Blogonzeureux!

DOGBOWL : The best of Dogbowl volume II

2012-01-28T20:42:00.000+01:00

Offert par Dogbowl par correspondance au printemps 2002
Réf : 62 TV 29846 -- Edité par 62 TV en Belgique en 2001
Support : CD 12 cm
19 titres

Avec ce disque, on multiplie les aller-retour entre le réel et le virtuel. En effet, c'est ce Best of Dogbowl volume II bien réel édité par les amis belges de 62 TV qui m'a donné l'idée de créer Vivonzeureux Records, même si le catalogue a ensuite intégré des disques imaginaires antérieurs. En l'écoutant, j'ai eu l'idée d'une sélection de mes titres préférés de Dogbowl complémentaire à celle-ci. Ça a donné Chasing bare bones : the best of Dogbowl volume 4, que j'ai décidé de "publier" sur mon label virtuel.
J'ai présenté Chasing bare bones à Dogbowl et Poney, le groupe belge qui l'accompagnait pour les concerts de promotion du best of, lors du concert-vernissage d'une exposition de Dogbowl à la médiathèque de Mons le 27 avril 2002 et c'est un peu plus tard que Dogbowl m'a envoyé cet exemplaire du disque à la pochette personnalisée au feutre. D'où le "Merci", et aussi le "DEVO", en référence à mon enthousiasme pour l'excellente reprise de The day my baby gave me a surprise de Devo que Dogbowl et Poney avait jouée au Bar de la Comédie à Reims un peu plus tôt dans l'année, le 22 février 2002.

Dogbowl et Poney à la Médiathèque de Mons le 27 avril 2002. Photo : Pol Dodu.

La troisième et dernière fois que j'ai vu Dogbowl jouer avec Poney, ce fut le 28 août 2002 sur la Guinguette Pirate à Paris, un "concert d'adieu" à l'Europe de Dogbowl, qui retournait s'installer aux Etats-Unis (deux témoignages vidéo du concert à voir ci-dessous).
Depuis cette époque, Dogbowl est resté très actif. Il fait beaucoup de peinture, a publié un second roman, Hundred percent lunar boy (qui sera prochainement adapté au cinéma), sorti un disque inédit, Songs for Narcisse, et deux d'archives, Le chien lunatic, le fameux concert en français de Bruxelles, et des enregistrements de ses premiers concerts solo au CBGB's en 1985-1986. Presque de quoi envisager un best of volume 6 !
Dogbowl est revenu ponctuellement en France, souvent pour des collaborations avec son vieux compère Michel Cloup, avec qui il avait enregistré le double 45 tours Nuage nuage. J'ai eu la chance que l'une de ces visites ait lieu à la Cartonnerie de Reims le 19 février 2009, où Dogbowl a donné un concert d'une demi-heure, debout sur le bar, seul avec sa guitare électrique comme au temps du CBGB's.
Dix ans après, ce Best of volume II constitue toujours un parcours palpitant dans la discographie solo de Dogbowl, de Tit ! (An opera) en 1989 à Fantastic carburetor man en 2001. Il y a deux inédits, des nouvelles versions de Hot day in Waco et Gunsmoke enregistrées avec Poney, et un titre rare, Blue fur bosom girl, sorti uniquement en 45 tours. On y trouve notamment Nothing better, l'ode très expressive au cunnilingus et à la fellation, et plein d'autres chansons que j'adore : Love bomb, Hello Helen, Cindy on the sidewalk, On the monkey bars, Oklahoma, The president was shot... Une de mes préférées reste le court titre a cappella Going out on a date (with a girl that you like), qui exprime parfaitement la nervosité d'un premier rendez-vous.

The best of Dogbowl volume II est actuellement disponible en téléchargement. Des CD sont encore à la vente d'occasion, mais il faut bien sûr refuser de payer le prix prohibitif que certains en demandent.

Des titres inédits en disque de Dogbowl en solo enregistrés en 2009.

Dogbowl et Poney à la Guinguette Pirate, Paris, le 28 août 2002.

POL DODU : Mes disques virtuels

2012-01-26T17:05:00.002+01:00

Acquis par correspondance chez The Book Edition à Lille en janvier 2012
Réf : 978-2-9536575-4-8 -- Edité par Vivonzeureux en France en 2012
Support : 212 p. 20 cm
30 titres

Après Mes disques improbables en 2010, voici Mes disques virtuels !
Ce quatrième livre des Editions Vivonzeureux, c'est le catalogue commenté et augmenté de dix ans du label Vivonzeureux Records et c'est aussi, après Tu m'as trompette mon amour, un nouvel exemple de fiction discographique.
L'occasion de découvrir notre catalogue éclectique, de Pascal Comelade à Dogbowl et des Frères Nubuck à Jonathan Richman.
Dans les prochaines semaines, plusieurs chroniques de Blogonzeureux! se pencheront sur des disques, réels certes, mais liés d'une façon ou d'une autre aux disques virtuels présentés dans le livre.

Plus d'infos sur Vivonzeureux!

CLAY ALLISON : Fell from the sun

2012-01-22T14:02:00.000+01:00

Acquis avec le n° 8 du magazine Bucketfull of Brains chez Rough Trade à Londres en 1984
Réf : SR001 -- Edité par Serpent aux Etats-Unis en conjonction avec Bucketfull of Brains en Angleterre en 1984
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Fell from the sun -/- All souls

Etrange destinée pour ces deux enregistrements, qui ont été édités sous trois noms d'artiste différents.
L'édition originale c'est celle-ci, créditée à Clay Allison, sur Serpent, le label du groupe (je suppose), mais principalement diffusée avec le n°8 du magazine Bucketfull of Brains en 1984. C'est comme ça que je me suis procuré ce disque. La revue, j'ai dû l'égarer depuis bien longtemps car je n'arrive pas à remettre la main dessus et je ne me souvenais même plus de la couverture.

