle (1997-2004) et j'y ai repéré Rainy day okay par Aaron Nudelman sur la compilation It's a wonderful life d'octobre 2001, soit il y a pile 25 ans. La chanson m'avait suffisamment plu pour que je la sélectionne pour All this crazy gift of time, ma compilation de compilations de fin d'année, qui m'a également servi de carte de vœux cette année-là.

En relisant le titre, l'accroche de la chanson m'est revenue en tête, mais le nom de l'artiste ne me disait rien. Il faut dire qu'en fait je n'ai jamais rien su d'Aaron Nudelman. Ce disque, tout comme Mysterious walks de St. Thomas, fait partie d'un lot qui m'a été très gentiment offert par Philippe D. à une époque où il avait décidé de faire un très grand ménage dans sa collection de CD. Des amis parisiens avaient été invités à venir se servir chez lui et en tant que provincial j'avais eu droit pour ma part à un envoi personnalisé.

Ce mini-album (9 titres en 25 minutes) est le seul sorti par Aaron Nudelman sous son nom. Il fait assez profil bas en ligne (pas de page Wikipedia ni de site à son nom), pourtant il a plus de 80 crédits sur Discogs et il a contribué à un nombre impressionnant d'albums sortis par des groupes dont il a été membre avant et après la sortie de Monster in the mirror, comme Wig Torture, Altamont, Mensclub, Sunless Day, The Sleaves et Hot Lunch.
C'est ce dernier groupe qui a le parcours le plus conséquent. Formé vers 2010, il a sorti deux albums en 2013 et 2019, plus un paquet de singles, et il jouait encore sur scène en 2025.
Un long entretien de 2013 d'Hot Lunch avec Psychedelic Baby Magazine nous donne quelques informations sur le parcours d'Aaron, guitariste californien installé à San Francisco.

Avec le prénom Ron, Nudelman a sorti en 1998 sur son propre label un 45 tours quatre titres. On en retrouve ici les trois chansons originales, ne manque que la reprise de The Churls.
La guitare acoustique qu'Aaron arbore sur la pochette est un bon indicateur. On sent bien que c'est l'instrument principal du disque, qu'elle a servi pour composer les chansons. A défaut de crédits, on peut penser qu'il joue tous les instruments qu'on entend.
La tonalité de l'ensemble est pop, un peu psyché par moments, dans un style par exemple à la Posies. La production a un côté bricolo, ce qui n'est pas pour me déplaire, au contraire.

Rainy day okay est une réussite, avec de la batterie et plusieurs voix superposées. Il y a d'autres titres enlevés dans le lot, comme The things I do, avec de l'orgue, I'd hate to see... et You don't know.
Same old time est le titre le plus psyché; il est complété par Place, une sorte de codicille instrumental.
Il y a aussi une séquence de chansons plus lentes qui débute par Miss you, avec guitare électrique, suivie de I can take, avec de l'orgue, et Sunrise, sunrise, une ballade acoustique, mais avec une guitare saturée en embuscade.

Je ne pense pas que ce disque risque d'être réédité un jour, mais plusieurs exemplaires sont en vente sur Discogs ou Ebay, et bizarrement la plupart des exemplaires se trouvent en Europe.

Seules trois des chansons sont en écoute sur YouTube. L'album entier est disponible sur des plate-formes de streaming. Chez Apple Music, par exemple, on peut si on n'a pas de compte écouter des extraits des neuf titres.

LES WAMPAS : J'ai avalé une mouche

Consulté chez wampas.com le 24 octobre 2026
Réf : 010.0003.20 -- Édité par PIAS en France en 2000
Support : 1 fichier mp4
Titre : J'ai avalé une mouche

J'ai réécouté J'ai avalé une mouche la semaine dernière juste après avoir chroniqué Stalks de Twisted Teens et je me suis dit que les deux chansons ont plein de points communs : une durée courte, une base musicale de riff de guitare bien crade, avec en bonus dans les deux cas de la guitare slide, une mélodie accrocheuse et des paroles qui ont l'air toutes simples. En fait, elles appartiennent à une grande famille de chansons bruyantes que j'aime beaucoup dans laquelle je mettrais parmi les plus anciennes Teenage kicks des Undertones ou What do I get des Buzzcocks.

J'ai avalé une mouche est sortie en 2000 sur l'album Kiss, que je n'ai pas, qui n'est pas dans ma discothèque. Il n'y a pas eu de single commercialisé, mais l'idée devait être dans l'air puisque qu'une vidéo a été réalisée (par le guitariste du groupe Joseph Dahan, ancien de Mano Negra) et il existe un CD single hors commerce destiné aux professionnels (c'est là que j'ai récupéré l'illustration de pochette ci-dessus).

