THE FALL : Why are people grudgeful ?

Acquis par correspondance via Discogs en octobre 2019
Réf : CDS PERM 9-- Édité par Permanent en Angleterre en 1993
Support : CD 12 cm
Titres : Why are people grudgeful ? -- Glam-racket - The re-mixer - Lost in music

"Pourquoi les gens sont-ils rancuniers ?", c'est le titre générique de ce maxi de The Fall et on se dit que Mark E. Smith était bien placé pour répondre à cette question, lui qui semble avoir passé sa vie plein de colère à en vouloir au monde entier, à commencer par les membres de son groupe et les journalistes. En y regardant bien, il semble que ce soit l'industrie du spectacle à laquelle il se frottait alors depuis déjà une quinzaine d'années qui est plus précisément la cible de sa bile sur ce disque.
Ce single est sorti en avril 1993. Les trois précédents albums avaient été publiés par Fontana, une filiale du gros conglomérat Phonogram. Mais, comme souvent dans ces boites, un changement de direction avait tout gelé et de nombreux contrats d'artistes allaient être rendus. La rumeur indiquait que The Fall ferait partie de ceux qui échapperaient à la purge, mais ça signifiait des mois d'attente et d'incertitude, des réunions à n'en plus finir. Smith a préféré tout simplement claquer la porte, enregistrer à ses frais l'album suivant, The infotainment scan, et signer sur un nouveau label, Permanent, fondé par l'un des ex-managers du groupe, un indépendant bénéficiant d'un contrat de distribution avec la major BMG.
Le premier fruit de ce contrat, c'est donc ce maxi qui, selon un coup marketing assez difficile à saisir, est sorti en édition limitée et n'a été commercialisé que pendant une semaine. L'album est sorti trois semaines plus tard.
Pour moi, le titre essentiel du disque, c'est le dernier, Lost in music. D'un son synthétique digne d'un film de science-fiction émerge une voix féminine, qui débite sur un ton neutre, en français :
"L'argent est sur la table
Pris au piège
Inutile de regarder en arrière
Perdu dans la musique
Crétin, va te faire foutre !"
Ces paroles sont répétées à plusieurs moments dans la chanson, mais très vite, Mark E. Smith intervient. Lui aussi en français, en tout cas autant qu'il peut, sachant qu'il ne supportait guère non plus ni la France ni les français. Il n'essaie pas de prononcer argent et se contente d'énoncer "Le money il sur la table" avant de continuer en anglais.
J'avais bien noté que, musicalement, surtout sur le refrain, on était quasiment sur un territoire disco ce qui, venant de The Fall, est surprenant, même à une époque où leur son s'était professionnalisé et doté de synthés et autres séquenceurs.
Il m'a fallu bien deux ans après avoir découvert ce titre pour apprendre qu'il s'agit en fait d'une reprise.