Quelques mois plus tard, le groupe avait changé de formation et décidé de changer de nom. J'imagine qu'ils ne s'étaient pas encore mis d'accord sur un nouveau patronyme, deux nouveaux titres sont donc sortis sous celui des trois membres du groupe Kendra Smith (ex-Dream Syndicate), David Roback (ex-Rain Parade) et Keith Mitchell. Aux Etats-Unis, les deux faces du 45 tours ont été incluses sur le maxi. En Angleterre, seule Fell from the sun est dessus, mais en face A.

Le groupe a ensuite très vite pris le nom d'Opal et sorti son seul véritable album, Happy nightmare baby, en 1987. Kendra Smith a quitté Opal en 1989, Hope Sandoval l'a remplacée et le groupe a encore une fois changé son nom pour devenir Mazzy Star.
Pour boucler l'histoire Opal, une compilation des premiers enregistrements du groupe est sortie en 1989, sous le titre Early recordings, où l'on retrouve Fell from the sun et All souls accolés à un troisième nom de groupe.

Et la musique alors ? Fell from the sun, écrite par Kendra Smith, est une chanson excellente. En amont, on sent les influences de Nico et du Velvet Underground. En aval, outre Mazzy Star bien sûr, on peut y entendre des germes de Galaxie 500/Damon & Naomi/Luna ou de Low.
J'ai un peu plus de mal avec All souls, une chanson moins rythmée, sans guitare, avec la voix de Smith peut-être un peu trop à nu.

NIC ARMSTRONG : Broken mouth blues EP

2012-01-21T19:03:00.000+01:00

Acquis chez Parallèles / Gilda à Paris le 28 décembre 2011
Réf : 397TP7 -- Edité par One Little Indian en Angleterre en 2004
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Broken mouth blues -- As warm as you really are -/- My voice will be quiet -- I want to be your driver

Un chanteur inconnu par chez moi, mais un 45 tours bien épais typique des années 2000, un logo complètement rétro, et au dos les noms de Liam Watson et de son studio Toe Rag, des gages de qualité, célèbres depuis les White Stripes mais qu'on avait déjà repérés des années plus tôt sur des disques des Television Personalities.
Nic Armstrong est anglais. Il a un penchant pour les sixties, pas tellement pour la période pop-art psychédélique qui fascine Dan Treacy mais plutôt pour le rock et le blues des origines tels que les Rolling Stones et les Beatles avant lui les ont digérés. Ceci est son premier single, inclus la même année sur l'album The greatest white liar. L'album est sorti sous son nom, mais aux Etats-Unis quelques temps plus tard il a été crédité à Nic Armstrong and the Thieves. L'album suivant est carrément sorti sous le nom de IV Thieves, un nom de groupe abandonné depuis.
Le 45 tours dans son ensemble est excellent. Mes deux titres préférés sont le premier et le dernier. Broken mouth blues, avec sa basse fuzz et son harmonica rappelle les Stones des débuts, il y a même des choeurs très réussis tout à la fin. C'est aussi le titre le plus proche des White Stripes.
I want to be your driver est une reprise de Chuck Berry, mais du Chuck Berry comme en jouaient les Beatles en 1963-1964. Ce titre n'était pas sur l'album anglais mais il a été ajouté sur l'édition américaine.
As warm as you really are est plus dans la veine Kinks/Who mid-sixties. My voice will be quiet est le seul titre du lot à ralentir un peu le rythme. Ces deux titres ne se trouvent que sur cet EP, toujours disponible en téléchargement, et même en 45 tours en cherchant un peu.
Nic Armstrong joue aujourd'hui même à Austin au Texas, et il s'y produira à nouveau en mars pour South By Southwest. Il a un nouvel album en préparation.

CLEARLAKE : Something to look forward to

2012-01-15T11:13:00.000+01:00

Acquis chez Parallèles / Gilda à Paris le 28 décembre 2011
Réf : MOTE102CD -- Edité par Dusty Company en Angleterre en 2000
Support : CD 12 cm
Titres : Something to look forward to -- Let's get out of here -- Daybreak

Ce jour-là, j'ai d'abord trouvé un 45 tours de Clearlake, que j'ai failli reposer car j'ai confondu un instant le nom du groupe avec celui de Midlake, qui ne m'intéresse pas du tout. Ensuite, j'ai vu que le disque était sorti chez Domino, alors je l'ai mis dans la pile.
Quelques minutes plus tard, j'ai trouvé ce CD, toujours parmi les disques soldés de chez Gilda, et là je l'ai mis de côté sans hésitation. Je procède toujours comme ça quand j'achète un disque pas cher de groupe que je ne connais pas du tout : j'en prends aucun ou tous ceux que je vois, c'est le meilleur moyen d'éviter d'avoir de gros regrets si je découvre à l'écoute que ça me plait beaucoup. Neuf fois sur dix, c'est surtout le meilleur moyen de se retrouver avec un plus gros paquet de merdes inutiles à la maison, mais bon, on ne fait pas d'omelette sans casser des oeufs.
Dans ce cas précis, si le 45 tours Good clean fun, plus récent et plus produit, m'a paru agréable, sans plus, j'ai accroché dès la première écoute au premier titre du CD, et quand le deuxième m'a fait le même effet, j'ai su que j'étais bien tombé.
Clearlake est un groupe anglais de Brighton, officiellement encore en activité bien que leur dernier album remonte à 2006 et que leur leader Jason Pegg ait sorti un album solo en 2009. Ceci est leur troisième single, sorti en 2000, comme les deux précédents. Ils ont tous été inclus en 2001 sur leur premier album, Lido.
Les chansons de ce single, comme d'autres de l'album, semblent traiter de l'envie de s'échapper du quotidien, ce que confirme l'illustration de pochette avec sa photo de plage ensoleillée au-dessus de l'évier et de la vaisselle sale, et aussi pas mal de la volonté/difficulté de se lever de son lit le matin, les deux étant évidemment liés !
Something to look forward to n'est pas un choix évident comme face A de single, ce n'est pas une pop song classique, même si elle m'a plu à la première écoute. Comme point de comparaison, j'ai d'emblée pensé aux Delgados, avant d'apprendre que Clearlake a eu l'occasion de tourner avec eux au moment de la sortie de ce disque.
Pour Let's get out of here, on ne se pose pas de question. C'est une tranche de pop noisy, avec un soupçon de son rétro qui rappellerait presque Madness. C'était déjà un vieux titre pour le groupe en 2000 puisqu'ils en avaient enregistré une version en 1998 quand ils s'appelaient encore Musikland, diffusée en 2005 sur l'album Not bit of wood.
Le dernier titre, Daybreak, est différent, plus lent, avec des tonalités psychédéliques. Il doit y avoir un lien mais ce titre chanté de 3'11 semble différent de celui de 1'13 sur Lido intitulé Daybreaking (si j'en crois l'extrait instrumental de 30 secondes que j'en ai écouté).

