SPARKS : Je m'appelle Russell

Consulté sur YouTube au moins depuis décembre 2025
Réf : [sans] -- Édité par Columbia en France en 1993
Support : 1 fichier FLV
Titre : Je m'appelle Russell

Je crois que c'est en regardant la liste des titres de The hell collection de Sparks que j'ai repéré une chanson en français et que je suis allé écouter Je m'appelle Russell sur YouTube pour la première fois.

Comme je l'ai déjà expliqué ici, cela fait un bon moment que je m'intéresse aux titres chantés en français par des non-francophones.
Je contribue régulièrement à la rubrique Parlez-vous français ? de l'Arrière-Magasin de Renaud Sachet mais en 2024, pour la chanson Madonna de Sparks, un single de 1988 qu'ils ont enregistré en plusieurs langues, je m'étais contenté de suggérer la chronique à Renaud. Cette fois-ci je me lance.

Madonna et Je m'appelle Russell ne sont que deux exemples de la relation particulière que les frères américains Ron et Russell Mael entretiennent avec le français et les francophones.

Cette liste n'est sûrement pas complète, mais il y a aussi : 

• la chanson The Louvre en 1973 sur l'album A woofer in tweeter's clothing 
• l'album Pas dormir de Bijou en 1979 produit par les frères Mael;
• les paroles anglaises pour un album de Lio sorti au Canada, Suite sixtine;
• également, les paroles de l'album Sex de Telex en 1981;
• la collaboration avec Les Rita Mitsouko sur trois titres de l'album Marc et Robert, Singing in the shower, Hip kit et Live in Las Vegas; 
• la chanson When you're a French director, enregistrée avec Leos Carax, parue en 2017 sur l'album Hippopotamus;
• et surtout, la collaboration avec ce même Leos Carax pour la comédie musicale Annette, projetée en ouverture du festival de Cannes en 2021, dont la musique et le scénario sont de Sparks.

The hell collection est une compilation de raretés. C'est le pendant de The heaven collection qui rassemble leurs succès. Les deux ont été publiées en 1993 par Columbia, uniquement en France.
Je m'appelle Russell fait partie des huit titres précédemment inédits qu'on trouve sur The hell collection.
La chanson date de 1977, une époque où le groupe était justement signé chez Columbia. On trouve sur Discogs un disque souple technique de Columbia avec cette chanson. Je n'en sais pas plus. Y a-t-il eu un projet de 45 tours pour le marché français ? Ont-ils créé cette chanson pour une grande émission de variétés à la télé ? En tout cas, la chanson est longtemps restée dans les cartons et je suis bien content qu'elle ait fini par en sortir.

Musicalement, ça démarre sur un léger disco bien d'époque, puis vient le chant avec notamment ces paroles : 
"Mais quand tu me dis que tu veux dormir j'ai peur,
Je ne sais pas quoi faire car chaque soir je suis angoissé
Tu rêves à haute voix,tu parles en chanteurs français.
Mais je m'appelle Russell, tu te souviens ? Johnny Hallyday ? Non !
Je me demande pourquoi tu penses que Julien Clerc habite chez moi.
Je m'appelle Russell, tu te souviens ? Michel Polnareff n'est pas là.
S'il te plaît, réveille-toi et pense juste à moi."

Je trouve bien délirante et assez représentative de l'humour particulier du groupe cette histoire du gars traumatisé parce que son amoureuse le confond dans son sommeil avec des grandes vedettes de la variété française !
Pour le son, il y a un petit côté brut de démo, mais le refrain est accrocheur et je chante dans ma tête depuis des semaines "Je m'appelle Russell, tu te souviens ?". J'ai même titré une de mes compilations Michel Polnareff n'est pas là. Qui sait, cette chanson aurait peut-être eu du succès si elle était sortie à l'époque ?

Sparks démarre une tournée ce mois-ci et jouera notamment au Cabaret Vert à Charleville-Mézières le 25 août.

La photo de Russell Mael en ouverture n'est pas une pochette de disque. Elle est parue dans le magazine Mirabelle en septembre 1974 et j'ai trouvé qu'elle était parfaite pour illustrer ma compilation Michel Polnareff n'est pas là.
Ci-dessous, la pochette et la rondelle du disque souple référencé sur Discogs.

ASH : Girl from Mars

Acquis neuf vers 1995
Réf : INFECT24CD -- Édité par Infectious en Angleterre en 1995
Support : CD 12 cm
Titres : Girl from Mars -- Astral conversations with Toulouse Lautrec -- Cantina Band

Ayant acquis l'impressionnante compilation double-45 tours  Crazed and confused, j'ai découvert Ash à leurs débuts, avec leur reprise de Punk boy d'Helen Love. Je les ai suivis de près ensuite avec le mini-album Trailer et le single Kung fu, avec une fameuse photo de Cantona sur la pochette.
Dès le moment de l'enregistrement de Trailer, en 1994, le groupe avait dans ses cartons la chanson Girl from Mars (en démo, mais ils en ont enregistré une bonne version pour une session radio de la BBC), mais les membres du trio n'avaient que 17 ans et étaient encore au lycée. Sentant que la chanson avait du potentiel, leur manager a conseillé de la réserver pour un moment où ils seraient plus disponibles pour en faire la promotion. Ils l'ont enregistrée au printemps 1995, avec Owen Morris comme producteur, qui avait notamment travaillé avec Oasis. Le single est sorti en juillet, une fois qu'ils en avaient terminé avec les examens de leurs A levels (le bac anglais). J'ai acheté le disque à sa sortie ou peu de temps après.

Tim Wheeler, le chanteur, guitariste et auteur de la chanson a expliqué qu'au départ Girl from Mars sonnait assez Teenage Fanclub, mais qu'une fois accélérée par le groupe en studio, elle s'approchait plutôt des Buzzcocks. Parmi beaucoup d'autres, on pourrait citer aussi les Undertones, originaires d'Irlande, comme eux. Quelque part, La fille de Mars c'est aussi un peu Une autre fille, une autre planète. En tout cas, quand la guitare se met à vrombir comme un aspirateur survolté, c'est immanquablement Dinosaur Jr. qu'ils évoquent.
Qu'elles aient été enregistrées en 1978, en 1986 ou en 1995, je suis toujours très bon public pour les pépites de pop bruyante de ce genre, de véritables concentrés de joie et d'énergie.
Le titre a été inspiré, non pas par une chanson country des années 1950, mais par le titre d'un téléfilm de 1991 aperçu dans un programme télé. Les paroles évoquent à la fois une première rupture amoureuse et des souvenirs de vacances en France, ce qui permet à Tim Wheeler de faire rimer Mars avec les cigares Winterman.

Les deux titres suivants sont co-produits par Phil Thornally, longtemps associé à The Cure. Pour le coup, ce sont de véritables faces B, des titres sympas, un pas de côté largement instrumental et une reprise, agréables à écouter mais qui n'auraient pas eu leur place sur un de leurs albums ou en titre principal de single.

Pour Astral conversations with Toulouse Lautrec, l'aspect astral s'exprime par l'utilisation d'un vocoder. Pour le reste c'est six minutes de rock électrique sans véritables paroles.

Cantina Band est une version accélérée et à la guitare d'une composition de John Williams entendue dans une scène réputée du premier film Star wars.

Stars wars est sorti en 1977, année connue comme celle du punk. C'est aussi l'année de naissance de deux tiers des membres du groupe. Tout ça explique pourquoi le groupe a appelé son premier album 1977. On y retrouve notamment Girl from Mars, qui avait eu suffisamment de succès pour que le groupe passe à Top of the pops. L'album lui, a carrément été classé numéro 1 des ventes à sa sortie.
Et comme le temps a tendance à passer, on nous annonce pour cet automne une réédition pour les 30 ans de l'album, avec des bonus, dont une démo de Girl from Mars et un album live. Le groupe, qui ne s'est jamais séparé entre-temps, est en tournée toute cette année.