La version originale par Sister Slegde, a été écrit et produit par Chic en 1979. Smith a remis les paroles à sa sauce, mais en a gardé l'esprit général, quelqu'un qui plaque tout, à commencer par son boulot, pour se lancer dans la musique : "Avez-vous déjà vu quelqu'un perdre tout. C'est la tête qui part d'abord. La responsabilité pour moi c'est une tragédie, je trouverais un boulot une autre fois.". Le refrain a aussi été conservé, plus ou moins, mais sinon la "reprise" est du pur Fall, tandis que l'original, même si c'est du Chic et même si ça a été un gros succès, est à peu près inécoutable pour moi.
Pour le titre principal, Why are people grudgeful ?, Mark E. Smith fait à nouveau preuve de l'étendue et de la versatilité de sa culture musicale et nous donne des pistes sur la façon dont il trouvait l'inspiration pour ses paroles. Là, il s'est basé sur deux chansons, People funny boy, l'un des premiers succès de Lee Perry en 1968, qui lui donnait l'occasion de s'en prendre à son ancien producteur, Joe Gibbs, et la réponse publiée presque aussitôt sur le même rythme par Sir Gibbs, People grudgeful. Sans rythme reggae, mais avec une basse énorme quand même, Smith arrange les paroles originales à sa sauce pour en faire une diatribe, peut-être adressée à l'un des anciens membre du groupe ("When you were down and out I always helped you out, and when you go out you just chat and shop"). C'est excellent.
Pour The re-mixer, c'est l'un de ses propres titres que Smith retravaille. L'original s'appelait The mixer et était sorti deux ans plus tôt sur l'album Shift-work. Là, ce n'est pas un remix (trop évident), mais une nouvelle version, plus techno, avec des paroles revues. Difficile de savoir qui est le mixeur en question (les exégètes penchent pour l'ingénieur du son de l'album), mais on peut penser que, dans un coin de son esprit, Smith avait en tête les DJ vedettes de l'époque, dont les remixes étaient devenus un passage obligé pour les titres sortis en single.
Le quatrième et dernier titre de cet excellent et très consistant maxi, c'est Glam-racket (Boucan glam), et c'est exactement ça qu'on entend : un riff bien crade à la Slade, un rythme à la Gary Glitter,... C'est apparent le riff trouvé par le groupe qui a inspiré Smith pour les paroles. Comme ces paroles mentionnent "suede", certains y ont vu une attaque contre le groupe vedette de la Brit pop, mais ce n'est apparemment pas le cas, pour une fois, Smith ayant expliqué qu'il faisait référence à la matière, le suède (le daim).
Sur le 33 tours original The infotainment scan, on retrouve Lost in music et Glam-racket. Sur le CD original, il y a deux titres en plus, dont Why are people grudgeful ?. Comme souvent chez The Fall, les versions album sont (légèrement) retravaillées et donc (légèrement) différentes de celles du maxi.
Si vous voulez vous procurer les quatre titres de ce disque, je vous conseille d'opter pour la réédition en double CD de The infotainment scan (2006), qui contient l'album, le maxi, des sessions radio et même des mixages inédits.
Mon homonyme JC The Vinyl Villain a chroniqué ce maxi au moment même où je l'achetais. Chez lui, on peut télélcharger les quatre titres, ainsi que ceux de Lee Perry et Joe Gibbs.