Ce disque est toujours en vente chez Domino.

BIG MAYBELLE : Got a brand new bag

2012-01-14T13:05:00.001+01:00

Offert par Fabienne M. à Mareuil sur Ay en décembre 2011
Réf : TEG-9925 -- Edité par Traffic Entertainment Group aux Etats-Unis en 2009
Support : CD 12 cm
12 titres

A l'époque où j'ai téléchargé la reprise de 96 tears par Big Maybelle chez WFMU, début 2007, je m'étais dit qu'il faudrait que je me la procure en disque un de ces jours. On trouve assez facilement le 45 tours (sans pochette) pour une poignée d'euros, mais j'ai préféré me faire offrir ce CD, qui reproduit l'album original en modèle réduit et qui ne coûte pas plus cher.
Voilà ce que j'écrivais en 2007 à propos de 96 tears, le titre qui ouvre l'album et qui a été le dernier de Big Maybelle classé dans les charts : "Musicalement, avec son côté soul/rhythm'n'blues, cette version a quelque chose de spécial, et surtout, vocalement. Big Maybelle s'empare de la chanson de façon impressionnante et ne lâche sa prise à aucun moment. Quand elle chante "I'm gonna get you, yes I am. Ah ah ah ah", on se dit que le mec a qui elle s'adresse probablement ne va pas seulement pleurer 96 larmes, mais sûrement aussi pisser dans son froc !".
Ce que je ne savais pas à l'époque, c'est que la tonalité soul/rhythm and blues est donnée par des musiciens de Memphis (non crédités), probablement la crème de chez Stax. En effet, si ce disque a été enregistré à New-York, le groupe embauché pour cette session est en partie celui qui venait d'accompagner Carla Thomas à l'Apollo Theatre.
Cet album ne contient que des reprises, et pas seulement de la sphère rhythm and blues. En fait, on a l'impression que le label Rojac a fait interpréter un album du hit-parade chanté par une chanteuse connue : on trouve de tout ici : soul pop, music-hall, rock, country... Cela a le grand avantage de démontrer que Maybelle n'était pas seulement une gueularde de blues mais une chanteuse versatile capable de s'adapter à de nombreux styles.
Quand j'ai vu dans la liste des titres que la face B débutait par une version du I can't control myself, j'ai espéré que ce serait du niveau de 96 tears. Ce n'est pas tout à fait le cas, même si c'est excellent. En effet, Maybelle se contrôle un peu trop, justement, et ne se lâche pas un assez. J'ai eu un regain d'espoir après le break vers la fin, mais quarante secondes ce n'est pas assez pour qu'elle donne sa mesure.
D'une manière générale, les réussites sur ce disque sont les titres qui ont vraiment le son de Memphis. Outre ces deux-là, il y a surtout une version d'anthologie de Black is black de Los Bravos et une bonne interprétation du Coming on strong de Brenda Lee.
Pour le reste, on est plutôt dans la curiosité ou l'anecdotique. Big Maybelle qui chante Mellow yellow, on a du mal à y croire. Même s'il reste un peu de cordes, la version d'Eleanor Rigby est intéressante. Elle est plus rythmée et on s'apitoie moins sur le sort de l'Eleanor, mais je pense que le gars qui a rédigé les notes de pochette pousse assez loin le bouchon quand il fait une comparaison avec Mississipi John Hurt.
That's life, une chanson de Frank Sinatra présentée ici avec orgue et cuivres, passe pas mal, mais je n'aime pas les titres les plus mous et pop proposés ici : la chanson-titre de la comédie musicale Cabaret, le tube country Turn the world around the other way d'Eddy Arnold et Love is a hurtin' thing Lou Rawls. Je préfère de loin les pochades, comme There must be a word (en fait There's got to be a word de The Trade Winds), avec Big Maybelle qui réussit à prendre une voix de gamine, et The egg plant that ate Chicago, un titre de "jug abnd psychédélique" (!) écrit par Norman Greenbaum avant Spirit in the sky.

96 tears peut être téléchargé chez WFMU.