Tout coule tellement bien avec une chanson comme ça qu'on a l'impression que ça doit être facile à faire. Mais ce genre de simplicité ou d'évidence, c'est souvent trompeur. Ça se saurait si ce type d'excellente chanson était plus facile à faire que d'autres.
Les paroles sont un bon exemple. Ça part sûrement d'une anecdote vécue ("J’ai avalé une mouche en roulant sur mon vélo" - Didier Wampas doit faire pas mal de vélo. Les copains de Radio Primitive racontaient qu'il emmenait son biclou dans le camion de tournée et qu'il était venu au studio pour une interview en pédalant), avant de nous narrer une rencontre ("J’ai attrapé l’amour en te regardant le dos", bien vu !) et d'évoquer le chant en yaourt qu'on pratique tous ("Je chantais cette chanson dont je n’connais pas les mots, Oh oh oh oh, I love you so").

A signaler, deux versions live de J'ai avalé une mouche, en acoustique pour Canal B à L'Ubu de Rennes le 17 mars 2000 et à La Cigale à Paris le 13 ou 14 juin 2003. Cette dernière version est extraite de l'album Never trust a live. Elle est aussi sur Never trust a DVD, mais l'extrait vidéo n'est pas en ligne.

Les Wampas seront en concert à Vitry le François le 13 novembre prochain.
Didier Wampas participera à une rencontre littéraire au Manège de Reims le 29 novembre dans le cadre du Charabia Festival.

THE RUTLES : I must be in love

Acquis je ne sais plus comment ni où probablement dans les années 1990
Réf : K17125 -- Édité par Warner Bros en Angleterre en 1978
Support : 45 tours 17 cm
Titres : I must be in love -/- Cheese & onions -- With a girl like you

Les premières fois que j'ai vu mentionner le nom des Rutles, je l'ai volontairement ignoré car je croyais que ce groupe fictif avait un rapport avec le film Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, avec les Bee Gees et Peter Frampton en vedette, un film qui n'a pas bonne réputation et dont le double album de la bande originale a longtemps hanté les bacs à soldes.
Je ne savais toujours rien de ce groupe quand j'ai acheté au début des années 1990 la compilation de reprises du label Shimmy Disc Rutles Highway revisited, avec la participation notamment de Dogbowl et Daniel Johnston.
Ce n'est que plus tard que j'ai découvert l'histoire de ce groupe, qui au départ n'a été conçu en 1976 par Eric Idle des Monty Python et Neil Innes du Bonzo Dog Doo-Dah Band que pour apparaître dans un sketch d'une série d'émissions intitulée Rutland Weekend Television, parodie d'une chaîne de télé régionale. Une version d'I must be in love, le pastiche des Beatles créé pour l'occasion, a été incluse dans un album de chansons de l'émission publié par la BBC.

La carrière des Rutles aurait pu s'arrêter là. Mais avant même la diffusion sur la BBC, Eric Idle avait été l'invité principal de l'émission de télé américaine NBC's Saturday night (connue depuis sous le nom Saturday night live). Il y a diffusé le sketch d'I must be in love. Cela parlait sûrement aux responsables de l'émission qui, quelques mois plus tôt avaient lancé un appel à la reformation des Beatles, contre la somme folle de 3000 $ (un appel, soit dit en passant, auquel John Lennon et Paul McCartney, ponctuellement réunis à New York, ont bien failli répondre la semaine suivante).
La prestation d'Eric Idle a tellement plu ce soir-là qu'il a de nouveau été invité en avril 1977, proposant une émission façon téléthon pour sauver l'Angleterre du marasme économique. Ce soir-là, Neil Innes a joué une autre chanson des Rutles, Cheese and onions.

Eric Idle avait tellement aimé le sketch des Rutles qu'il envisageait de faire un faux documentaire sur le groupe pour la BBC. Lorne Michaels de Saturday night a proposé de le produire et c'est ainsi qu'est né All you need is cash, un téléfilm diffusé en mars 1978 qui retrace la carrière des Rutles, calquée très fidèlement sur celle des quatre garçons de Liverpool.
Neil Innes, l'auteur des chansons, a fait très attention à ce que ses pastiches évoquant chaque fois un ou plusieurs titres des Beatles ne tombent pas dans le plagiat. Ça n'a pas suffi. Le propriétaire de Northern Songs, contre l'avis de George Harrison qui soutenait le projet, a menacé les Rutles de poursuites et réclamé 90% des droits d'auteur pour Lennon et McCartney. Un musicologue expert soutenait Innes, mais son éditeur n'a pas voulu se lancer dans de coûteux frais de justice et la moitié des droits des Rutles a été attribuée aux Beatles, ce qui a mis un bon coup au moral de Neil Innes.

La diffusion du film a été accompagnée par la publication d'un album de sa bande originale, The Rutles, avec pochette ouvrante et grand livret de seize pages. Mon 45 tours en est extrait.
Les trois chansons sont excellentes, particulièrement I must be in love, tiré de A hard day's rut, qui est bien le tube du disque. Intro à la guitare qui inspirera les Byrds, chœurs très présents, la chanson est accrocheuse. J'aime beaucoup le "Love" prononcé avec une imitation de l'accent du nord de l'Angleterre.
Ron Nasty tient la vedette sur Cheese and onions, une chanson débutée en piano-voix, avec un arrangement qui s'enrichit par la suite avec des cordes. C'est par ailleurs la dernière chanson de l'album Sgt. Rutter's Only Darts Club Band.
Dans le film, With a girl like you est "chantée" par Dirk McQuickly, interprété par Eric Idle. Mais sur l'enregistrement, celui qui chante c'est Ollie Halsall, que je connais surtout pour son travail avec Kevin Ayers. Dans le film, on voit les Rutles jouer cette chanson en concert en présence de la reine d'Angleterre.