The Fall, Lost in music et Why are people grudgeful ? dans l'émission The Beat, en 1993.


The Fall, The mixer, en direct dans une émission de télévision.

THE CURE : The Peel sessions

Acquis chez New Rose à Paris en 1992
Réf : SFPS 050 -- Édité par Strange Fruit en Angleterre en 1988
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Killing an Arab -- 10:15 Saturday night -/- Fire in Cairo -- Boys don't cry

En cette année 2019, The Cure a choisi de célébrer son 40e anniversaire. Un choix de date qui se tient, même s'il ne correspond pas à la date de création du groupe, ni tout à fait, si on chipote, à celle de la sortie de son premier disque, puisqu'à l'origine Killing an Arab est sorti chez Small Wonder fin décembre 1978. Mais le disque a fait le plus gros de sa "carrière" en 1979 (il a vite été réédité chez Fiction) et, au cours de cette même année, le groupe aura sorti l'album Three imaginary boys et les singles Boys don't cry et Jumping someone else's train. Excusez du peu !
Pour fêter ça, The Cure a fait une tournée cet été et vient de sortir 40 live, un coffret CD-DVD de concerts rétrospectifs. Il parait que les concerts étaient très bien; c'est sûrement vrai, mais je ne ressens aucune envie de prendre le temps d'aller en écouter/voir des extraits. De même que je ne trépigne pas à l'annonce de la sortie quasi-imminente d'un nouvel album studio, le premier depuis 2011. Pourtant, j'ai eu l'occasion d'acheter au fil du temps les trois albums parus ces vingt dernières années et ils n'ont rien d'infamant (j'ai même vraiment apprécié Bloodflowers). Mais, quitte à ressasser mon intérêt jamais démenti pour la musique de ce groupe, je préfère ressortir mes disques d'époque et les réécouter.
Parmi ceux-ci, il y a ce maxi de la collection Peel sessions de Strange Fruit. Je ne sais plus quel jour précisément c'était, mais je me souviens précisément des circonstances de mon achat: c'était lors de ma toute dernière visite dans le magasin New Rose. J'y étais allé comme d'habitude à l'occasion d'une journée passée à Paris, et j'étais tombé sur un magasin presque vide de clients, et surtout presque vide tout court car il allait prochainement fermer définitivement ses portes. J'avais acheté quelques disques soldés ce jour-là, dont celui-ci.
Cette session a été enregistrée le 4 décembre 1978 et diffusée pour la première fois le 11. J'imagine le choc que ça a dû être pour les fidèles auditeurs de Peel de découvrir ce soir-là ces quatre chansons d'un groupe inconnu n'ayant alors sorti aucun disque (je pense que c'était la première grande diffusion publique à l'échelle nationale pour le groupe).
Et quelles quatre chansons ! Killing an Arab est un classique parmi les classiques. 10:15 Saturday night, à la fois la face B du 45 tours et le titre d'ouverture, est un titre complètement original. C'est ce qui continue de m'impressionner avec les meilleurs groupes New Wave (Young Marble Giants, Wire,...) : même en cherchant bien, je suis parfois incapable de citer des gens qui ont pu influencer leurs meilleures compositions.
Le titre qui suit, Fire in Cairo, est pour le coup une chanson d'une facture plus traditionnelle mais, dans ce style c'est l'une des grandes réussites du premier album, avec Accuracy et la chanson Three imaginary boys.
Boys don't cry est la seule des quatre chansons qui me parait un peu différente de la version disque, un peu plus lente notamment. Mais ça s'explique sûrement par le fait que la version studio n'était pas encore enregistrée, contrairement à celle des trois autres.
Il faut se pincer pour se souvenir que le groupe qui produit tout ça est un trio des plus classiques, avec juste une guitare, une basse, la batterie et le chant. Et on sait que l'enregistrement des sessions Peel se faisait en quelques heures... Selon All Music, le bassiste Michael Dempsey estime que ces versions plus énergiques et un peu plus brutes sont les meilleures et présentent le son définitif du Cure des débuts.
Même si bien sûr je n'étais pas à l'écoute quand ces titres ont été diffusés en décembre 1978, je suis capable de l'imaginer, ce choc que les auditeurs ont ressenti. Tout simplement parce que, un an plus tard, en décembre 1979, j'ai vécu une expérience similaire en découvrant The Cure un dimanche midi à la télévision dans l'émission Chorus d'Antoine de Caunes. Je ne m'en suis toujours par remis.
Après cette première session, Peel a continué à soutenir The Cure : le groupe a enregistré une session par an de 1979 à 1982, et encore une sixième en 1985.


Les quatre titres de la Peel session de 1978, avec le commentaire de John Peel lors de leur diffusion (ou rediffusion pour certains des titres).


The Cure, en concert pour l'émission Chorus le 8 décembre 1979 (début à 1'15), en quatuor : A forest (et pas At night), Three imaginary boys et Killing an Arab.

ARLT : Soleil enculé

Acquis par correspondance chez Objet Disque en octobre 2019
Réf : D028 / MM024 -- Édité par Objet Disque / Murailles Music en France en 2019
Support : CD 12 cm
9 titres