Ci-dessus, la vidéo originale réalisée pour Girl from Mars, et ci-dessous celle faite ensuite pour le marché américain.




Ash, Girl from Mars, en direct en 1996 dans l'émission Hanging out de MTV.


Ash, Girl from Mars, en direct en 2001 dans l'émission Boxed set de Scottish TV.

PIGEON : Miami

Acquis par correspondance via Bandcamp le 24 mai 2026
Réf : [sans] -- Édité par Memphis Industries en Angleterre en 2026
Support : 1 fichier MP3
Titre : Miami

Je suis depuis plusieurs années le blog I Left Without My Hat de -Twist-, qui publie notamment chaque jour la chronique d'un nouveau titre. Je lis toutes ces chroniques et, quand ça m'inspire, j'écoute le titre en question. C'était le cas le 19 mai dernier avec Black James Dean de Pigeon, tiré de leur premier album, Outtanational.

Falle Nioke, le chanteur de Pigeon est originaire du Ghana et vit à Margate, dans le Kent. C'est là que, à l'issue d'une jam, il a fait connaissance avec les autres membres du groupe, Graham Godfrey, Josh Ludlow, Steve Pringle et Tom Dream. Certains d'entre eux ont de la bouteille, puisqu'ils ont joué avec Michael Kawinuka ou Little Simz.

J'ai apprécié Black James Dean, qui m'a un peu fait penser à Basement 5, et j'ai écouté le reste de l'album. Il y a plein de bonnes choses, et c'est Miami qui a particulièrement retenu mon attention. Une chanson accrocheuse et dansante avec sa basse synthétique et son séquenceur. Là, c'est à Basil Clarke de Yargo que le chant m'a fait penser à certains moments.

Les paroles, et surtout la vidéo, font un parallèle entre Margate et Miami, inspiré par une mouche voyageuse, plutôt qu'un pigeon ! Certes, il y a à Margate un gratte-ciel (j'exagère à peine) entre la gare et la plage, mais les deux villes balnéaires restent très différentes. Margate est une petite ville qui se trouve à la croisée des chemins depuis quelques années : d'un côté elle reste économiquement défavorisée avec une population appauvrie, et de l'autre, dans la foulée de l'ouverture de la galerie d'art Turner Contemporary en 2011, la vieille ville est devenue un quartier culturel et branché en plein essor.

Outtanational est un disque prometteur. On ne sera pas étonné si le Pigeon prend son envol dans ces prochains mois.

KRAFTWERK : Radioactivity

Acquis neuf à Châlons-sur-Marne en 1976
Réf : 2C 010-82119 -- Édité par Capitol en France en 1976
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Radioactivity -/- Antenna

Voilà un disque que je possède depuis un demi-siècle, c'est presque vertigineux.
A 13 ans, je ne pense pas que j'avais suffisamment d'argent de poche de côté pour l'acheter moi-même. Ce 45 tours m'a donc sûrement été offert par mes parents (qui étaient la principale source de mon argent de poche, de toute façon !).
Il y a une indication très claire que ce disque fait partie des tous premiers de ma collection : il y a au recto de la pochette, bien visible en rouge, une étiquette faite à la Dymo avec mon surnom familial (et aussi mon nom au stylo bille). Heureusement, je n'ai pas eu longtemps accès à cette étiqueteuse... Trois autres disques de cette époque ont déjà été chroniqués ici : Autobahn, Moviestar de Harpo (pire : j'ai arraché l'étiquette...!) et mon premier exemplaire de The humours of Lewis Furey. Je ne pense pas qu'il en reste beaucoup d'autres dans mes étagères, mais je ne suis pas à l'abri d'une surprise.

C'est le premier disque de Kraftwerk de ma collection. Au maximum un an plus tard, je faisais avec Autobahn ce que je considère être ma toute première acquisition d'un 33 tours.
Je me suis rendu compte en lisant récemment une chronique de la réédition des 50 ans de Radio-activity que c'est l'album de la grande époque de Kraftwerk que j'ai dû le moins écouté (avec Electric café). Ce n'est pas que je l'aime moins, c'est principalement je pense parce que je l'ai acheté plus tard, dans le courant des années 1980. Cela explique aussi pourquoi cette chronique n'arrive que maintenant, alors que j'ai déjà abordé des disques liés à Autobahn, Trans Europe Express, The man-machine, Computer world et Electric café.

L'album est titré Radio-activity, un jeu de mots en quelque sorte puisque les chansons traitent d'activités autour de différents aspects de la radio, qu'il s'agisse d'ondes radioactives, radiophoniques ou même stellaires.
Le disque est synthétique, bien plus qu'Autobahn, mais il y a aussi un aspect rétro-futuriste, qu'on retrouvera de façon plus marquée avec Trans Europe Express, avec les photos à l'ancienne du groupe et le poste de radio choisi pour la pochette, qui date des années 1940 et doit être l'équivalent d'une Volkswagen.

La chanson Radioactivity (sans tiret car pour le coup il est question de radioactivité) est un classique des classiques. La version du 45 tours est réduite de moitié par rapport à celle de l'album, mais il ne manque aucun élément essentiel.
Je me souviens avoir été captivé après l'avoir entendue à la radio pendant l'été 1976 à la radio. La France est l'un des pays où elle a eu le plus de succès (300 à 600 000 exemplaires vendus). Je n'écoutais pas l'émission, mais ce succès a peut-être été aidé par le fait que Jean-Loup Lafont en avait fait l'indicatif de son émission Maximum de musique sur Europe 1, comme indiqué sur cette version de la pochette. Jean-Loup avait de la suite dans les idées, car l'année suivante il a pris une version d'Oxygène de Jean-Michel Jarre pour l'indicatif de son émission Basket.

Ce n'est que cette semaine que j'ai eu connaissance d'un ingrédient essentiel de cette chanson (et de l'album dans son ensemble) : le tapis sonore éthéré et magique qu'on entend en fond est produit par un instrument particulier, l'Orchestron de Vako, un clavier qui était une forme plus élaborée du Mellotron ou de l'Optigan, des instruments qui utilisent des sons pré-enregistrés. Visiblement, Kraftwerk a opté pour des sons de chant choral.
Il y a d'autres excellentes trouvailles dans ce morceau : l'utilisation du morse pour épeler de façon sonore le titre et certaines des paroles, les percussions électroniques novatrices, les dix notes accrocheuses du gimmick principal...
Les paroles sont en deux langues, anglais et allemand. Elles présentent la radioactivité de façon assez neutre ("Elle est dans l'air pour toi et moi", "Découverte par Madame Curie"), voire positive ("Branchez-vous sur sa mélodie", "Quand il s'agit de notre avenir").
Quand Kraftwerk enregistrera une nouvelle version de Radioactivity pour l'album The mix en 1991, outre qu'elle sera beaucoup plus dansante, les paroles seront revues pour alerter sur les dangers de l'énergie nucléaire. Depuis, ces paroles sont régulièrement adaptées en fonction de l'actualité.
Une des meilleures versions de la chanson est celle en concert à Captain Vidéo à Paris en mai 1981. Ce n'est pas du rock, mais contrairement aux concerts depuis le retour du groupe dans les années 2000, on a vraiment l'impression qu'ils jouent en direct, avec des variations notables par rapport au disque.

La face B est une autre de mes chansons préférées de l'album.
Antenna traite bien sûr de radio diffusion ou, plus précisément pour garder le côté rétro, de TSF (transmission sans fil).
Les paroles sont minimales : tu es l'émetteur, je suis l'antenne réceptrice.
Je me demande si cette chanson aurait aussi pu être un tube si elle était sortie en titre principal de single. En tout cas, avec séquenceur, synthés et percussions électroniques, c'est vraiment un prototype de techno pop. On se rend compte à l'écoute de ce titre paru fin 1975 que The Human League, The Normal ou Orchestral Manoeuvres In The Dark n'ont pas inventé grand chose. Pour ma part, après avoir été biberonné à Kraftwerk et Vangelis, je ne dois pas m'étonner d'être ensuite devenu un grand fan de New Wave.