Ce n'est sûrement pas un hasard si les films Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band et All you need is cash sont sortis tous les deux en 1978. Il y a eu aussi une grande campagne de réédition des Beatles cette année-là. Quelques années après leur séparation l'impact culturel et populaire des Beatles était très fort et les promoteurs aussi bien qu'une partie du public espéraient encore une suite à leurs aventures. 
All you need is cash est un film à petit budget en partie improvisé qui est loin d'être un chef d’œuvre, mais il est à l'origine d'un sous-genre, le mockumentaire, qui a notamment produit en 1984 l'excellent This is Spinal Tap.

Les Rutles se sont reformés en 1996 et, à la manière de l'Anthology des Fab Four, ils ont publié un nouvel album, Archaeology. Cette fois, Neil Innes avait réglé en amont toutes les questions de droits d'auteur des chansons. Il n'avait juste pas anticipé qu'il serait poursuivi en justice par le label d'Eric Idle, propriétaire du nom Rutles !
Neil Innes est mort en 2019 à 75 ans à Montcuq dans le Lot, où il habitait depuis plusieurs années.


The Rutles, I must be in love, lors de leur première apparition à l'écran en Angleterre, le 12 novembre 1976 dans la série Rutland Weekend Television.


The Rutles, Cheese & onions, le 23 avril 1977 dans l'émission américaine NBC's Saturday night.

Ci-dessous, les extraits d'All you need is cash où l'on entend les trois chansons du 45 tours. Le film complet est disponible ici.

TWISTED TEENS : Stalks

Acquis par correspondance via Bandcamp le 18 octobre 2026
Réf : [sans] -- Édité par Sub Pop aux États-Unis en 2026
Support : 1 fichier MP3
Titre : Stalks

L'autre jour, quelqu'un a publié le lien vers cette chanson. Je ne connaissais pas du tout ce groupe, mais j'ai cliqué par curiosité et j'ai su dès les premières secondes que Stalks me plairait.
Twisted Teens est un duo basé à La Nouvelle Orléans, composé de Caspian Halliwell, qui joue de plein d'instruments et qui chante, et RJ Santos, qui joue de la guitare steel.

Ils étaient voisins quand ils se sont mis à collaborer en 2024, en commençant par sortir un album. 2025 a été relativement calme, avec juste un EP, mais en 2026 ils ont sorti les albums Blame the clown en février et Florida water blues en juillet. Et comme si ça ne suffisait pas, un troisième album de 2026 est annoncé le 6 novembre. The holy cross tigers sera leur premier à sortir sur le gros label Sub Pop.

L'album, qui n'était pas prévu pour si tôt, a été composé et enregistré très vite, les chansons étant inspirées par une rupture amoureuse.
Ce n'est pas pour autant que Stalks est une chanson triste ou qui a le blues. Au contraire, c'est de la pop bruyante, foutraque et bien barrée, joyeuse et enthousiasmante. Sans surprise, la vidéo qui l'accompagne est  bien fofolle aussi. Le titre de la chanson fait référence aux tiges d'une plante, l'achillée, mais j'ai bien l'impression que les paroles dans leur ensemble fourmillent de connotations sexuelles.

A l'écoute, Twisted Teens me fait penser à des gens comme Guided By Voices, eux aussi bruyants et prolifiques, les Tall Dwarves, les Rising Sons pour la slide ou les Feelings pour le côté allumé. When we first met, l'autre titre diffusé pour annoncer l'album, est très bien aussi.

J'ai à peine commencé à survoler les autres disques, mais je suis bien sûr qu'il y a plein d'autres bonnes choses à y découvrir.
Twisted Teens a fait une tournée en Europe en 2025, qui est passée par Épinal le 7 septembre. Je les guetterai à leur prochain passage.

MUNGO JERRY : Sur le pont d'Avignon

Acquis à La Recyclerie à Châlons-en-Champagne le 15 septembre 2023
Réf : 2058 847 -- Édité par Polydor en France en 1977
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Sur le pont d'Avignon -/- Feels like I'm in love

L'autre jour avec Philippe R. on se demandait si j'avais déjà chroniqué un disque de cet excellent groupe qu'est Mungo Jerry. Je n'étais pas sûr de la réponse; tout ce que je savais c'est que, si j'avais effectivement fait une chronique, c'était probablement In the Summertime ou la reprise de Dutronc Alright, alright, alright que j'avais dû choisir.
Bon, en fait il n'y avait encore eu aucune chronique et, sûrement au grand désespoir de Philippe, c'est finalement sur cet obscur 45 tours que j'ai jeté mon dévolu. Je l'ai acheté un jour de bonne pêche à la ressourcerie de Châlons, où j'avais trouvé une vingtaine de disques tous formats (45t,33t, 78t, CD), par notamment Salem Tradition, Sweet Emma ou Les Jokarys.