L'ami Rémy (Les Frères Nubuck, Rémy Chante, Chevalrex) sort ses propres disques chez Vietnam depuis le deuxième album de Chevalrex, mais il reste parallèlement très actif  avec son propre label, Objet Disque, lancé après la fin de l'aventure Nubuck et l'arrêt de Sorry But Home Recording.
Outre Le Bâtiment, déjà évoqué ici, il publie sur un rythme soutenu des disques dans une palette essentiellement et éclectiquement francophone. Rien que cette année, on a eu droit à des rééditions de Perio, des nouveaux albums de Jérôme Minière et Fabio Viscogliosi et deux singles d'Adrien Legrand.
Et puis nous arrive ce quatrième album de Arlt (sans compter leur collaboration avec Thomas Bonvallet), le premier chez Objet Disque, mais il y avait déjà eu deux albums du guitariste Mocke (Arlt, donc, mais aussi Chevalrex, Holden, The Zeppelin record de Dogbowl et plein d'autres) et, en 2016, le CD-Livre Patate de vivre par Arlt & les Artistes d'Enfance.
Ma rencontre avec Arlt remonte au 7 juillet 2012 et ce fut un moment magique. Je m'étais rendu pour la première fois au Ptit Faystival, dans les Ardennes belges, attiré par la présence à l'affiche de Patrik Fitzgerald (j'y suis retourné en 2018 pour voir The Monochrome Set), et j'ai été instantanément happé par l'ambiance particulière de cet événement, avant même la cuisson de la spécialité collective les canadas aux rousses et les prestations de musiciens locaux, quand, dès le début, Arlt s'est produit dans le chapiteau, en duo (Mocke était absent) avec Sing Sing à la guitare et au chant et Éloïse Decazes au chant et aux instruments percussifs bizarres (dont un marteau, je crois me souvenir). J'ai beaucoup apprécié ce concert mais, par la suite, je n'ai pas été autant enthousiasmé par les deux albums que j'ai écoutés, sûrement parce que je l'ai fait trop rapidement.
Par contre, j'ai très vite été conquis par ce nouveau disque, un album compact (9 titres en 30 minutes tout pile), enregistré à Thiers, à quatre (avec Clément Vercelletto en plus de ceux déjà cités) plus quelques invités.
S'il y avait un championnat du monde des titres d'album percutants, Soleil enculé remporterait très probablement une médaille. Mais, au-delà de ce titre, ce qui compte c'est qu'on a une suite de chansons originales et enthousiasmantes.
A l'écoute du premier titre, Frère et sœur, je me suis dit à un moment qu'on pourrait appeler cette musique du folk progressif, avant de me corriger et d'opter plutôt, en bon rémois, pour du folk de traverses. Les deux voix mêlées d'Eloïse et Sing Sing m'ont fugacement évoqué Areski et Brigitte Fontaine. Une impression renforcée par la maquette du dos du CD et du livret qui, ça ne peut pas être un hasard, m'a rappelé la pochette de L'incendie (cela, sans compter que Arlt et Brigitte Fontaine seront à la même affiche d'un concert prévu le 13 décembre prochain à Laval).
Les commencements poursuit dans la même veine avec, comme pour tout l'album, une particularité pour les paroles (et les chansons), qui ne sont pas construites sur le mode couplet/refrain/couplet...
L'instant même, sur une sorte de riff répétitif quasi-post punk, pose une grave question: "Combien de temps dure l'instant même ?". Un mathématicien pourrait répondre que ça tend en limite vers zéro, mais pour ma part j'aurais envie de relancer le débat par en demandant ce qui sépare un instant d'un autre.
Pour La violence est rose, c'est le premier album de Katerine, Les mariages chinois, celui avec Chérie (Que je n'ose appeler) et Comme Jeannie Longo, qui est ressorti des tréfonds de mon esprit.
Et l'album se poursuit ainsi avec une angine, le ciel qui est tarte et des fleurs. Pour trouver des références plus proches dans le temps, on peut aussi se reporter à Porta S. et ses Enfants de la rosée, découverts en début d'année.
A chaque fois la partie musicale qui ouvre Quand le soir tombe, et qu'on entend encore plus tard dans le morceau, me fait irrésistiblement penser à l'ami Dorian Feller et à son Brodé Tango.
Arrive enfin, pour finir l'album, le morceau titre. C'est là qu'on découvre que "Soleil enculé" est une insulte adressée par un enfant à notre astre solaire et à son "gros crépuscule". C'est le titre le plus long de l'album, le seul de plus de cinq minutes, et le groupe se lâche un peu dans la partie finale, avec, on dirait bien, une guitare qui cite Desafinado.
Soleil enculé est d'ores et déjà l'un de mes nouveaux disques préférés de cette année. J'espère maintenant avoir prochainement l'occasion de revoir Arlt en concert.

Soleil enculé est en vente chez Objet Disque. La date de parution officielle est le 15 novembre, mais les pré-commandes sont déjà servies, la preuve puisque j'ai reçu mon exemplaire.