JOY DIVISION : Transmission

2012-01-07T19:24:00.001+01:00

Acquis à La Clé de Sol à Châlons-sur-Marne en 1981
Réf : 101 576 -- Edité par Factory en France en 1981
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Transmission -/- Novelty

Je recommande à tous ceux qui apprécient Blogonzeureux! le recueil Chroniques des temps perdus & bande-son pour orgasme de KMS (Kill Me Sarah). Evidemment, comme on a à peu près le même âge et pas mal de goûts en commun, cette lecture a ravivé pas mal de souvenirs musicaux, et l'une des dernières chroniques du livre, sur Joy Division, m'a donné envie d'aller rechercher l'un des disques du groupe dans mes étagères.
Mon choix s'est porté sur Transmission. Sorti pile entre les deux albums, ce titre, mieux que Love will tear us apart ou Atmosphere, pourrait très bien résumer à lui tout seul la courte histoire du groupe, une parfaite synthèse entre la fougue et la hargne des débuts punks et la production plus sophistiquée de Closer, avec un Ian Curtis impressionnant (et encore plus au moment où il se met à chanter "Well I could call out when the going gets tough").
Pour moi, Joy Division a toujours été de la new wave, mais en réécoutant le disque aujourd'hui, et aussi en les voyant interpréter Transmission en direct à la télé en septembre 1979 (voir ci-dessous), je me dis que tout bêtement c'est du rock and roll et que Transmission est au rock de 1979 ce que Satisfaction était au rock de 1965, le grand succès populaire en moins, malheureusement.
Presque aussi excellente, la face B, Novelty, semble être une réflexion sur la fugacité du succès et la fatuité des pros du showbiz, écrite à un moment où le groupe n'en avait encore pas eu du tout, de succès. Car ces deux titres étaient déjà "vieux" au moment de la sortie de ce single : le groupe les avait déjà enregistrés en mai 1978 pour l'album de Warsaw, alors resté inédit. On peut donc s'étonner qu'ils ne soient pas sur Unknown pleasures, où ils n'auraient pas déparé, au contraire. Pour Novelty, je ne sais pas quelle en est la raison, mais pour Transmission il semble bien que ce soit parce que le groupe et Factory voulaient en faire un grand succès. On apprend sur le site Shadowplay que, en plus de la Peel session de janvier 1979, le groupe s'y est repris à trois fois avant de mettre dans la boite en juillet-août cette version de Transmission (et entre-temps ils ont enregistré tout Unknown pleasures !). Et malgré sa qualité le 45 tours n'a pas été un grand tube...
Pour ma part, je n'ai vraiment commencé à écouter Joy Division qu'après la mort de Ian Curtis, mais alors je me suis mis à acheter tout ce que j'ai pu trouver et qui était dans mes moyens. D'où ma préférence pour les pressages français, quand ils existaient, et pour les 45 tours, quand ils avaient les mêmes titres que les maxis. Et pour Factory en 1980 on a eu de la chance car le label était représenté exclusivement chez nous par Virgin France SA, distribué par Arabella Eurodisc, ce qui nous a changé fortement des pressages français Virgin Records précédemment diffusés par Polydor, dont les pochettes étaient souvent caviardées, comme le Go 2 et le This is pop d'XTC. Avec Virgin/Arabella on aurait peut-être eu une vraie Metal box en France, avec Virgin/Polydor on a eu une pauvre Second edition.
Donc, pour Factory, Virgin France a respecté très fidèlement le graphisme des pochettes de Joy Division, au moins pour les disques que j'ai (Unknown pleasures, Atmosphere et celui-ci), jusqu'au choix du carton de la pochette, avec le même léger relief que le tirage anglais original du disque. Pour le Ceremony de New Order, Virgin France trichera un peu : ils glisseront le pressage français du disque dans des exemplaires de la pochette anglaise. On fait d'ailleurs toujours grand cas des pochettes de Peter Saville, elles ne sont pourtant pas toutes incontournables. Celle-ci notamment, en tout cas le recto, ne me botte pas trop. Je trouve que la photo du verso fonctionne beaucoup mieux : cette image d'une explosion stellaire (ou d'un orage) ressemble à un oeil explosé par trop de nuits blanches et d'excès. Alternativement, les éclairs pourraient symboliser la transmission, la communication.
La transmission dont il est question dans la chanson, c'est l'émission radiophonique. Et à cette époque, alors que je n'imaginais pas moi-même un jour faire de la radio, j'ai très largement obéi à l'exhortation de Ian Curtis à danser en écoutant la radio, mais je l'ai fait aussi et plus souvent encore en écoutant Joy Division, New Order, Magazine et tant d'autres, dans ma chambre de lycéen, ma chambre d'étudiant, et même au casque dans le train, dans le noir, entre Reims et Vitry-le-François.

la couverture de mon songbook (pirate) de Joy Division (56 p. en noir et blanc au format A5),acheté chez New Rose au début des années 1980.

Joy Division : Transmission en direct dans l'émission Something else de la BBC 2 en septembre 1979, soit à mi-chemin entre l'enregistrement du 45 tours et sa sortie.

TEENAGE FANCLUB AND JAD FAIR : Near to you

2012-01-02T17:08:00.003+01:00

Acquis par correspondance chez Amulet Records via Ebay en novembre 2011
Réf : GEOG 13 -- Edité par Geographic en Ecosse en 2002 -- Limited edition 0549 of 1000
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Near to you -/- Always in my heart