Ralf Hutter est le seul membre qui reste du groupe qui a enregistré Radio-activity, mais une formation de Kraftwerk est en tournée en ce moment.






Kraftwerk, Radioactivity, dans l'émission Chorus sur Antenne 2 diffusée le 1er octobre 1978. Le groupe est sur la scène du Théâtre de l'Empire, mais c'est la version du disque qu'on entend.
J'ai probablement vu cette émission le jour de sa diffusion.


Michel Sardou et Danièle Gilbert présentent Kraftwerk au grand public français dans l'émission Midi-Première du 21 juin 1976.

DODUBABOUM : Cavalrire

Acquis par correspondance via Bandcamp le 17 mai 2026
Réf : [sans] -- Édité par Les Disques du Paradis en France en 2026
Support : 1 fichier MP3
Titre : Cavalrire

Bon, les Dodu ça ne court pas vraiment les sillons. Chez Discogs, très peu d'artistes Dodu sont répertoriés. Les seuls a priori qui donnent envie d'en savoir plus sont Dodu Dodo et sa Dodomanie, DonDonDodu avec Nah dead like a Dodu et Père Dodubaboum, qui a l'air bien allumé sur sa photo de profil, torse nu avec un tablier de cuisine, on dirait Gontard dans un grand jour.

Père Dodubaboum a sorti un tiers d'album en 2010. Avec un nom réduit à  Dodubaboum, il a publié pas mal de titres sur Bandcamp depuis 2012.
Un compère Dodu, on pourrait penser que j'y aurais prêté une oreille particulièrement attentive. Et pourtant, il a fallu attendre une chronique de Pop News le mois dernier pour que je découvre son existence.

Dodubaboum, c'est le nom sous lequel Dorian Verdier produit de la musique synthétique sans paroles. Il a joué précédemment avec le groupe Le Pingouin (dont j'ai l'album Hyperurbain) et avec J.C. Satàn.
Dodu, JC, un aspect culino-musical avec le tablier de cuisine qui me rappelle mon émission de radio Buffet froid, le titre du nouvel album L'espoir n'est pas mort qui est assez hip-pop optimiste. J'ai d'emblée plein d'atomes crochus avec Dorian Verdier !

Ce nouvel album est publié par le label bordelais Les Disques du Paradis. Il y a plein de bonnes choses dedans, mais j'ai sélectionné la chanson que Pop News avait mise en avant parce que, premièrement elle est entraînante et accrocheuse, avec de temps en temps des sons qui me rappellent le Devo d'E-Z listening disc, et deuxièmement, pour ce qui 
de nos jours la qualifie de "single", elle a donné lieu à la réalisation d'une vidéo bien rigolote.

Ne craignez pas la mauvaise humeur ou la déprime, tout espoir n'est pas mort, la Cavalrire de Dodubaboum arrivera toujours à temps pour vous remonter le moral et vous faire danser !

DAY ONE : I'm doin' fine

Acquis chez Gilda à Paris le 6 juin 2013
Réf : SADD 6 / 7243 8 96311 2 8 -- Édité par Melankolik / Virgin en Angleterre en 1999
Support : CD 12 cm
Titres : I'm doin' fine -- Say no more -- Ordinary man (Acoustic)

Quand le duo Day One est arrivé sur la scène en 1999, on l'a naturellement associé d'une part à Massive Attack, de Bristol comme eux, qui les avait signé sur son label Melankolik, et à leur co-producteur Mario Caldato Jr, réputé pour son travail avec les Beastie Boys ou Beck.
On pourrait dire qu'après Massive Attack, Tricky et Portishead, ils incarnent une deuxième génération du son trip hop de Bristol.
J'ai écouté et apprécié leur premier album Ordinary man à sa sortie. Mon titre préféré était Bedroom dancing, que j'avais mis sur une de mes compilations. Il n'est jamais sorti en single, mais il a été inclus plus tard sur la bande originale du film Ma femme est une actrice. Sur une autre compilation, j'avais mis mon deuxième titre préféré, qui est la face A du single qui nous intéresse aujourd'hui.

Avec des éléments de hip hop, un tempo léger, une voix doucement rappée, j'ai vu plusieurs fois cité The Streets à propos de Day One. Pour ma part, je penserais plutôt à l'américain Bobby Sichran ou à un autre duo, écossais lui, Arab Strap, principalement pour la façon de raconter des histoires, car il y a des grosses différences musicalement et thématiquement.

Quelques années plus tôt, la musique d'I'm doin' fine aurait été construite à partir d'échantillons de vieux vinyls craquotants, mais en 1999 le groupe a fait pour l'occasion appel à de "vrais" musiciens, dont une section de cordes, qui sont utilisées de façon intéressante.
L'attention à l'écoute des titres de Day One a tendance à se concentrer sur le récit du chanteur Phelim. Là, typiquement, on a tendance à ne pas le croire un instant quand il nous explique que "Ça va, je vais bien, Je survis bien sans toi, Et qu'est-ce que tu voulais ? Et à quoi tu t'attendais ? Que je parle encore de toi ? Non, non pas question, je suis tout seul maintenant et je m'en sors bien.".

Say no more est un titre qui n'est disponible que sur ce single (et que je n'ai pas trouvé en ligne). Il y a une rythmique assez marquée à la batterie, renforcée par un son samplé que je n'arrive pas à identifier, plus du synthé. L'ensemble est de bonne tenue.

Sur l'album à qui elle donne son titre, Ordinary man est déjà plutôt acoustique, piano et voix avec un tout petit peu de guitare. La version qu'on trouve ici a été enregistrée en direct pour une "session acoustique" pour la radio XFM et la guitare acoustique remplace le piano.
C'est l'histoire d'un gars ben ordinaire qui se demande s'il arrivera un jour à se faire remarquer par la femme qu'il croise dans la rue et dont il est un amoureux transi. 
C'est aussi une bonne chanson qui, mine de rien, reste en tête.

Ordinary man a été bien reçu. Le disque a eu un certain succès, il est notamment sorti aux États-Unis, le groupe a beaucoup tourné. Et puis après, plus rien pendant plusieurs années. Le deuxième album Probably art est sorti au Japon en 2005 et en Angleterre seulement en 2007. Le troisième, Intellectual property, est sorti en numérique en 2015 et il a encore fallu attendre fin 2016 pour qu'il soit disponible en disque (Je ne suis pas surpris de voir qu'un des titres, Just believe, a été remixé par Andrew Fearn de Sleaford Mods). A peine dix ans sont passés depuis, donc rien n'interdit d'imaginer que le groupe sortira un jour un quatrième album. Mais en tout cas, leur page Facebook n'a pas été modifiée depuis 2020.




Day One, I'm doin' fine, en concert aux Eurockéennes de Belfort en 2000.