BOBBY JOHNSON AND THE ATOMS : A whiter shade of pale

Acquis sur le vide-grenier de Val de Vesle le 15 septembre 2019
Réf : 460.226 ME -- Édité par Fontana en France en 1967
Support : 45 tours 17 cm
Titres : A whiter shade of pale -- Another man -/- Do it again a little bit slower -- Tramp

A Val de Vesle, juste après avoir acheté des 78 tours, je suis tombé sur des dames qui vendaient des disques aux pochettes en assez piteux état. Ce qui est étonnant à ce moment avancé de la matinée (plus de 11h), c'est qu'elles n'avaient pas encore fixé le prix de leurs 45 tours. Finalement, elles ont opté pour "la moitié du prix des 33 tours", soit 25 centimes. Je leur ai pris six disques, dont un Marcel Bianchi que je n'avais pas, un Myriam Makeba et un Arthur Smith. Il s'agissait au moins en partie de leurs propres disques, puisqu'une des dames s'est souvenue en voyant les disques qu'elle avait eu une bonne note en cours de dessin après avoir la peint la pochette de Guitar boogie !
Ce n'est pas particulièrement pour son titre principal que j'ai pris ce disque. C'est une énième version de A whiter shade of pale. Pourtant, parmi les grandes scies des années soixante, celle-scie est une de celles que j'apprécie toujours (même si j'ai un peu de mal avec les paroles), au point que j'ai déjà chroniqué ici la version originale de Procol Harum ("La seule, la vraie") et une autre reprise opportuniste, celle de Pro Cromagnum (Sapiens), qui vaut surtout pour sa face B, Neurotic saga.
Non, si j'ai choisi ce disque, c'est surtout à cause de la photo de pochette, pleine de promesse de rhythm and blues, une promesse qui m'a semblé confirmée par la présence en face B d'un titre comme Tramp.
Un article de décembre 2002 paru dans le n° 169 de Soul Bag nous raconte l'histoire de Bobby Johnson and the Atoms, groupe composé de musiciens originaires des Antilles. Leur histoire est celle de centaines de groupes de cette époque, qui produisaient une musique de qualité, même si elle n'était pas particulièrement originale, qui ont tourné pendant des années dans le circuit des clubs mais qui n'ont pas eu de grande carrière discographique. En fait, les quatre titres de cet EP sont quasiment les seuls publiés par le groupe. Au départ, il y a eu un 45 tours en Angleterre avec Do it again a little slower et Tramp. Puis, quand il a fallu trouver de quoi remplir un EP pour une publication en France, les deux autres titres ont été enregistrés en catastrophe.
J'ai trouvé ces informations sur le site français dédié à Otis Redding car, le 3 février 2007 à Valbonne, Bobby Johnson, accompagné par le CIV Soul Band, a donné un concert en hommage à Otis Redding, 40 ans après sa mort.
Difficile de réinventer la roue avec A whiter shade of pale. Cette version reste un bon slow, bien chanté. L'intérêt principal de cette interprétation vient du fait que l'orgue est remplacé par un cuivre (une trompette, je pense).
Le titre suivant, Another man, est une reprise d'un titre Blue Beat de 1964 paru sur le même label Ember. L'original était par Sonny and the Daffodils. C'est agréable et enlevé, la rythmique Ska/Blue Beat est encore un peu présente, mais cette version est très courte, au point qu'on a l'impression que l'enregistrement a été écourté pour que les deux morceaux tiennent sur une face de 45 tours.
En face B, contrairement à ce qu'affirme Bobby Johnson dans l'article de Soul Bag, Do it again a little bit slower n'est pas un original mais la reprise d'un single du printemps 1967 de Jon & Robin & the In Crowd. La chanson est écrite par Wayne Thompson qui, sous le nom de Wayne Carson, est notamment l'auteur de The letter. Cette version reste très pop, mais The Atoms lui donnent une coloration rhythm and blues que l'original n'avait pas.
Pour Tramp, je suppose que, pour vous comme pour moi, c'est une chanson que vous connaissez dans sa version en duo de 1967 par Otis Redding et Carla Thomas. Mais je ne savais pas que cet enregistrement était une reprise, sortie malheureusement pour Bobby Johnson and the Atoms au même moment que la leur. L'original, de fin 1966, est de Lowell Fulsom et ce titre a connu un certain succès. Il n'y a pas le supplément d'humour du duo, mais j'associais Lowell Fulsom strictement au blues et je ne l'aurais pas imaginé créant un titre de cette trempe, quasiment assez funk pour être au répertoire de James Brown. La reprise de Bobby Johnson fait tout à fait honneur à l'original, avec une basse assez puissante. Sur l'album The Mike Quinn Show live at The Flamingo, il existe une autre version de cette reprise, censée être enregistrée en public au Flamingo Club. J'ai bien l'impression que, comme souvent à cette époque, il s'agit de l'enregistrement studio trafiqué avec des sons d'ambiance.
Ce n'est plus souvent que je tombe en brocante sur des obscurités des années soixante. Celle-ci est d'autant plus bienvenue.