On va terminer avec ce disque notre passage en revue (partiel) des collaborations croisées entre Jad Fair, Daniel Johnston, les Pastels et Teenage Fan Club. Après l'album de Jad Fair et Daniel Johnston, les Pastels reprenant Johnston, une des collaborations entre Jad Fair et les Pastels, voici donc le single extrait de l'album Words of wisdom and hope, qui voit Teenage Fan Club enregistrer avec Jad Fair, avec la participation de Katrina Mitchell des Pastels et sur le label de ce dernier groupe. La pochette, dessinée par Jad Fair, est une réussite.
J'ai vu Herman Düne en concert pour la première fois au Centre Culturel de CROUS de Reims le 24 avril 2002. Il y avait trois groupes, et aussitôt après la fin de son concert, David-Ivar a posé un lecteur CD à haut-parleurs sur un frigo dans une salle attenante et s'est mis à passer de l'excellente musique et à danser. Je le regrette un peu, mais comme Il était tard, que j'avais de la route et que je bossais le lendemain, je ne suis pas resté très longtemps. Suffisamment cependant pour entendre un Jonathan Richman (si mes souvenirs sont bons) et découvrir un extrait de Words of wisdom and hope, soit Near to you, soit le premier titre de l'album, Behold the miracle.
Comme souvent lors de ces collaborations avec Jad Fair, on a l'impression que Teenage Fanclub a d'abord composé/enregistré les titres instrumentaux avant que Jad ne vienne poser ses paroles/sa voix dessus. En tout cas, la sauce prend parfaitement sur Near to you. L'instrumental de Teenage Fanclub est dynamique, avec un riff tout simple bien accrocheur, Jad Fair s'en sort bien et les choeurs de Katrina Mitchell sur le refrain viennent parfaire le tout.
En face B, Always in your heart, un titre qui ne figure pas sur l'album, est moins accrocheur mais est très bien aussi. Les paroles citent le gospel This train et mentionnent les Beatles. Aux Etats-Unis, Alternative Tentacles a mis Always in your heart en face A, avec en B un autre inédit, Let's celebrate, sorti en Angleterre uniquement sur la version CD du single. Apparemment, ces deux titres ont été ajoutés en bonus sur l'édition japonaise de l'album.
Voilà, il n'est pas impossible que cette série se poursuive. Il y a notamment eu en 2001 un autre album de Jad Fair et Daniel Johnston, The Lucky sperms : Somewhat humorous, et surtout, en 2006, sur le propre label des écossais, un 45 tours de reprises de Daniel Johnston par Teenage Fanclub et Jad Fair, Like a monkey in a zoo.

La pochette du 45 tours américain Always in my heart...

...et celle de l'album Words of wisdom and hope.

MES GRANDES TROUVAILLES DE CHINE 2011

2012-01-01T00:05:00.000+01:00

Je me souviens que l'an dernier, avant que la saison des vide-greniers ne redémarre, je me demandais si j'allais encore y trouver des disques intéressants. En effet, plus le temps passe, moins il y a de disques en vente (les CD ne supplantent toujours pas les vinyls, d'ailleurs) et la concurrence est rude (sans compter que je ne suis pas du genre à arpenter les allées dès 6h du matin avec une lampe de poche).
Au bout du compte, je n'ai pas fait moins de découvertes en 2011 que les années précédentes. A condition d'être curieux et de ne pas se limiter strictement au rock, on continue à trouver des disques bons et/ou étonnants dont on ne soupçonnait même pas l'existence.
Voici une sélection de ces trouvailles de 2011, 13 disques trouvés au hasard des vide-greniers qui on largement contribué à alimenter Blogonzeureux! puisqu'ils représentent plus de 10% des billets de l'année.
L'ordre proposé n'est pas un classement. Disons que c'est sûrement celui que j'aurais choisi si j'avais mis des extraits de ces disques sur une compilation maison.

Un clic sur le titre ou la pochette vous emmènera sur la chronique correspondante.

EMILE DECOTTY & LUC HARVET : Ça (Oh que ça me plait)

CLIFF NOBLES & CO : Horse fever

ALBERT KING : Cold feet

JACK HAMMER : Twistin' king

THE KINGSMEN / "JOCKO" HENDERSON : Idoles U.S.A.

THE STATUS QUO : Technicolor dreams

LIGHTNING HOPKINS : This is the blues Vol. 1

BIG BILL BROONZY : An evening with Big Bill Broonzy 2

LES MAXEL'S : Dansez Ou-Lé-Lé

RENE KOBENA : Moustique, il est là

ALOHA - HAWAIIAN FAVORITES

PIERRE DUDAN : Pénétrez-vous bien de ceci Madame...

BRAQUE : Youpi Yop

EDDIE CONSTANTINE : Et bailler, et dormir

2011-12-31T19:35:00.001+01:00

Acquis chez Parallèles / Gilda à Paris le 28 décembre 2011
Réf : MEP 14004 -- Edité par Mercury en France en 1954
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Et bailler, et dormir -- La fille des bois -/- Le soudard (Mon ami, mon ami) -- Le gaucho (Yopi-é)

Cela fait des mois que Philippe R. me conseille de m'intéresser de près à la chanson Et bailler, et dormir d'Eddie Constantine, une chanson à classer selon lui sans aucune hésitation au rayon hoptimisme lucide.
J'avais écouté la chanson en ligne et je guettais le disque sur les vide-greniers depuis cet été. J'ai fini par tomber chez Gilda sur un exemplaire qui a vu du pays puisqu'il porte le tampon d'un magasin d'Alger.
Comme souvent avec ces graphismes minimalistes en deux couleurs des années cinquante, la pochette est très réussie. Je n'y avais pas fait attention initialement, mais le fil du micro est relié à un bonhomme porteur d'une harpe qui semble transformer le son en disque. Ça doit être déjà la deuxième pochette. Sur la première, le nom d'Eddie Constantine était en plus petit. Il y a eu une première réédition en 1956 et au moins une autre, en deux titres, dans les années 1970.
Philippe avait raison : Et bailler, et dormir s'inscrit dans une longue lignée de chansons qui incitent à prendre la vie du bon côté. De tête, je peux citer Travailler c'est trop dur, Whatevershebringswesing de Kevin Ayers, Dans la vie faut pas s'en faire, Fier de ne rien faire, Aujourd'hui peut-être... ou Le travail c'est la santé.

La pochette du 33 tours 25 cm avec Et bailler et dormir.