COUP DUR : J'attendrai

Acquis par correspondance via Bandcamp le 10 mai 2026
Réf : [sans] -- Édité par Precious Recordings of London en Angleterre en 2026
Support : 1 fichier MP3
Titre : J'attendrai

Il suffit de voir le peu de disques des années 2020 que j'ai chroniqués pour comprendre que j'achète de moins en moins de disques récents, nouveautés ou rééditions. Parallèlement, mes achats de disques d'occasion sont eux aussi en train de se raréfier, tout simplement parce que jen trouve de moins en moins qui m'intéressent sur les vide-greniers ou dans les boutiques d'occasion (et moins j'en trouve, moins j'ai envie de perdre du temps à en chercher...).
Pour alimenter le blog, je puise dans le stock de ma discothèque. De ce point de vue là, il y a encore de quoi faire et j'ai toujours une longue liste de disques dont j'ai envie de parler, qui évolue constamment.
Au quotidien, j'ai régulièrement des coups ce cœur pour des titres, que je découvre le plus souvent en ligne. Actuellement, ceux qui me parlent le plus, je les case dans les compilations que je mets régulièrement en ligne. Mais ils y sont un peu perdus, et il n'y a pas de contexte ni de commentaire. Alors je vais essayer de pratiquer de façon plus régulière et systématique ce que j'ai déjà eu l'occasion de faire : chroniquer de la musique découverte sur les deux plate-formes que je fréquente régulièrement, Bandcamp et YouTube.
Pour Bandcamp, la différence avec la vingtaine de chroniques que j'ai faites pour le webzine Casbah de 2021 à 2023, c'est que je ne m'imposerai plus de partir à la découverte à partir d'un thème défini.
Je ne m'interdis pas d'acheter mes parutions préférées en disque, et je préférerais même le faire, mais je ne suis pas intéressé par les vinyls et les cassettes récents, et les groupes sortent de moins en moins de CD, alors le plus souvent on se contentera de fichiers numériques.

Pour commencer, voici un titre récent d'un nouveau groupe, Coup Dur, dont j'ai appris l'existence quand quelqu'un a partagé le lien en ligne. Je suis allé écouter, ça m'a plu, et le titre s'est aussitôt retrouvé dans ma compilation La colère des imbéciles.

Coup Dur est un trio franco-belge fondé en 2025, avec Avril de Broucker à la guitare, Clémence d'Hulst à la basse et César Laloux à la batterie. Ils sont liés d'une manière ou d'une autre au label des amis de 62 Records (anciennement 62TV), mais c'est chez Precious Recordings of London que leur premier disque sortira le 22 mai prochain. D'où le titre de ce mini-album huit titres : The English want... Coup Dur.

Precious Recordings of London s'est fait connaître à partir de 2021 en éditant en single vinyl des sessions radio enregistrées dans les années 1980-1990 par la crème du rock indépendant anglais, des amis Jasmine Minks à Hefner, en passant par les Weather Prophets et Helen Love.
Au fil du temps, ils se sont mis à publier de nouveaux enregistrements de vétérans de cette scène (l'album Be careful what you wish for de The Pillars of Creation, un projet de Jim des Jasmine Minks, vient de sortir). Et depuis l'an dernier, avec des références catalogue PRENEW (Coup Dur sera la onzième), ils donnent leur chance à de jeunes groupes qui donnent eux aussi dans l'indiepop.

Un premier "single" tiré de l'album, Mon amie, est paru en février. Il est très bien, mais c'est le second, arrivé fin mars, qui m'a vraiment emballé.

J'attendrai est une chanson originale. Rien à voir avec la chanson J'attendrai popularisée en France par Rina Ketty, que ma génération a connue par la version de Dalida. Mon manuel de grammaire en quatrième pendant l'année scolaire 1975/1976 se servait de cette chanson pour des exemples et exercices à de multiples reprises dans tous ses chapitres. Ça m'a marqué à jamais.

Le J'attendrai de Coup Dur est une chanson pop légère et enlevée, avec des paroles réussies, un air qui reste fort en tête, une vidéo réussie et drôle. Le tout est bouclé en 1'40. Un fan de hip-pop optimiste ne demande rien de plus. Avec des points de référence similaires, on peut penser pour les francophones à Juniore ou aux Calamités.

C'est contre-intuitif, mais si sous sentez que vous avez un coup de mou, je vous prescris une bonne dose de Coup Dur ! Leur disque s'annonce comme un coup d'éclat, voire un coup de maître.

THE BARONS : Last night

Acquis chez Récup'R à Dizy le 29 avril 2026
Réf : 265.534 -- Édité par CID en France en 1961
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Last night -- Just a little -/- Perfidia -- Apache

Cela fait des années maintenant que j'étudie de près la question des disques qui parasitent commercialement un grand succès. Et pourtant, j'ai quand même eu un doute quand je suis tombé sur ce 45 tours à la ressourcerie. Je pensais bien que l'indicatif de l'émission Salut les copains au début des années 1960 était la version originale de Last night par les Mar-Keys. Mais quand même, outre la mention de l'indicatif au recto, on trouve une pub pour l'émission sur Europe 1 au verso. Mais mon doute n'a duré qu'un instant. C'est une belle réalisation, mais c'est bien un disque-sangsue, qui essaie de récupérer un peu du succès de la version "officielle".
En tout cas, on est le 9 mai, et c'est le premier disque acheté d'occasion cette année que je chronique. C'est la disette, alors je suis bien content d'avoir pris ce disque.

Salut les copains, ce n'est pas ma génération, mais l'impact de l'émission m'a quand même marqué, avec les suites de la vague yé-yé, et surtout le magazine, que ma tante, voire ma grand-mère, lisait dans les années 1970.

Les Mar-Keys, j'ai tendance à les confondre avec les autres groupes instrumentaux importants de Stax, Booker T and the MGs (les deux avaient plein de membres en commun, voire étaient un seul et même groupe, dont les titres sortaient sous un nom ou l'autre suivant que les cuivres ou l'orgue dominaient) et les Bar-Kays. 
Last night n'a pas eu du succès qu'en France, ce fut aussi un tube aux États-Unis, notamment. Comme il a fallu remplir un album en exploitant ce thème, on y trouve aussi, ainsi que sur l'EP français, les complémentaires Night before et Morning after !
Quant à Albert King, il ne s'est pas emmerdé, il a sorti à la même époque This morning, qui est un décalque pur de Last night, ce qui ne l'a pas empêché de le signer de son nom !

C'est le troisième 45 tours Last night que j'ai acheté ces dernières années (je n'ai jamais eu celui des Mar-Keys).
Le premier, trouvé en 2022, c'est une version par un groupe belge, The Daniels. Eux aussi exploitent bien le filon avec Next night et All night sur ce disque, leur premier.
Et pourquoi ont-ils choisi de s'appeler The Daniels ? Je parierais bien que, même si pour le coup Salut les copains n'est pas mentionné en clair sur la pochette, c'est dans le but de bénéficier de l'association de Last night avec Daniel (Filipacchi), l'animateur de l'émission (qui a fêté en janvier ses 98 ans).
Le second, acheté en 2023, est une version chantée par Nancy Holloway sous le titre Last night (Venez les copains).

Ce disque est le seul sorti par Les Barons. Ça confirme qu'il s'agit là d'une formation de circonstance, un nom derrière lequel on trouve des musiciens de studio.
Mais pourquoi Les Barons ? Eh bien figurez-vous que les Mar-Keys s'appelaient initialement The Spades. La fondatrice de Stax Estelle Axton, qui était aussi la maman de leur saxophoniste Charles "Packy" Axton, leur a suggéré au moment de sortir Last night de devenir The Marquis. Ils ont accepté, mais ont choisi de l'orthographier à leur manière. Il n'empêche que le nom du groupe se prononce bien à l'américaine Les Marquis et, quitte à vouloir les imiter, pourquoi pas s'appeler Les Barons ? On va pas se gêner, après tout.

La version de Last night des Barons est d'excellente facture. Seul petit reproche : elle est entièrement instrumentale. Pas de "Ooooh Last night" ou "Oh yeah" au moment des pauses, comme le fait le saxophoniste Floyd Newman avec les Mar-Keys, et ça manque un peu.

Just a little est un titre un peu jazzy, celui que j'aime le moins des quatre. En cherchant sur Discogs le nom de l'auteur, Sophia Johanna, j'ai trouvé un seul autre titre, Athens by night par The Downbeats. Une composition différente, mais dans la même veine (les deux titres de Sophia Johanna ont été inclus dans les années 1970 sur un album crédité à The Stereo Percussion Orchestra). En regardant la liste des titres de leur album Here, there and everywhere, j'ai noté qu'on y trouvait à la fois Perdifia et Apache, les deux titres de la face B de mon 45 tours. J'ai vérifié, et il s'agit bien des mêmes versions. On peut donc avancer (c'est certain en tout cas pour la face B) que les enregistrements présentés sous le nom des Barons sont en fait par The Downbeats, qui se trouve sans surprise être un groupe instrumental, probablement de New York, spécialisé dans l'enregistrement de reprises.