ALBUM ORCHESTRE ROCK STEADY SKA

Acquis sur le vide-grenier du parking Leclerc à Pierry le 29 septembre 2019
Réf : [sans] -- Édité par Éditions Monica en France en 1969
Support : 40 pages 27 cm
6 titres

Ça serait bien, mais on ne peut pas faire tous les dimanches des récoltes de disque aussi bonnes et variées que celle que j'ai faite à Val de Vesle cette année. Deux semaines plus tard, à Pierry, juste avant que les grosses averses annoncées n'éclatent, je n'ai acheté aucun disque. Je ne suis pas reparti bredouille pour autant puisque, juste avant la fin de mon tour, je suis tombé sur un lot de partitions en bon état, même si elles sentent la cave. A 50 centimes pièces, j'ai en ai extrait deux de Georges Jouvin que je ne connaissais pas, et cet album pour orchestre de six titres rock steady / ska.
Visiblement, il y a eu en France en 1969 des tentatives pour faire du rock steady et du ska des danses en vogue. Je ne sais pas jusqu'à quel point ça a réussi, mais en tout cas on trouve la trace de ces efforts dans la publication d'au moins deux 45 tours, Dansez le rock steady de John Musy (Régine lance une nouvelle danse sur une musique composée par Joe Dassin !) et l'instrumental Super-Danse / Rock steady !! Ska !! de l'organiste Jean-Pierre Sabar. La publication en France cette année-là ce cet album de partitions s'inscrit bien sûr dans cette tendanse (si je peux me permettre cette facétie...).
Et qu'est-ce qu'on trouve dans cet "album" ? Eh bien les partitions de six chansons, avec pour chacune, un recto pour le chant et la guitare mélodique, la guitare basse, la guitare rythmique (je n'en ai pas numérisé, mais une partition de guitare rythmique d'un titre ska ou rock steady, c'est d'une monotonie et d'une régularité vertigineuse !), les cuivres (trompette ou saxophone) ainsi que les paroles.
En feuilletant rapidement la chose, j'ai vite remarqué qu'un certain Edmund Grant signait ou co-signait tous les titres. Sans avoir besoin de le vérifier, j'ai su tout de suite qu'il s'agissait d'Eddy Grant. Et, effectivement, chose assez surprenante, en plus d'être membre des Equals, groupe signé chez President au Royaume-Uni, Eddy Grant était en contrat comme auteur-compositeur et producteur avec ce label et ses sociétés satellites. C'est ainsi que, en 1967 et 1968, sont sortis des 45 tours sur lesquels on retrouve les six chansons de mon album de partitions :

• Ethiopia par The Four Gees, avec Rough rider en face B.
  Les quatre G sont Derv Gordon, Eddy Grant, Lincoln Gordon et Patrick Grant.
  
• Rock steady '67 par Little Grants & Eddie.
  
• Everything is all right en face B de Rudie's dead par Little Grants & Eddie.
  
• John Chewey en face B de Train tour to Rainbow City par The Pyramids, un groupe réputé, connu entre autres sous les noms de The Bees ou Symarip.
  
• Don't say goodbye par The West Indians, un autre des noms de groupe utilisés par The Pyramids.