Outre les paroles, la voix de basse d'Eddie et son accent, l'orchestration très sobre (piano, percussions discrètes, guitare solo parcimonieuse, choeurs) fait pour beaucoup dans la réussite de la chanson.
Et bailler, et dormir est signée Charles Aznavour pour les paroles et Jeff Davis pour la musique. Le pianiste Jeff Davis a notamment composé la musique de certains des films adaptés des romans de Peter Cheyney dans lesquels Eddie Constantine joue le rôle de Lemmy Caution. Même s'il est étonnant que ce ne soit mentionné ni sur le disque ni sur les partitions, Wikipedia indique qu'Eddie Constantine interprète Et bailler et dormir dans le film Les femmes s'en balancent.
Ce qui est sûr, c'est que cette chanson a été un grand succès et d'autres interprètes l'ont très vite enregistrée : Patrice et Mario, Jean-Louis Tristan, Annie Cordy, Jean Bretonnière. Charles Aznavour en a donné sa propre version, ainsi que plus tard François Deguelt et, beaucoup plus proche de nous le Jim Murple Memorial.

Le deuxième titre du disque est une adaptation en français de The girl in the wood, une chanson écrité par Terry Gilkyson pour Frankie Laine en 1951. C'est sûr qu'avec un pareil cri de banshee, un son proche de celui d'un theremin dans un film d'horreur, la voix de la Fille des bois doit vraiment être inoubliable !
Sur la face B, on trouve deux chansons signées Jean-Claude Darnal, Le gaucho et Le soudard, deux portraits plus classiques.

Il y a en ligne une vidéo d'Eddie Constantine interprétant Et bailler, et dormir en public, mais je n'ai pas pu la visionner sur mes ordinateurs.

BIG BLACK : He's a whore

2011-12-30T09:58:00.000+01:00

Offert par Fabienne M. à Mareuil sur Ay en décembre 2011
Réf : T&G#23 -- Edité par Touch and Go aux Etats-Unis en 1987
Support : 45 tours 17 cm
Titres : He's a whore -/- The model

A sa sortie, ce disque ne m'intéressait pas vraiment. On l'avait reçu à La Radio Primitive (et je crois même que quelqu'un en a mis en vente un exemplaire plus tard à La Petite Boutique Primitive) et j'avais bien sûr jeté une oreille sur la version de The model, mais c'est tout.
J'avais quand même déjà apprécié le travail fait sur les deux faces de la pochette, avec un clin d'oeil très appuyé aux pochettes originales des disques repris.
En groupe fermement indépendant, Big Black, qui a enregistré ces reprises pour son album Songs about fucking à un moment où la séparation du groupe était déjà décidée, ne disposait sûrement pas d'un budget énorme pour sa pochette, et pourtant ils ont bien fignolé le truc.
Par exemple, moi dont la connaissance et l'intérêt pour Cheap Trick commence et s'arrête avec I want you to want me, je n'ai eu aucun mal en voyant la photo de pochette du recto et le logo Big Black à identifier la référence à ce groupe américain, plus précisément à leur premier album de 1977, sur lequel on trouve He's a whore.
Dans mon esprit, Big Black était un groupe beaucoup plus hardcore que ce que j'entends ici. Je ne connais toujours pas la version originale, mais He's a whore repris par Big Black c'est un titre rock, carré, avec dans le chant un aspect parlé qui me rappelle assez les Pixies (produits en cette même année 1987 par Steve Albini, de Big Black).
Au verso de la pochette, je n'ai eu aucun mal à reconnaître la référence à l'album The man machine de Kraftwerk, un disque de référence pour moi depuis 1978. Les gars n'ont pas lésiné sur le rouge à lèvres !
Si on s'en tient au nombre de versions, The model est en train de devenir le classique des classiques de Blogonzeureux!. C'est en effet la quatrième qui apparait ici, après celle de Snakefinger, l'original de Kraftwerk et celle en concert récemment découverte de Fall of Saigon. Même Satisfaction est largement enfoncé !
Sans surprise, The model version Big Black est la version qui a les guitares les plus rock. Le fait que la chanson résiste à tous ces traitements différents confirme sa grande qualité. En fouinant, j'ai découvert un goût de Big Black pour la new wave que je ne soupçonnais pas, puisque, toujours en 1987, ils ont aussi repris le Heartbeat de Wire.
Voici donc un 45 tours exceptionnel. Pas seulement un disque de reprises, mais un hommage travaillé et plein d'humour aux groupes concernés.

Une autre version de The model par Big Black, en concert.

TELEVISION PERSONALITIES : You, me and Lou Reed E.P.

2011-12-26T16:14:00.000+01:00

Acquis chez Rough Trade à Paris en 1993
Réf : FP 003 -- Edité par Fantastic Plastic en Irlande en 1993
Support : 45 tours 30 cm
Titres : You, me and Lou Reed -- My imaginery friend -/- I remember Bridget Riley -- I wish you could love me for what I am