Perfidia est un boléro créé en 1939 et devenu très vite un classique. La version des Barons/Downbeats est dans un style de rock instrumental sixties, mais elle est cependant assez différente de celle des Shadows.

Les Shadows, il en est bien entendu question avec le dernier titre, Apache. Là encore, la version des Barons n'est pas une pâle copie de celle des Shadows. Elle a un son de guitare plus western, je dirais, avec des petits "grincements de cordes" surprenants et sympas.

En tout cas, ces usurpateurs n'ont beau être que Barons et même pas Marquis, leur disque, à un titre près, est d'excellente tenue. Mais je doute qu'on ait jamais entendu ce groupe sur l'antenne d'Europe 1.

PRINCE : Controversy

Acquis chez Récup'R à Dizy le 27 février 2021
Réf : WBS49808 -- Édité par Warner Bros. aux États-Unis en 1981
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Controversy -/- When you were mine

On vient de marquer le dixième anniversaire de la mort de Prince. L'occasion de chroniquer pour la première fois l'un de ses disques.
J'ai vraiment apprécié plusieurs de ses tubes des années 1980 :
When doves cry, Purple rain, Raspberry beret, Kiss et Sign "o" the times. Je les ai presque tous en disque, plus quelques autres, achetés le plus souvent pas cher.
C'est le cas de ce 45 tours, trouvé pour 10 centimes à la ressourcerie. Ce qui m'a étonné, c'est de voir arriver comme ça au fin fond de la Marne un import américain des débuts de sa carrière. Du coup, il n'a pas de pochette, mais bon, quand on voit celle du pressage français, on se dit qu'on ne perd pas grand chose :


La mochette de l'édition française de ce single.

De toute façon, édition française ou américaine, c'est un disque que n'avais jamais vu. Je n'avais non plus jamais écouté une de ses faces.

Bien sûr, le titre de la face A, Controversy, me parlait, puisque c'est celui d'un album, le quatrième de Prince.
Tout est dit sur le rond central : "Produit, arrangé, composé et joué par Prince". Son hyperactivité légendaire, sur scène et en-dehors, fonctionnait déjà à plein.
La version album de Controversy dure 7'15. Sa durée est réduite de moitié pour ce petit format, ce qui nous permet d'échapper à la récitation du Notre père par le Petit Prince.
Musicalement, la chanson est du funk léger et synthétique. J'ai pensé initialement à Tom Tom Club en l'écoutant.
Côté paroles, il revient sur les interrogations et rumeurs qui circulaient sur sa personne : "Am I black or white ? Am I straight or gay? - Controversy - Do I believe in God ? Do I believe in me ?".
La chanson est de très bonne facture, elle est accrocheuse et a eu un certain succès sur le moment, mais ce n'est pas ma préférée du disque, et sans la face B il n'y aurait pas eu de chronique.

Prince était déjà très prolifique dans ces années-là, avec au moins un album par an. Mais il n'avait peut-être pas beaucoup de titres en réserve. C'est sûrement pourquoi Warner est allé chercher pour la face B un titre de l'album précédent, Dirty mind. Un album enregistré rapidement à la maison au printemps 1980. Au départ, ces enregistrements devaient être des démos, mais Prince a décidé de les sortir tels quels.

Il y a eu un maxi promo avec When you were mine en face A, mais cette chanson n'a pas été commercialisée en titre principal de single.
C'est étonnant, tant elle est immédiatement accrocheuse.
Cette fois, on est dans un style pop-rock, influencé par le son du moment (certains citent en référence la New Wave, notamment les Talking Heads et Elvis Costello, sûrement pour le passage un peu reggae). Prince aurait composé la chanson dans sa chambre un soir de tournée, après avoir écouté du John Lennon, mais pour le coup ça ne s'entend pas particulièrement.
L'accroche mélodique dès le début est originale, rythmée et efficace. Toute la chanson est construite autour. Prince l'a souvent jouée en concert pendant tout son parcours. Ce n'est pas sa meilleure version live (je préfère celles en vidéo ci-dessous), mais on la trouve en 2002 sur l'album One nite alone...Live !, retitrée sans trop de surprise When U were mine.

Si Prince ne l'a pas sortie en face A de single, cette chanson tient quand même une place non négligeable dans sa discographie : elle a été reprise plus d'une quarantaine de fois en 45 ans (la huitième chanson la plus reprise de Prince; quelques sélections ici et là).
La première à se lancer en 1981, c'est une anglaise, Bette Bright, accompagnée par the Illuminations, suivie en 1982 par les américains de Hi-Fi, qui comptaient dans leurs membres un anglais renommé, Iain Matthews, ancien de Fairport Convention.
Deux versions sorties en 1983 ont eu plus de succès et de visibilité. Celle de Mitch Ryder, plutôt rock et assez proche de la version de Prince, s'est bien vendue en single, tandis que celle plus synthétique de Cindy Lauper est sûrement celle qui s'est le plus vendue tout court, puisqu'elle figure sur son premier album à succès, She's so unusal.  
Parmi toutes les autres reprises publiées depuis, il y a notamment la version acoustique par Crooked Fingers en 2002 et celle de Lambchop. 
Pas mal pour une chanson que je ne connaissais pas du tout...


Prince, When you were mine, en concert.


Prince, une version courte de When you were mine, en concert à Dortmund en 1988 dans le cadre de la tournée Lovesexy.




Prince, une bonne version de Controversy, principalement instrumentale et très cuivrée, en direct en 2004 dans l'émission d'Ellen de Generes. Une séquence pas diffusée à l'époque, apparemment.

ANTON KARAS : The "Harry Lime" theme

Acquis sur le vide-grenier de Condé-sur-Marne le 21 avril 2014
Réf : MG 9235 -- Édité par Decca en France en 1949
Support : 78 tours 25 cm
Titres : The "Harry Lime" theme -/- The Café Mozart waltz

Je ne sais pas si je la mènerais à bien, mais j'ai depuis quelques temps l'idée de faire une série de chroniques autour de la musique du film Le troisième homme. En effet, à force de les voir passer, je me suis mis à acheter différentes éditions des disques d'Anton Karas (1906-1985) quand je tombe dessus (cinq depuis 2014), car je trouve que c'est un cas intéressant de commercialisation de la musique.
Pour aujourd'hui, on va commencer par le début, l'édition originale sortie au même moment que le film, dans le format standard de l'époque, le 78 tours.

Même si j'ai sûrement eu l'occasion d'en entendre l'air pendant ma jeunesse, je crois que la première fois où j'ai prêté attention à la musique du Troisième homme, c'est en 1993, en lisant les notes de pochette de Pascal Comelade pour sa compilation de reprises Danses et chants de Syldavie (je profite de l'occasion pour signaler qu'il s'apprête à en sortir une seconde, Métaphysique du Hit-Parade). Il y expliquait que son Third man theme était paru initialement par erreur sous le titre Café Mozart. Il fait bien référence, sans erreur, aux deux faces de ce disque : le thème principal du film est sorti en Europe sous le titre The "Harry Lime" theme, en référence au personnage joué par Orson Welles dans le film, mais quand le disque a été publié aux États-Unis, le label a choisi de marquer plus clairement le lien entre la musique et le film, et la face A a donc été nommée The third man theme.