Aucun de ces disques n'a été édité en France à l'époque. Cependant, nous sommes nombreux à connaître la pochette de Sounds like Ska, une compilation de 1968 parue chez Joy Records, filiale de President, qui compte douze titres, dont les six de mes partitions. La compilation elle-même n'est pas facile à trouver, mais la pochette on l'a vue reproduite en 1978 sur la pochette intérieure d'All mod cons de The Jam :



En France, pas plus de compilation que de 45 tours, mais les éditions Monica ont passé un contrat avec Joy pour publier cet album de partitions. Les arrangements sont du compositeur Léo Nègre et d'un certain Gidet.
Comme il ne faut surtout pas compter sur moi pour vous donner une interprétation musicale à partir de ces partitions, je vous propose d'écouter les versions originales des 45 tours.
Ethiopia cite ouvertement Strawberry Fields forever. pour une chanson aux paroles très rasta.
Pour Rough rider, j'ai tiqué quand j'ai vu que cette chanson était signée par les membres de The Four Gees. Depuis que j'ai acheté en 1980 I just can't stop it de The Beat, qui en contient une version, je sais que cette chanson est de Prince Buster. Certes, la version de 1968 de Prince Buster est la plus connue, mais c'était déjà une reprise. Les crédits de l'album de The Beat ont été corrigés lors des rééditions.
Rock steady '67, qui cite de grands succès de ska et de rock steady, était déjà un peu datée deux ans plus tard, alors, sur la partition, c'est devenu Rock steady '69.
Pour Everything is alright, comme pour Ethiopia, les chœurs sont pompés sur un titre très connu. Cette fois-ci, c'est Uptight de Stevie Wonder qui est passée à la moulinette d'Eddy Grant.
Don't say goodbye est très bien également dans le style. Quant à John Chewey, la version que j'en ai trouvée, qui semble être celle du 45 tours, est instrumentale. Pourtant, comme pour les autres chansons de l'album, des paroles françaises sont proposées dans l'album, dues à l'auteur très prolifique Jean Eigel.
C'est souvent gentillet, y compris pour Rough rider, qui devient Hé, minute, Cocotte !, même si certaines allusions sexuelles sont conservées ("Je ne sais pas si tu t'imagines ? Je ne suis pas une machine" et "Avoue qu't'y vas un peu fort. L'amour, ça n'est pas du sport.").
J'aurais préféré un disque, mais je suis quand même bien content d'être tombé sur ces partitions. La même équipe a également publié un album avec douze chansons des Equals.
Cet album a été publié à destination des orchestres. J'ai cherché, mais je pense qu'aucune de ces partitions n'a été utilisée pour enregistrer une version sur disque. Dommage. S'il y a des volontaires pour se lancer maintenant, voici les paroles et la partition chant de Rough rider :

ERNEST LÉARDÉE ET SON ORCHESTRE DE DANSE ANTILLAIS : Ces zazous là

Acquis sur le vide-grenier de Val de Vesle le 15 septembre 2019
Réf : 1394 -- Édité par Riviéra en France en 1952
Support : 78 tours 25 cm
Titres : Ces zazous là -/- A Karukera