Dan Treacy est sorti récemment du coma dans lequel il était tombé cet automne pendant une opération du cerveau. Il a quitté le service de réanimation mais, si l'évolution est positive, la description que donne Magic de son état de santé est tout sauf réjouissante. C'est le moment ou jamais pour aller fouiller dans nos étagères au rayon TV Personalities et penser à Dan en espérant que son état continue de s'ameliorer et qu'il puisse se rétablir du mieux possible.
Et dans mes étagères, rayon vinyls grand format, j'ai choisi ce maxi sur lequel j'étais tombé par hasard chez Rough Trade un jour de voyage à Paris. Je l'avais pris sans hésiter, car je n'avais aucun des quatre titres et aussi parce que les disques des TVP's, quels qu'ils soient, 45 tours, albums, CD, tirages limités ou non, originaux et rééditions, il faut les saisir dès que possible car ils sont rarement distribués longtemps et toujours très recherchés ensuite.
Celui-ci est sorti en 1993, en édition limitée à 1000 exemplaires apparemment, mais l'enregistrement date d'une nuit d'hiver de 1987, à une période où le groupe est resté muet discographiquement pendant plus de deux ans, entre The prettiest girl in the world et Salvador dali's garden party. Seuls Dan et Jowe Head sont crédités pour ce disque. Pas de Jeffrey Bloom, donc, le batteur attitré du groupe à l'époque, mais il y a de la batterie quand même sur certains titres...
Sans que je trouve ce disque particulièrement mauvais, il est même plutôt d'un excellent niveau, il fait partie de ces disques des TVP's du début des années 1990 que j'ai finalement peu écoutés au fil des années.
Son principal intérêt pour moi au moment de l'achat, c'était de proposer enfin une version studio officielle d'I remember Bridget Riley, un vieux titre du groupe qui date peut-être bien des sessions du premier album And don't the kids just love it. En tout cas, les Television Personalities l'ont joué lors de leur tout premier concert à l'Hammersmith Clarendon le 22 mai 1980 (voir l'album Paisley shirts and mini skirts). Pour ma part, j'ai découvert ce titre, tout à fait dans la lignée des Jackanory stories et autre Geogffrey Ingram, dans une version live également, sur une des cassettes éditées par Direct Tapes, et Colin Swan l'avait reprise sur The special magic of Dan Treacy.
Mon autre morceau préféré du disque est You, me and Lou Reed, un titre rock qui aurait mérité de figurer sur Privilege. On sent le vécu dans ce portrait, j'imagine, d'un fan branché avide d'un chanteur culte ("I dig your scene baby, you know what I mean, you, me and Lou Reed"), espèce à laquelle Dan a souvent dû être confronté, après avoir lui-même entretenu le culte de nombreuses autres vedettes. Son humour mordant est bien présent, notamment dans la répartie cinglante après un vers que ne saisis pas complètement à propos de "Your mother gave birth" et "Jimi Hendrix live on stage" : "Yeah, and my dad's named Marvin Gaye".
Les deux autres titres sont plus dans la veine plus noire de Dan Treacy. My imaginery friend (faute d'orthographe volontaire, reprise dans les crédits), avec guitare et basse et deuxième voix, est une grande réussite. I wish you could love me for what I am, sans être ratée, est à classer dans la moyenne de l'assez longue liste des chansons d'amour plus ou moins dépressionnaires des TVP's.

Ce maxi a été réédité en petit 45 tours 4 titres en 1997 par le label allemand Little Teddy. Du coup, il a été inclus intégralement sur l'album Fashion conscious, qui compile les publications des TVP's chez Little Teddy. et qui est toujours disponible.

LES TOMBEES DE LA NUIT

2011-12-24T12:20:00.001+01:00

Acquis chez Parallèles / Gilda à Paris le 17 août 2011
Réf : TDN2008/1 -- Edité par Les Tombées de la Nuit en France en 2010 -- Cette compilation musicale vous est offerte par les 800 commerçants adhérents du Carré Rennais
Support : CD 12 cm
14 titres

Lewis Furey donnera son récital de Selected songs au Théâtre du Rond-Point à Paris du 28 au 31 décembre 2011 et du 4 au 7 janvier 2012. Ce sera une occasion qui reste rare de l'écouter chanter les chansons qu'il a composées pour ses propres albums, pour des films ou spectacles et pour Carole Laure. Ce sera la troisième fois que Lewis donnera ce récital en France après le Théâtre de l'Européen à Paris en février 2010 et le Festival des Tombées de la Nuit à Rennes le 9 jullet 2010.

Cela nous donne l'occasion de revenir sur le passage de Lewis Furey à Rennes.
Le temps était plutôt beau, sec en tout cas, et le programme d'animations était tellement chargé qu'il était impossible par exemple de voir Lewis Furey et Général Alcazar, programmés tous les deux dans le cadre des Tombées de la Nuit mais à la même heure et dans deux endroits différents.
Sur la place de la Mairie, face à l'Opéra, où le concert de Lewis avait lieu, il y avait aussi un Deiz-Noz, compromis entre fest-deiz et fest-noz. C'était assez impressionnant de voir tous ces gens profiter du parquet installé pour l'occasion pour se mettre à danser le fisel (je crois) dès le début de la prestation de Brewen et ses copains, un groupe qui donne pourtant, avec ses percussions, une version très originale et très contemporaine de la musique bretonne.

Les danseurs à Rennes le 9 juillet 2010 avec au fond la scène de Brewen et ses copains. Photo : Pol Dodu.

Avec toutes ces animations, dont beaucoup gratuites et en plein air, il n'est pas vraiment étonnant que, comme le souligne Ouest France, Lewis Furey n'ait pas rempli à ras bord l'Opéra pour son récital. Mais la salle était bien pleine quand même et, moi qui fréquente rarement les théâtres, j'ai apprécié d'écouter à nouveau cet excellent récital dans des conditions parfaites.

Lewis Furey à l'Opéra de Rennes le 9 juillet 2010. Photo : Ingrid Chedmail.

Ce n'est que cet été que je suis tombé chez Gilda sur ce CD promo des Tombées de la Nuit 2010 soldé à 80 centimes. Je l'ai pris principalement pour le titre de Lewis Furey, d'autant qu'il est mentionné qu'il est enregistré en concert au Montréal International Jazz Festival (en 2008, la première fois que fut donné le Selected Songs Recital). En fait, je pensais déjà connaître cette version de Casting for love, car il y a quelques extraits de ce concert sur la compilation Selected songs et des captations vidéo sur YouTube, mais non, le grand intérêt de ce CD, qui a largement été distribué dans les commerces rennais avant le festival, c'est que ce titre de Lewis Furey est complètement inédit !!
C'est aussi un témoignage éblouissant du travail d'arrangement et d'interprétation réalisé tout au long du récital : avec deux pianos et troix voix, Lewis Furey et ses accompagnateurs réussissent à restituer toute la magie de cette chanson, qui se trouve pourtant ici dépouillée de la production sophistiquée de Roy Thomas Baker pour l'album The humours of. Et encore mieux : on découvre ici pour la première fois sur disque le monologue que Lewis Furey a écrit en introduction de Casting for love pour le récital, qui nous éclaire sur le contexte de cette chanson, probablement écrite pour le film The rubber gun : ça se passe à l'été 1974, place Jacques Cartier à Montréal et il y est probablement question d'un groupe qui passe en revue et commente les allées et venues. Il y est question de draguer, bien sûr, et de chercher, ou d'acheter, l'amour.
Le reste du CD reflète l'affiche du festival 2010. A l'écoute des titres de Gretchen Parlato, The Miserable Rich, Mekanik Kantatik et Olli/Contreo, on comprend la démarche qui a conduit à programmer Lewis Furey. Le titre de Général Alcazar, Le premier contact, extrait de Les loges de la lenteur, est un bon cru. J'ai aussi beaucoup apprécié la Boomfanfare, le chant polyphonique de Lo Còr de la Plana, Mazalda et le Fafa de Vieux Farka Touré.