La particularité de la musique du Troisième homme, c'est qu'elle est jouée en solo à la cithare. Cet instrument me ramène instantanément chez mes grands-parents, qui en avaient une, voire deux, chez eux. Je ne sais pas d'où ils les tenaient, je ne pense pas que c'était en lien avec la vogue pour cet instrument suscitée par le film. C'étaient plutôt des objets de décoration que de véritables instruments de musique, mais avec frère, sœur et cousins, on se battait toujours pour être celui qui en jouerait.

Le troisième homme, réalisé par l'anglais Carol Reed, est un film important de l'histoire du cinéma. Entre autres distinctions, il a remporté la Palme d'or à Cannes en 1949.
C'est en préparant cette chronique que j'ai appris que le scénario, signé Graham Greene, Reed et Alexander Korda, est original. C'est ensuite que Graham Greene a fait de l'histoire un roman.
Un des éléments marquants du film, outre la performance d'acteur d'Orson Welles, est le rendu d'une atmosphère tendue à Vienne, dans l'immédiat après-guerre et au début de ce qu'on appellera la Guerre froide.
L'autre élément marquant du Troisième homme, c'est sa musique, créée spécialement pour l'occasion. Le film aurait sûrement marqué les esprits même sans cette musique, mais il est clair que c'est un exemple très réussi de musique de film et que l'immense popularité du disque a contribué au succès du film.

Comment Carol Reed s'est-il retrouvé à confier la musique de son film à Anton Karas ? Les récits (ici en français et là en anglais, par exemple) ont tendance à varier un peu dans les détails, mais dans l'ensemble ça donne ceci :
A l'automne 1948, Reed était à Vienne pour les préparatifs du tournage. Lors d'une réception, il a entendu Karas jouer de sa cithare, un instrument bizarre qu'il ne connaissait pas du tout. Il décide de lui confier la musique du film et parvient avec difficulté à convaincre le musicien et les producteurs d'accepter.
L'enregistrement commence dans la chambre d'hôtel de Carol Reed à Vienne et se poursuit pendant trois mois à Londres début 1949, où sont tournées les scènes en studio.
Anton Karas travaille chaque jour pendant des heures sur la musique, et ne souhaite qu'une chose : retourner chez lui en Autriche. Mais un incendie dans la salle de montage l'oblige à réenregistrer une bonne partie des pistes.
Au bout du compte, le résultat est là : le film sort en Angleterre en septembre 1949, avec uniquement de la cithare en solo comme musique, présente en fond sonore sur une bonne partie des scènes (des exemples de scènes-clés ici et là).

Il avait été question de sortir un album de la bande originale du film. L'idée a été abandonnée (il faudra attendre 1999 pour que cet album se matérialise), mais des versions enregistrées en studio de The "Harry Lime" theme et The Café Mozart waltz sortent en même temps que le film et le disque fait fureur.
Aux États-Unis, le 78 tours est n° 1 des ventes pendant 11 semaines. Ce serait le plus grand succès instrumental des années 1950 dans ce pays et il aurait incité les maisons de disques à éditer plus souvent des musiques de film.

The "Harry Lime" theme est effectivement un instrumental remarquable. Il s'ouvre directement sur le "riff" d'accroche. Il y a une partie centrale différente, avant un retour pour finir à la partie musicale immédiatement reconnaissable et qui reste en tête. Le jeu d'Anton Karas est visiblement virtuose. Il joue en même temps les mélodies et l'accompagnement rythmique, les sons sont variés, avec presque un effet "pedal steel" à certains moments.

The Café Mozart waltz est bien également mais moins remarquable, rythmé par une corde basse. D'habitude, je sais repérer le rythme ternaire d'une valse, viennoise ou non, mais pas là.

Suite au succès du disque et du film, Anton Karas a tourné dans le monde entier et a eu droit à tous les honneurs. Mais, dès 1953, il est revenu chez lui à Vienne faire ce qui l'intéressait : jouer de la cithare dans un bar à vin. Sauf que cette fois il était propriétaire de l'établissement, baptisé sans trop de surprise Zum Dritten Mann.

Plus largement, il semble que Vienne s'appuie de façon assez marquée sur Le troisième homme pour attirer les touristes. Il y a des circuits touristiques, un cinéma qui diffuse constamment le film, et bien sûr un musée, où l'on peut notamment écouter 400 versions différentes de l'air principal du film. Je ne sais pas s'ils y ont ajouté celle des Beatles, révélée par le documentaire Get back en 2021, où ils s'amusent à le jouer en studio, le 3 janvier 1969. 


Une bande annonce pour The third man, problement pour la sortie du film aux États-Unis. On note la mise en avant de la cithare sur l'annonce du titre, suivie de la mention "Featuring the famous musical score by Anton Karas" et de la phrase, avec un jeu mot sur citare, "He'll have you in a dither with his zither". On s'appuyait bien sur le succès du disque pour la promotion du film.


Un reportage d'actualité Pathé tourné à l'Empress Club de Londres en 1950. Anton Karas est mis en scène dans le contexte professionnel qu'il a le plus longtemps pratiqué.

FATIMA MANSIONS : Only losers take the bus

Acquis à la Petite Boutique Primitive à Reims vers 1992
Réf : RAR5P-2187 -- Édité par Radioactive aux États-Unis en 1992 -- Promotional CD single - Not for sale
Support : CD 12 cm
Titres : Only losers take the bus (Dump the dead) -- Only losers take the bus (I'm not stupid) (Album version)

J'ai rencontré Cathal Coughlan (1960-2022) très brièvement le 15 février 1985, à Londres, alors qu'il traversait le réfectoire de l'université  South Bank Poly. Il s'était arrêté pour saluer Joe Foster, que j'accompagnais. Il jouait ce soir-là avec son groupe Microdisney lors d'un concert de soutien aux mineurs en grève. Il y avait également à l'affiche les Mekons et Poison Girls (que j'ai ratés), The Men They Couldn't Hang. Les Waterboys, qui n'étaient pas annoncés, ont joué deux chansons.

En fait, je n'étais pas un grand fan de Microdisney. J'avais acheté la compilation de leurs premiers singles 82-84 : We hate you South African bastards !, pour son titre percutant et parce qu'elle n'était pas chère, mais j'avais trouvé leur musique assez molle du genou. J'ai même revendu ce disque, mais je l'ai racheté depuis, toujours pas cher, en édition originale, et même en réédition CD, retitrée astucieusement et diplomatiquement post-apartheid 82-84 : Love your enemies, et publiée par Rev-Ola, le label fondé par Joe Foster. La boucle est bouclée.

Par contre, j'ai tout de suite apprécié son groupe suivant, The Fatima Mansions, dont le nom est celui d'un quartier d'habitat social de Dublin. Leur label envoyait leurs disques par paquets à Radio Primitive, et c'est un exemplaire en rab de ce single que j'ai acheté à l'époque.
The Fatima Mansions était un groupe, ils étaient cinq au départ, mais je n'ai jamais connu que le nom de Cathal Coughlan. Ils ont sorti cinq albums entre 1989 et 1994, sans grand succès commercial. Leur disque qui s'est le plus vendu, c'est un single extrait de Ruby trax, une compilation du NME. C'était une double face A, mais le titre qui a fait vendre le disque c'est plutôt la version de Suicide is painless par les Manic Street Preachers.

Je crois pouvoir affirmer sans exagérer que Only losers take the bus est la chanson fétiche de Fatima Mansions. C'est le titre d'ouverture de leur premier album, la face A de leur premier single et, par le jeu des choix éditoriaux de leurs deux labels Kitchenware et Radioactive, il se trouve que la chanson a été publiée sept fois en cinq ans, sur trois singles, trois de leurs quatre albums et leur seule compilation ! :

1. Sur l'album Against nature (1989)
2. Sur le maxi 45 tours anglais Only losers take the bus (1990)
3. Sur certaines éditions et rééditions de l'album Viva dead ponies (1990)
4. En face B du single anglais You're a rose (1991)
5. En titre bonus de certaines éditions de l'album Valhalla avenue (1992)
6. Sur l'EP américain Tíma mansió dumps the dead (1992)
7. Sur la compilation anglaise Come back my children (1993)

Mon CD est un disque hors commerce qui fait la promotion de l'EP Tíma mansió dumps the dead, sur lequel on trouve notamment une reprise à la Public Enemy de Shiny happy people de R.E.M.. La pochette a la même illustration que la version commercialisée, à part la la couleur de fond qui a été changée.