L'album de 1977 de Mungo Jerry, crédité en Angleterre à Ray Dorset and Mungo Jerry, s'appelle Lovin' in the alleys, fightin' in the streets. La pochette avec Ray sur sa Moto Guzzi et une femme en robe rouge à côté est tout sauf une réussite.
La photo de pochette de mon 45 tours provient de la même session de prises de vues, et les deux faces viennent aussi des sessions d'enregistrement de l'album, mais on ne les trouve pas dessus. En 1977, ces deux chansons sont sorties uniquement sur ce 45 tours, qui ciblait spécifiquement les marchés francophones puisqu'il n'a été diffusé qu'en France, en Belgique et au Canada. Ces deux chansons n'ont pas été publiées en Angleterre avant 1979, lors de la sortie de la compilation Six a side.

C'est un coup classique avec les versions de chansons populaires : vous serez peut-être surpris d'apprendre que Sur le pont d'Avignon est signé par Ray Dorset !
Franchement, ce n'est pas une version intéressante. L'objectif est purement commercial, et on nous sert de la variété, voire du baluche, avec ses claquements de mains et ses "Lalala, lala, la, lala".
Pour ce qui est d'une version rock de cet air, je préfère le Comme ci, comme ça des Spotnicks, qui date de 1963.

Ce qui fait l'intérêt de ce 45 tours, c'est sa face B, Feels like I'm in love, cette fois-ci une véritable composition originale de Ray Dorset. L'arrangement est une sorte de disco léger (à cette époque, presque tout le monde donnait dans le disco, même les Stones et Kiss), avec des chœurs qui font "Ouh" et "Ah". C'est de la pop efficace et accrocheuse.
Ce qui est intéressant, c'est que cette chanson publiée sur une obscure face B d'un obscur 45 tours a eu une destinée commerciale exceptionnelle. Il faut dire que, dès le départ, Ray Dorset avait de grandes ambitions pour elle : il la destinait rien moins qu'à Elvis Presley. Il a même chanté la démo dans son style et, quand on le sait, ça s'entend aussi sur le disque. Sauf que, au moment où son producteur a cherché à entrer en contact avec l'entourage du King pour la lui proposer, Elvis a eu la mauvaise idée de calancher. C'est pour ça que la chanson s'est retrouvée mise de côté et même reléguée.
Quelques temps plus tard, la chanteuse Kelly Marie, surtout connue en France pour son tube Who's that lady with my man, l'a entendue chez un éditeur et, avec son producteur, ils ont pensé qu'elle avait du potentiel.
Kelly Marie a donc enregistré une reprise de Feels like I'm in love, dans un style disco plus marqué. Le succès n'a pas été instantané, loin de là. Le 45 tours est d'abord sorti en 1979, sans grand succès. Réédité en 1980, il a fallu plusieurs mois pour qu'il se diffuse dans le pays mais, en septembre 1980, Kelly Marie a été numéro 1 des ventes pendant deux semaines au Royaume-Uni. Une version remixée sortie en 1981 a également eu du succès aux États-Unis.
Et voilà comment un chanson uniquement sortie en France, en Belgique et au Canada est sûrement devenue une de celles de Ray Dorset qui ont été le plus diffusées, derrière In the Summertime.


Avec une introduction par Jacques Martin et Stéphane Collaro, Mungo Jerry interprète Sur le pont d'Avignon en direct à la télévision le 24 avril 1977.


Avec une introduction par Michel Drucker et Claude François, Mungo Jerry interprète Sur le pont d'Avignon dans l'émission Les rendez-vous du dimanche le 17 avril 1977.


Kelly Marie se souvient de sa découverte de Feels like I'm in love pendant que Ray Dorset en interprète une version acoustique.


Mungo Jerry, Feels like I'm in love, une version rapide en concert à l'Université de Lancaster au début des années 1980, à l'époque du succès de Kelly Marie.


Mungo Jerry, Feels like I'm in love, une version plus lente en concert en janvier 2001 au Liverpool Club à Bunde en Allemagne.

LUCAS SCHWARTZ : Definitive gaze

Acquis par correspondance via Bandcamp le 11 octobre 2026
Réf : LINGE043 -- Édité par Linge en France en 2014
Support : 1 fichier MP3
Titre : Definitive gaze

Dimanche dernier, JC de The Vinyl Villain a terminé sa série de chroniques de l'intégrale des singles de Magazine.
Cela explique pourquoi l'après-midi même, alors que je cherchais sur Bandcamp une idée de chronique, je me suis mis à rechercher des reprises de Magazine. J'ai fait un essai avec Shot by both sides, sans rien trouver de probant, puis avec A song from under the floorboards (j'ai bien aimé la version synthétique par Very Serious). Pour le troisème essai avec Definitive gaze, il n'y avait que deux chansons en résultat, dont une n'était pas une reprise. Mais j'ai su tout de suite à l'écoute de la version de Lucas Schwartz que j'étais tombé sur quelque chose de spécial, par un français en plus.