Il faisait beau le 15 septembre dernier, alors on a décidé de faire la route jusque Val de Vesle. Ça m'arrive rarement mais, les deux dimanches précédents j'étais rentré de brocante sans avoir dépensé un seul centime. Là, j'espérais repartir avec au moins un disque dans ma besace. J'ai été comblé puisque j'ai acheté deux CD (de Laura Veirs et Henri Debs), une grosse poignée de 45 tours années soixante et, sur un stand où je m'étais arrêté au départ pour acheter du raisin, je suis tombé sur une pile de 78 tours de laquelle j'ai extrait des disques d'Alphonso et son Orchestre Créole, du Rico's Creole Band et celui-ci d'Ernest Léardée, dans lequel je plaçais beaucoup d'espoir à cause du titre Ces zazous là.
Je ne le connaissais pas du tout, mais Ernest Léardée, qui est mort en 1988 à 92 ans, violoniste puis clarinettiste, saxophoniste et chef d'orchestre, est un grand nom de la musique antillaise. Il a même eu droit chez Frémeaux à un double CD rétrospectif sur la deuxième partie de sa carrière, Rythme des Antilles 1951-1954. Dans le livret, son biographe Jean-Pierre Meunier détaille sa carrière dans les années 1920 et 1930, avec l'Orchestre Stellio notamment, ainsi que ses engagements dans les différents lieux de spectacle parisiens, dont le Bal Nègre de la rue Blomet. On parle de quelqu'un qui a gravé ses premiers disques fin 1929...
Il a repris son parcours discographique après la seconde guerre mondiale et a notamment enregistré six titres en janvier 1952 pour Riviera, l'un des labels d'Eddie Barclay, qui sont sortis coup sur coup sur trois 78 tours dont les références catalogue se suivent.
J'ai été un peu déçu de découvrir que cet enregistrement de Ces zazous là est un instrumental, mais l'arrangement et l'interprétation sont de tellement bonne qualité que ma déception a été très courte. Il y a notamment des parties solo qui s'enchaînent, au piano, à la guitare et à la clarinette. Au final cette biguine-calypso "tirée du folklore antillais" est un régal.
J'ai cherché un peu à en savoir plus, et je suis assez vite tombé sur deux versions chantées de Ces zazous là. Je n'ai pas compris toutes les paroles, mais il est bien sûr question de l'accoutrement des zazous. La version par Boscoe Holders, qui date d'avant 1948, est très bien, et c'est celle qui se rapproche le plus instrumentalement de celle de Léardée. J'aime moins la version par Gilles Sala, enregistrée entre 1950 et 1955, à moins que ce ne soit la version d'un 78 tours de 1948, mais il faut dire que la version sur YouTube ne tourne pas à la bonne vitesse !
J'étais déjà bien content de ma récolte quand, en poursuivant mes recherches sur Discogs, je suis tombé sur le 45 tours 4 calypsos du Tropicana Orchestra. Pas d'enregistrement disponible, mais il y a précisé sur la pochette "Ces zazous là = Brown skin girl". J'ai vérifié, et ça m'a ouvert de grands horizons. Effectivement, la chanson connue dans le monde anglo-saxon sous le titre Brown skin girl est la même que Ces Zazous là !
Je la connais en fait depuis longtemps, orthographiée Brown skin gal et en version ska par The Gaylads. La plus connue est sûrement celle de 1956 d'Harry Belafonte, mais elle est très folk acoustique et beaucoup moins "antillaise".
Parmi toutes les versions qu'on trouve, mes préférées sont celle de 1948 d'Edmundo Ros and his Orchestra, elle aussi proche de celle d'Ernest Léardée, et la version calypso chantée par Mighty Terror.
C'est une chanson qui reste encore d'actualité. Il n'y a plus aucune mention des soldats américains qui engrossent les filles des îles, mais on retrouve cette année le titre et une partie de la musique de Brown skin girl, avec Beyoncé parmi les interprètes, dans une chanson de la bande originale du film Lion King : The gift.
La chanson de la face B, A Karukera (Karukera étant le nom donné à l'île de la Guadeloupe par les indiens Caraïbes, avant l'arrivée des colons européens), est co-signée par Georges Liferman et Gilles Sala, qui l'a enregistrée sur un 78 tours en 1951 avec son Trio Karukera et aussi un peu plus tard sur un disque de biguines avec l'Orchestre antillais Caraïbana. La version d'Ernest Léardée, instrumentale encore, est très bien.
Voilà donc une très bonne pioche. Depuis ce dimanche, j'ai quelques regrets d'avoir laissé dans la pile deux ou trois autres 78 tours, qui m'ont paru purement de musique cubaine.
Quant à Ernest Léardée, précisons pour l'anecdote que toute une génération de français a eu l'occasion de l'apercevoir furtivement sur son écran de télé : c'est lui qui incarnait l'Oncle Ben's dans les publicités pour le riz qui ne colle jamais !

A écouter ou à télécharger :
Ernest Léardée et son Orchestre de Danse Antillais : Ces zazous là

A lire :
La biguine de l'Oncle Ben's : Ernest Léardée raconte par Jean-Pierre Meunier et Brigitte Léardée (1989)


Ernest Léardée, le génie de la biguine, émission Artistes de France de France 5 du 6 juin 2017.