Only losers take the bus est vraiment à la base un excellent morceau de rock and roll, avec notamment des saccades de guitare sur un tempo frénétique, digne des Woodentops, renforcé par un séquenceur, un instrument électronique qui a rarement été aussi bien incorporé à du "rock".
Cathal Coughlan fait une excellente performance au chant. J'aurais bien du mal à faire une exégèse des paroles. Il y a peut-être bien quelque part un prêcheur élu de Dieu, qui ne voudrait surtout pas être un loser usager du service public de bus, mais rien n'est moins sûr.

Il y a deux versions principales de la chanson qu'on trouve toutes les deux sur ce CD. Elles se distinguent notamment par le texte en introduction. La version I'm not stupid est la version originale de 1989. La version Dump the dead est un remix qui a été publié pour la première fois en 1992. Les deux versions sont en fait proches l'une de l'autre. J'ai peut-être une petite préférence pour Dump the dead, notamment pour le break instrumental qui me parait plus efficace.

Il existe trois autres remixes de la chanson. Deux sont parus sur le maxi anglais de 1990. Ils ne sont pas en ligne et ce n'est peut-être pas plus mal car le Dangers mix par Jack Dangers de Meat Beat Manifesto, diffusé uniquement sur un maxi promo américain, est une catastrophe.

En parallèle avec les Fatima Mansions, Cathal Coughlan s'est lancé au début des années 1990 dans le projet Bubonique, avec Paul Jarvis.

Les Fatima Mansions ont été en conflit avec leur label américain Radioactive. C'est l'une des raisons de leur séparation en 1995, après l'album Lost in the former west. Mais les procédures en cours ont eu des conséquences sur Coughlan pendant plusieurs années : il n'avait pas le droit de sortir de nouveaux disques, ni même de jouer ces titres sur scène.

Il est redevenu très actif au 21ème siècle, avec six albums solo, dont le dernier en 2021, et aussi Telefís, une collaboration avec Jacknife Lee, dont les deux albums sont parus quelques mois avant et après la mort de Cathal en 2022, à 61 ans.

Les vidéos pour Only losers take the bus (I'm not stupid), ci-dessus, et Only losers take the bus (Dump the dead), ci-dessous.

LENNON / ONO (WITH THE PLASTIC ONO BAND) : Instant karma !

Acquis neuf en solde dans la Marne vers 1984
Réf : 2C 008-91149 / Dance For Ever Vol. 19 -- Édité par Apple / EMI en France en 1983
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Instant karma ! -/- Who has seen the wind ?

J'ai eu ma grande période Beatles vers 1977-1978, à 14-15 ans. C'est à ce moment que j'ai eu l'occasion d'écouter chez ma jeune tante Nadette Shaved fish, la compilation de 1975 de John Lennon où l'on trouve la plupart de ses 45 tours post-Beatles.
Je note au passage, même si ce n'est pas le sujet du jour, que Woman is the nigger of the world figure en bonne place sur cette compilation. Alors que, pour plein de bonnes/mauvaises raisons, elle a été complètement excisée cinquante ans plus tard du coffret de neuf CD Power to the people, alors qu'elle ouvrait en 1972 l'album Some time in New York City qui en constitue la base et qu'elle a été interprétée lors des deux prestations au concert One To One, censé figurer intégralement dans le coffret. La bonne vieille méthode hypocrite de l'utilisation d'astérisques pour cacher un mot qui dérange aurait été préférable.

Intant karma ! est l'une des chansons qui me plaisaient le plus sur Shaved fish. Alors quand je suis tombé quelques temps plus tard sur un exemplaire réédité et soldé de ce 45 tours, je n'ai pas hésité à investir quelque chose comme 5 francs dans ce disque.
Depuis, j'ai souvent vu passer le disque original, sans l'acheter, mais Philippe R. m'en a offert un exemplaire en 2014. Je chronique cependant cette réédition toute moche car ça reste historiquement "mon" disque.

C'est le volume 19 de la collection Dance for ever version années 1980. Il y a eu au moins trois présentations/numérotations différentes pour cette collection, entre 1972 et 1985. J'ai acheté récemment le Rivingtons, mais à la même époque que le Lennon j'avais déjà investi, souvent en solde, dans No milk today des Herman's Hermits, Fever de Peggy Lee et Blueberry Hill de Fats Domino.

Pour moi, ayant connu les choses rétrospectivement, c'était assez clair. Il y avait les derniers albums des Beatles, Abbey Road et Let it be, avec la particularité qu'ils ne sont pas sortis dans leur ordre d'enregistrement, puis les carrières solos des quatre garçons plus ou moins dans le vent. Sauf que, des années de lecture d'Uncut et Mojo m'ont appris que les choses étaient bien plus confuses que ça.
Déjà, Harrison a sorti des disques solo dès 1968. Ensuite, Lennon a sorti trois 45 tours et un album live entre juillet 1969 et février 1970. Dès septembre 1969, au moment de la sortie d'Abbey Road, il avait annoncé en privé aux autres membres qu'il allait quitter le groupe. Mais c'est Paul McCartney qu'on a rendu responsable de la séparation quand il a de fait rendu publique l'information dans un auto-entretien au moment de la sortie de son premier album.

A ce moment-là, Lennon était déjà bien embarqué dans ses aventures avec Yoko Ono et le Plastic Ono Band, commencées en juillet 1969 avec Give peace a chance.
Instant karma ! est son troisième single. Seulement une dizaine de jours s'est écoulé entre la composition du titre et sa sortie dans le commerce. Comme quoi, il était encore possible de faire vite (et en mono) avec Phil Spector à la production. 
Lennon voulait un son de rock and roll minimal et primitif, et c'est ce qu'il a obtenu. Avec notamment une batterie lourde (par Alan White, le batteur de Yes !) et du piano. Il y a plein de monde sur le disque, dont George Harrison à la guitare, Klaus Voorman à la basse et Billy Preston aux claviers. Plus une petite troupe rassemblée pour l'occasion pour faire les chœurs.

Le thème principal de la chanson serait qu'il est inutile d'attendre une éventuelle réincarnation pour vivre son karma, et qu'il est possible de le faire dés maintenant, dans le temps présent, car, comme le dit le refrain, "On brille tous, comme la lune et les étoiles et le soleil". Tout comme Give peace a chance, cette chanson a quelque chose d'un hymne. Elle a aussi été rapprochée, à raison il me semble, d'All you need is love.

Si le rond central anglais conseillait de "jouer fort" la face A, il proposait de "jouer doucement" la face B, Who has seen the wind ?. Et c'est effectivement une Yoko calme qui signe et chante cette chanson, qui oscille entre une comptine et un air moyenâgeux.
C'est fort dommage de ne pas avoir crédité la poétesse Christina Rossetti (1830-1894) : le titre de la chanson et le premier couplet viennent directement de son poème Who has seen the wind ?, tiré du recueil Sing-song: A nursery rhyme book.

Sans atteindre le numéro 1 des hit parades, Instant karma ! a eu du succès, se vendant notamment à plus d'un million d'exemplaires aux États-Unis. Et, comme quoi la situation était bien chaotique, le disque s'est vite retrouvé en concurrence avec le single Let it be, sorti un mois plus tard.



Les deux passages à Top of the Pops de Lennon / Ono avec le Plastic Ono Band pour la promotion d'Instant karma !, enregistrés le 11 février 1970.