L'album dont ce titre est extrait, English feelings vol. 1, a été publié en numérique par Linge Records, qui se présente comme "le label des musiques à refaire, entre musiques pop, électro et expérimentations. (...) Les artistes Linge Records acceptent et recherchent l’imperfection qui surgit dans la création. Dans une société en quête de rationalité et de perfection, la démarche de ces artistes empreints de spontanéité apparaît essentielle.". 
Le moins qu'on puisse dire c'est que l'album de Lucas Schwartz remplit parfaitement ces critères.

On a affaire à un album de reprises de chansons de la période de la New Wave, enregistrées a cappella, à l'exception parfois d'une petite rythmique. Ça tombe bien car la version du titre imparable de Magazine qui ouvre l'album Real life est l'une des plus réussies du lot.

Il y a bien là une percussion tout du long (le son d'une balle de ping pong ?), et plusieurs pistes de voix, dont une qui reproduit la rythmique électronique et d'autres plus mélodiques pour les autres instruments. Il y a aussi plusieurs pistes pour le chant, toutes interprétées par Lucas Schwartz, avec parfois du souffle dans le micro (l'imperfection selon Linge). C'est à la fois complètement barré et réjouissant. Je n'en ai jamais eu l'idée, mais j'aurais bien pu me lancer dans ce genre d'expérience (sauf qu'il me manquait la patience et le talent), comme quand j'avais inventé à la radio la course de disques : deux chansons lancées ensemble et mixées en direct, pour voir qui gagnerait à l'arrivée. Et de toute façon, ça fait bientôt cinquante ans que je chante pour moi des "tou lou tou tou tou tou lou" pour reproduire l'intro quand je pense à Definitive gaze.

Je n'ai pas écouté tout l'album qui, sur 18 titres, contient plus d'un tiers de reprises des Stranglers. Il y a aussi Making plans for Nigel et une version de Flowers of romance de PIL qui s'avère être très fidèle à l'originale. Sur la chaîne YouTube de Lucas Schwartz, on trouve deux autres titres d'Howard Devoto, Rainy season et Redneck de Luxuria. Ailleurs, il y a aussi toute une série de reprises de chansons de Steve Diggle des Buzzcocks.
Je me demande bien comment quelqu'un, d'assez jeune visiblement, s'est retrouvé à se lancer à fond et de façon aussi pointue dans le répertoire New Wave.
Tous les titres enregistrés par Lucas Schwartz ont été publiés en 2014. Il n'y a pas eu de suite à ce projet, mais apparemment cette version de Definitive gaze aurait été enregistrée en 2009.

En cherchant à en savoir plus sur lui, j'ai découvert que, toujours en 2014, Lucas Schwartz a publié des titres originaux sous le nom de Lucas Verbèke. Les deux que j'ai choisi d'écouter, Le CD de la politique et Un bruit formidable, sont intéressants. 
Par ailleurs, il a publié plein de choses sous son nom Lucas Taïeb, des BD (Reconstitutions, Les petits totems, Chez le bouquiniste, Lucas Taïeb est énervé), des textes, des blogs, des fanzines...
Malheureusement, j'ai aussi appris dans la foulée que Lucas Taïeb est mort en 2024 à 36 ans. Ça m'a touché. Je venais de découvrir sa musique, je m'apprêtais à chroniquer ce titre et j'aurais sûrement essayé de l'en avertir... Ce qui est positif, c'est bon nombre de ses créations sont toujours disponibles en ligne et, comme ça m'est arrivé, le public peut continuer à les découvrir.

LES POP'S EXPERIENCE : Nous peut recommencer

Acquis sur le vide-grenier de Bisseuil le 27 septembre 2026
Réf : 5021 -- Édité par Issa en France en 1977
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Nous peut recommencer -/- Libertés individuelles

Le temps était très sec et très doux, j'ai donc pu me rendre à Bisseuil à vélo. J'avais donc la certitude de faire une balade agréable, à défaut d'avoir celle de trouver des disques intéressants.
Et ça commençait mal car il y avait assez peu de stands (et peu de chalands non plus), mais, arrivé sur la fin de mon parcours, sur le stand d'un brocanteur semi-professionnel, je me suis accroupi pour examiner le contenu d'une boite à chaussures dans laquelle il devait y avoir trente à quarante 45 tours. Principalement de la variété, mais à un moment je suis tombé sur un disque Issa, label réputé de La Réunion.
Malheureusement, la pochette était vide ! Je l'ai mise de côté en espérant tomber sur le disque plus tard, car il y en avait quelques-uns sans pochette. J'ai fait chou blanc, mais à la place j'ai trouvé un peu plus tard deux autres disques Issa, en parfait état disque et pochette, que j'ai pris sans barguigner à 1 € pièce.

L'autre disque est Bonne fête maman chérie de Williams, sur lequel on trouve deux ségas sympathiques mais, comme souvent avec les chansons accompagnés par The Soul Men, il y a un son de clavier qui me dérange.
Pas de séga du tout sur mon disque des Pop's Expérience, même si le groupe en avait à son répertoire. Ça m'a presque déçu initialement, mais les deux morceaux qu'on y trouve sont très intéressants, même sans les rythmes et sons typiques de La Réunion.