John & Yoko / Plastic Ono Band with Elephant's Memory, Instant Karma !, au One To One Concert, au Madison Square Garden de New York le 30 août 1972.

PREFAB SPROUT : Jordan : The EP

Acquis au Record & Tape Exchange de Notting Hill Gate à Londres probablement dans les années 1990
Réf : SK 49 -- Édité par Kitchenware en Angleterre en 1990
Support : 45 tours 17 cm
Titres : One of the broken -- Jordan : The comeback -/- Carnival 2000 -- The ice maiden

J'ai beau chercher, je pense qu'il n'y a qu'une seule fois dans ma vie où j'ai été rémunéré pour mes écrits sur la musique. C'était par Les Inrockuptibles, même si ma prose n'a jamais été publiée dans le magazine.
Tout cela s'est fait grâce à Jean-Daniel Beauvallet, le passeur. Quelques temps après la tournée catastrophe de Biff Bang Pow ! et Momus que nous avions organisée ensemble, j'ai dû lui rendre visite dans les bureaux de la rédaction et, à un moment, il m'a dit qu'ils avaient besoin de quelqu'un pour chroniquer des disques sur leur service minitel et m'a proposé de m'en charger.
J'ai accepté, et voilà c'était fait. On m'a envoyé des codes d'accès et j'ai commencé à travailler, en piochant dans les nouveautés reçues à Radio Primitive (je n'ai jamais reçu un disque pour ça, du journal ou des labels), et j'ai tapé mes chroniques sur le clavier pourri du minitel. Il y avait une contrainte forte, un nombre de caractères très limité.

J'étais complètement libre pour cette activité : on ne m'a jamais donné d'instructions ni de ligne directrice, je choisissais les disques en fonction de l'actualité et surtout de mes goûts (pas mal de James, Pixies, la galaxie Creation bien sûr). Quand j'ai demandé si ça convenait, on m'a répondu que oui, mais j'ai eu très peu de retours, et je ne savais pas si les pages correspondantes étaient lues.

Tout cela serait largement oublié si je n'avais pas eu la bonne idée de me faire une chemise-dossier Inrocks, que j'ai retrouvée récemment en faisant du rangement (ce bon vieux support papier a des avantages, je vous défie de trouver une trace archivée du 3615 des Inrocks...).
Il y a dedans un autocollant du service, un échange avec le graphiste Pascal Arvieu à propos d'une page de pub publiée dans le magazine, et une de mes factures de piges. C'était quand même bien payé : quatre feuillets à 250 F. par numéro trimestriel du magazine, soit 3 000 F. pour la facture qui me reste.


Un autocollant promo pour le service minitel des Inrocks.
Les Inrockuptibles, Eliott... vous avez saisi, Ness pas ?


La page de publicité pour le 3615 Eliott publiée dans le n° 31 des Inrockuptibles (septembre/octobre 1991).

J'ai aussi imprimé au fur et à mesure le fichier texte sur lequel je rédigeais mes chroniques (Il y en a un échantillon en bas de cette page). Je ne sais pas s'il est complet, mais il compte environ 120 chroniques pour des albums sortis entre 1990 et 1992. Ce qui indique que cette aventure a duré entre deux et trois ans. Jusqu'à ce que je reçoive un courrier m'apprenant que le service minitel était réorganisé (en lien avec le passage en mensuel, je pense) et qu'on n'aurait plus besoin de moi.

Le choix des disques chroniqués n'est donc pas étonnant et, ce qui est rassurant, c'est que, pour la plupart, les textes ne me font pas honte. Souvent ils correspondent à l'opinion que je me fais encore aujourd'hui des disques en question, parfois ils sont un peu trop "plats" ou "promotionnels". Il y aussi certaines remarques avec lesquelles je ne suis plus du tout d'accord.
Mais dans le lot, il y a une chronique en particulier qui m'a sauté aux yeux et m'a complètement abasourdi. Celle-ci :



On avait beau être en 1990, je sais bien que quand j'ai rédigé ça je n'étais pas sous ecstasy et que, à part du café et du chocolat, je n'avais pris aucune substance hallucinogène. Mais je me demande bien ce qui m'a pris et comment j'ai pu publier ça.
En cinq lignes, c'est du grand n'importe quoi :
La "persévérance aveugle", connaissant les soucis de santé actuels de Paddy McAloon, c'est malheureusement prémonitoire, mais ça n'a aucun sens. Et "séduire le miracle" ? No comprende ! "Un enfant suspendu" ? Nicht verstanden. Et je me demande bien ce que Merlin l'Enchanteur vient faire là-dedans !
Sans qu'on m'y pousse en quoi que ce soit, j'ai visiblement voulu faire une chronique positive, qui se trouve être ampoulée et insensée. Je n'en suis pas fier.

Mais ce n'est pas tout...
Je n'avais pas Jordan : The comeback à l'époque. J'ai acheté le 33 tours chez Emmaüs à Tours-sur-Marne quand je l'ai trouvé à 2 € en 2016.
Mais il se trouve que je ne suis pas un grand fan de Prefab Sprout. Même le premier single, Lions In My Own Garden (Exit Someone), que j'ai réécouté récemment, ne vaut surtout pour moi que pour l'acronyme de Limoges. En fait, à part When love breaks down et un peu aussi Cars and girls, il n'y a pas beaucoup de titres d'eux qui m'accrochent.

Deux semaines avant de retomber sur ces chroniques, je me suis lancé dans une opération inhabituelle pour moi : sélectionner des disques qui pourraient quitter pour de bon mes étagères. Et, après les avoir réécoutés, j'ai inclus sans regret dans la pile Jordan : The comeback, Protest songs et le maxi Hey Manhattan, que j'ai trouvés particulièrement insipides.
J'ai donc encensé en 1990 un album que je n'aime pas, et j'envisage de me séparer en 2026 de ce disque, pourtant généralement présenté comme excellent, par Jesters Tear ou François Gorin par exemple.

L'album est encore dans mes murs, mais comme il est sur le départ, nous nous intéressons aujourd'hui à un petit EP, que j'ai décidé de conserver car c'est un format que j'aime beaucoup et qui ne prend pas beaucoup de place. C'est le troisième single extrait de Jordan : The comeback. Aucun inédit en face B, les quatre titres sont sur l'album, un disque produit par Thomas Dolby, qui est bourré jusqu'à la gueule de 19 titres. Il est divisé en quatre grandes sections et on a ici un titre de  chacune des sections.

Ce 45 tours d'occase était vendu initialement par Record and Tape Exchange à 1 £. N'ayant pas trouvé preneur, il a été baissé deux fois et je l'ai trouvé à 30 pence, sûrement dans la cave du magasin. De la pochette, je dirais que c'est un bon exemple de mochette (je ne suis pas l'inventeur du terme, mais je m'en empare de bon cœur).

La conclusion à l'écoute de ces quatre extraits de l'album, c'est que je n'aime vraiment aucune des chansons. C'est globalement mou, et de manière générale le chant ne me plaît pas.

One of the broken est une chanson lente. Elle a peut-être été choisie comme titre principal en écho à When love breaks down.
Je n'ai rien de particulier à dire sur la chanson Jordan : The comeback.
Carnival 2000, qui a vaguement des airs de bossa (attention : jeu de mots franco-portugais), est censée être remixée par rapport à l'album. J'ai comparé les deux versions et je n'ai pas vraiment entendu de différences.
The ice maiden est chantée à deux. Il y a un peu de rythmiques électro et de guitare électrique, mais je n'accroche pas pour autant

Après Les Inrockuptibles, j'ai continué sur ma lancée à rédiger des chroniques, pour Radio Primitive, publiées dans la revue professionnelle Le Bulletin des Rotations sous la bannière Les disques de Omar. Je dois en avoir quelques-unes au grenier, je les ressortirai peut-être un jour.



Voici une sélection de mes chroniques minitel du 3615 Eliott, de 1990, 1991 et 1992 :