Les Pop's Expérience sont quatre. Sur la photo de pochette, il est caché tout au fond, le casque sur les oreilles, mais Roland Ramakistin joue un rôle essentiel dans le groupe : il écrit les paroles et la musique, chante et joue des claviers. Les autres membres du groupe sont Jannick Chéreau à la batterie, Jean-Luc Verbar à la guitare et Roger Gravier à la basse. Ils ont été actifs de 1970 à 1980, avec une très bonne réputation pour animer les soirées. Ils ont sorti neuf 45 tours.
Roland Ramakistin a fait toute sa carrière professionnelle comme instituteur de l'école de Trois-Bassins où il avait été élève. Il a fondé Radio Velly Music en 1983. Il a été maire de la commune de 2008 à 2014.
L'article de Forest pour La Réunion lé là ! décrit très bien la musique des Pop's Expérience et le chant de Roland Ramakistin :
"Les 4 camarades emmenés par Roland Ramakistin ont éclos avec fulgurance dans la vague Pop/Rock des années 70 avant de s'éteindre tout aussi brusquement. (...) la voix déglinguée, l'élan primal si caractéristique du groupe, a marqué durablement cette jeunesse chantée avec engagement.
Sans mettre le séga au banc des airs obsolètes, sans en faire non plus une marque de fabrique, la musique des Pop's Experience va se traduire par une improbable fusion entre toutes les tendances du moment. Interprétés corps et âmes par Roland Ramakistin, dont les performances vocales demeurent à ce jour inégalées par leur expulsion, leur force manifeste à défaut de technique, les morceaux du groupe poussent à l'action, comme une marche que chacun doit faire avec l'autre.".

Sur l'exemplaire de la Discothèque Centrale de l'ORTF, quelqu'un a noté que la face A de mon 45 tours est un slow en créole et que la face B est un rock. Pas faux. Il est aussi précisé au dos qu'il y a la participation de Gaby au saxo (probablement le Gaby des Soul Men). Je ne doute pas qu'il soit présent sur l'enregistrement mais, même en tendant attentivement l'oreille, je n'ai pas réussi à distinguer le son de son instrument.

Nous peut recommencer semble évoquer la possibilité d'un nouvel Éden. Les percussions, la basse et le clavier sont bien dosés, la chanson est très bien, mais ce qui est remarquable c'est la guitare solo qui se déploie en continu tout au long de la chanson à partir du moment où elle apparaît après l'introduction.

Libertés individuelles est sorti en 1977. Musicalement, ce n'est pas du punk, mais dans l'esprit, c'est bien un chant de révolte : "Chanter - Pas question; Danser - Tu ne sais pas; Aimer - Pas question, Sortir - Surtout pas; Je ne suis aux ordres de personne. Le jour au boulot; La nuit au repos; Ça ne me suffit pas; Et je n'aime pas ça; Je ne suis le valet de personne.". Je ne mets pas toutes les paroles car je ne saisis pas tous les mots, mais il y a aussi : "Ça ne peut pas durer encore longtemps; Chaque fois même histoire; Chaque fois mêmes problèmes; Et c'est toujours moi qui paie les pots cassés.", "Aimer qui je veux; Faire ce que je veux; Sortir quand je veux; Rentrer quand je veux; Je l'ai payée cher ma liberté.". Un hymne pour la jeunesse qui se trouve être pleinement d'actualité.

Mes trouvailles en brocante ou en ressourcerie sont de plus en plus rares, mais heureusement je tombe encore de temps en temps sur une perle comme celle-ci !

Attention : les versions de Nous peut recommencer et Libertés individuelles qu'on trouve sur YouTube ont été retravaillées par Roland Ramakistin, avec notamment plus de clavier. Les deux titres originaux sont en écoute ici.

WEEN : Piss up a rope (Demo)

Consulté sur YouTube en octobre 2026
Réf : R2 728690 / 603497808021 -- Édité par Rhino aux Etats-Unis en 2026
Support : 1 fichier flv
Titre : Piss up a rope (Demo)

J'ai assez souvent écouté 12 golden country greats, mais je n'ai hamais acheté ce disque. J'ai d'abord eu accès à l'exemplaire de Radio Primitive, puis quelques années plus tard un pote me l'a copié sur un CD-R avec le Rambler '65 de Ben Vaughn. Merci à ce pote, mais je n'arrive pas à reconnaître l'écriture et je ne sais plus qui c'est...

L'album a 30 ans cette année, et il a droit à une réédition augmentée, sur trois disques, avec plein d'inédits. Je ne vais pas l'acheter non plus, mais tout est en écoute sur YouTube, et ça vaut le coup d'y prêter l'oreille.

Sans surprise vu le titre, 12 golden country greats est le projet country de Ween. Leur démarche est différente de celle de Jonathan Richman pour Jonathan goes country (il était allé enregistrer dans le Missouri avec ses potes des Morells/Skeletons) et se rapproche de celle d'Elvis Costello pour Almost blue (il était allé à Nashville travailler avec le producteur de Georges Jones). Sauf qu'Elvis avait gardé ses Attractions avec lui, alors que sur leur album, produit par Ben Vaughn, les deux musiciens de Ween ne jouent quasiment pas une note : ils laissent la main à une douzaine de grands de la country, dirigés par Charlie McCoy, qui ont enregistré la dizaine de chansons en huit jours, en une ou deux prises. C'est un album que j'apprécie, particulièrement les chansons I'm holding you et Piss up a rope.

Le deuxième disque du coffret est pour moi le plus intéressant. Il s'intitule 12 golden demos et on y trouve les versions enregistrées par le groupe, celles qui ont dû servir à Charlie McCoy pour écrire les partitions des musiciens de session.
Sans trop de surprise, on se rend compte que, si Gene et Dean Ween n'avaient pas choisi de se lancer dans un exercice de style country, l'album aurait pu être un disque "normal" de Ween.

Mon titre préféré est la version démo de Piss up a rope, entre Beck et COW, avec une deuxième voix et un solo de guitare minimal. Ce n'est qu'une démo, mais j'ai tendance à la préférer à la version léchée de l'album. Mais j'imagine bien qu'un des buts des deux petits rigolos de Ween était de rentrer dans le moule de Nashville sans édulcorer du tout le côté provoc de certaines de leurs paroles. Je vous laisse vous amuser à traduire ce bout du refrain de Piss up a rope :

"On your knees, you big booty bitch, start suckin'
You ride my ass like a horse in a saddle
Now you're up shit's creek with a turd for a paddle
And I can't cope, piss up a rope"

LES TROUBADOURS MODERNES : Folklore paysan

Acquis sur le vide-grenier de l'aérodrome à Plivot le 13 septembre 2026
Réf : KO/NETS -- Édité par Les Troubadours Modernes en France en dans les années 1970
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Troupiau -- Voici la Saint Jean -/- Compère Guilleri -- La Marion

J'ai acheté ce disque à une dame qui avait quelques 45 tours sur son stand. C'était une façon de m'assurer que je ne repartirai pas bredouille de la broc. Je n'imaginais pas tomber quelques minutes plus tard tomber sur le lot qui contenait le Robert Charlebois avec Mouffe.
Il y avait deux disques différents des Troubadours Modernes dans cette petite pile. A 50 centimes pièce, quitte à en prendre un, j'ai pris les deux, ne sachant pas trop comment les départager. L'autre s'appelle Andro : Danse du peuple breton d'aujourd'hui et il contient une version de La jument de Michau.

Les Troubadours Modernes sont présentés comme un "groupe folklorique, instrumental et vocal du Cercle Laïque de Dreux". Le groupe a été fondé en 1969, il a donc fêté son quarantenaire en 2009 et son cinquantenaire en 2019. Il a été installé au Cercle Laïque de Dreux de 1971 à 1992. Je ne suis pas certain qu'il existe encore, mais on trouve encore une adresse et un contact sur certains sites.
Le groupe a été fondé par Gilbert Stenfort (1942-2020), une figure très impliquée dans la vie sociale et culturelle de Dreux.

Les Troubadours Modernes ont sorti au moins quatre 45 tours (trois sont référencés sur Discogs, plus Andro). Ils ont fait appel pour les auto-produire aux services de la société Le Kiosque d'Orphée. Ils ne faisaient pas que dans le pur traditionnel : sur le 45 tours Pour vivre à Dreux, il y a deux compositions originales plus Les connards du quartier, avec des paroles contemporaines sur un air populaire canadien.

C'est minimal et sûrement sérigraphié en une seule couleur, mais je trouve la pochette de ce disque très réussie. Elle illustre plutôt bien le nom du groupe et le contenu musical proposé.
Ce sont des troubadours qui chantent des chansons anciennes, mais ils sont modernes car ils vivent dans les années 1970 à Dreux, et les immeubles esquissent l'une des Z.U.P., où il est probable que certains membres de la troupe vivaient.
Ils chantent du folklore paysan, et la campagne est représentée par le très peu qu'il en reste en ville : un massif d'herbe dûment borduré. Bien évidemment, un écriteau "Pelouse interdite" trône au milieu, derrière lequel le loup de la chanson Troupiau a trouvé refuge.

Sans avoir les titres en tête, je connaissais trois chansons sur quatre. Vous aussi sûrement.

L'interprétation est approximative, le son est assez pourri (les instruments à vent sont étouffés, notamment), mais j'aime beaucoup Troupiau, une chanson courte, enlevée et rythmée. Vous l'écoutez une fois et vous chantez toute la journée "Troupiau, troupiau, je n'en avions guère; troupiau, troupiau, je n'en avions biau". Les paroles célèbrent en quelque sorte la musique : l'apprenti berger se fait bouffer son plus bel agneau par le loup, mais il en récupère les os et fabrique un flûtiau pour faire danser le village à la fête.

Voici la Saint Jean est la chanson qui m'a le moins intéressé, je ne l'ai pas copiée du coup. C'est juste du chant choral et un peu mou. Ça ressemble à ça. La version de Malicorne est plus intéressante.

L'intérêt des deux titres de la face B, c'est qu'en plus de l'interprétation de la chanson elle-même, il y a des voix extradiégétiques qui viennent commenter ou compléter le récit. C'est assez réussi.

Pour Compère Guilleri, une comptine dont le héros était un bandit de grand chemin, ce sont deux personnages à l'accent du terroir qui commentent l'histoire, un peu à la façon des petits vieux dans le Muppets show. Je n'ai pas tout bien saisi, mais je ils disent à un moment, "Punaise, t'en veux à tous les gauchistes".

Pour La Marion, ils sont plusieurs à expliciter ou commenter les paroles chantées innocemment par la chorale d'enfants, du style "C'est plein de sous-entendus tout ça". On a droit aussi à des sifflements, à un bruitage pour le sciage de la bosse ("Mais c'est quoi qu'elle coupe ?") et on note qu'il est question ici aussi d'os et de musique.
Mais j'ai vraiment sursauté quand à un moment j'ai entendu "C'était l'histoire de la fée Carabosse et sa braguette magique". J'ai vérifié deux fois que j'avais bien entendu ! 
On nous explique aussi que "Tout finit par des chansons comme disait Léon Blum". Eh bien, cette chronique aussi.

A écouter :
LES TROUBADOURS MODERNES : Troupiau
LES TROUBADOURS MODERNES : Compère Guilleri
LES TROUBADOURS MODERNES : La Marion

THE DEL VIKINGS : Flat tire

Consulté sur YouTube en septembre 2026
Réf : 14 209 -- Édité par Mercury en France en 1959
Support : 4 fichiers flv
Titres : Flat tire -- Whacha gotta lose -/- Cool shake -- The white cliffs of Dover

Il faut s'y faire, il y a un grand nombre de disques qu'on peut découvrir (pochette et musique) sans vraiment espérer les tenir un jour en mains. Mais ce n'est pas pour autant qu'on va continuer à les ignorer complètement.

Ce 45 tours français quatre titres, je l'ai "découvert" quand quelqu'un a fait circuler en ligne la reproduction de sa pochette. Et quelle pochette ! Pas besoin de quadrichromie ni de gros moyens quand on a une photo aussi réussie, bien mise en page, qui illustre parfaitement le thème de la chanson, un pneu crevé.
Bon, il n'y pas de hasard, non plus. Si on regarde en bas à gauche de la pochette, on voit le nom du photographe, Herman Leonard, un américain qui a longtemps vécu à Paris. C'est un grand de la photographie, qui est surtout réputé pour ses photos de musiciens de jazz, mais il a fait aussi dans la mode et la publicité et à l'époque il bossait pour Barclay (qui, notamment, sortait les disques Mercury en France).

The Del Vikings était un groupe de doo-wop qui avait pour double particularité d'être composé de jeunes recrues de l'armée, et d'être noir et blanc, ce qui n'était pas courant en pleine ségrégation.
Ils ont eu des problèmes contractuels et des divisions, ce qui fait qu'au plus fort de leur succès, vers 1957, il y a eu deux groupes, The Del Vikings chez Mercury et The Dell Vikings chez Dot, qui parfois ont tous les deux sorti le même titre !
Parmi ces titres, il y a notamment Down in Bermuda, une des chansons, avec le Bermuda des Bell Sisters, qui ont dû inspirer Jonathan Richman pour son propre Down in Bermuda. 

Cet EP compile des titres de quatre disques américains différents, deux faces A de 45 tours, une face B et un titre d'album.

Flat tire est une chanson originale. Clyde Otis a dû se charger des paroles. Son nom ne me disait rien du tout, mais c'est quelqu'un d'important dans la musique : il a écrit et produit des centaines de chansons, notamment pour Brook Benton et d'autres artistes signés chez Mercury. Le compositeur est lui aussi, à tous les sens du terme, un très grand du blues et du rhythm and blues, Monsieur Willie Dixon.
La chanson raconte une mésaventure rigolote, un peu à la Coasters : le gars emmène sa chérie faire un tour en bagnole; il ne lui fait pas le coup de la panne, mais un pneu crève; pendant qu'il le change, un beau gosse passe par là, la chérie le hèle et se barre avec lui; il part à leur poursuite sur la jante, mais finit par se faire arrêter par la patrouille routière.

Whacha gotta lose (What'cha sur l'édition originale) est une face B bien réussie, dans un style plutôt rock and roll léger, avec chœurs et solo de guitare.

Cool shake est bien aussi. Là, je crois qu'il est question d'une nouvelle danse, avec comme souvent un double sens ("Quand on se retrouvera ensemble, on fera le cool shake, quand je crierai, chérie ne t'arrête pas, tu sais que je parle du cool shake")

Le dernier titre est une reprise, et c'est surprenant dans ce contexte de voir arriver The white cliffs of Dover, une chanson à succès pendant la deuxième guerre mondiale, popularisée en Angleterre par Vera Lynn. La version des Del Vikings est doo-woppée : rythmée et enlevée, avec une belle voix de basse.

Je crois que c'est la première fois que je chronique un disque d'époque sans l'avoir (c'est arrivé assez souvent avec des disques récents disponibles en physique et en numérique), mais je pense vraiment que je ne tomberai jamais sur ce 45 tours, et on a quand même accès à la photo de la pochette et aux quatre enregistrements, alors on ne va pas se priver.