JAD FAIR AND THE PASTELS : No. 2

2011-12-22T18:23:00.000+01:00

Acquis par correspondance chez Cdiscount en France au début des années 2000
Réf : paper 018 CD -- Edité par Paperhouse en Angleterre en 1992
Support : CD 12 cm
Titres : He chose his colours well -- Hold on to your dreams -- Dark side of your world -- Red dress

En 1992-1993, Jad Fair et le label Paperhouse ont beaucoup collaboré. Avant la réédition de la collaboration avec Daniel Johnston en 1993, Paperhouse a édité en Angleterre en 1992 l'album de Jad Fair I like it when you smile et aussi deux maxis de collaboration avec les Pastels, enregistrés dans le studio de Teenage Fan Club, avec également la participation de leur guitariste Norman Blake.
Le premier de ceux deux disques,This could be the night, aurait parfaitement collé à mon propos, puisqu'on y trouve une reprise d'un titre de Daniel Johnston, Lonely song, au moins la deuxième reprise de Johnston publiée par les Pastels puisqu'il y avait eu Speeding motorcycle quelques temps plus tôt. Mais je n'ai jamais acheté ce disque, et même je ne l'ai jamais écouté, on va donc se pencher sur le numéro 2 de la série, un disque que j'ai eu pour quasiment rien puisque Cdiscount, qui avait dû récupérer un stock de disques distribué à l'origine en France par New Rose, l'avait soldé à 1 centime d'euro ! (Je ne sais plus s'il y avait du port à payer, mais de toute façon ce n'était pas grand chose et j'avais dû commander plusieurs articles).
Les deux premiers titres sont écrits par Jad Fair en collaboration avec un membre des Pastels (Stephen puis Katrina). Il y a ensuite un titre de Stephen et un de Jad. Rien de génial dans tout ça, chacun des deux a fait mieux de son côté, mais le tout est au minimum agréable. Si ce n'est pas improvisé, ça a dû quand même être pris sur le vif, sans trop de répétitions ni de tâtonnements. C'est sûrement pour ça que trois des titres sont très longs (plus de six minutes), ce qui n'est quand même pas dans les habitudes de ces gens-là : les musiciens partent sur une base qu'ils font tourner, dans un style de rock tranquille qu'on peut faire remonter au troisième Velvet Underground, et le chanteur y va de son couplet par-dessus. C'est comme ça à la fois quand Jad chante (He chose his colours well) et quand c'est Stephen (Dark side of your world). A la fin de Red dress, qui n'est pas un titre composé sur le pouce puisqu'il figurait déjà sur Charmed life de Half Japanese en 1988, Jad prévient les autres : "On va arrêter là et je vais finir en sifflant" !
J'avais tendance à trouver ce disque assez quelconque, peut-être à cause de son faux rythme, mais plus je l'écoute, plus il me rentre dans la tête. Ceux qui l'ont enregistré doivent l'apprécier aussi puisque les Pastels ont inclus Dark side of your world sur leur compilation Truckload of trouble et quant à Jad Fair, il joue toujours Red dress sur scène et on en trouve une version, plus courte, sur la compilation triple CD Beautiful songs sortie par Fire en 2011.

ROBIN LEDUC : Robin Leduc

2011-12-20T12:28:00.000+01:00

Acquis sur la braderie/brocante d'automne d'Ay le 30 octobre 2011
Réf : PROM2313 -- Edité par Tôt Ou tard en France en 2010 -- Promo only / Not for sale
Support : CD 12 cm + DVD 12 cm
5 + 1 titres

Je n'ai quasiment rien vu d'intéressant sur cette braderie-brocante qui accueillait comme à l'habitude majoritairement des vendeurs professionnels, sauf sur un stand de la place de la Mairie où le vendeur avait un carton plein de CD promos à 50 centimes, principalement des CD-R sous enveloppe plastique avec des pochettes bricolées, mais pas seulement. Quand il m'a vu intéressé, le gars est allé chercher deux autres cartons du même tonneau dans son camion, et au bout du compte j'en suis reparti avec un bon petit paquet de disques, dont des promos d'Idir, MGMT et Laura Marling, et aussi le troisième album de Ben Kweller.
J'y ai aussi trouvé bien sûr ce superbe objet promo pour Robin Leduc, dont je n'avais absolument jamais entendu parler, diffusé quelques semaines avant la sortie de son deuxième album Hors-pistes, le premier, crédité à Robin Leduc & the Pacemakers, datant de 2007. Comme il était aussi présent dans les cartons, et pour éviter d'avoir des regrets, j'ai aussi acheté l'album commercialisé Hors-pistes.
Alors que la crise du disque continue de battre son plein, que les labels sont plus ou moins en déconfiture, que les budgets de développement d'artistes plongent, il est assez fascinant de constater que certains sont encore prêts à investir autant dans un outil de promotion destiné à un public très limité de journalistes et de professionnels du spectacle.
Voyons voir ce qu'on a ici : une pochette ouvrante cartonnée au format un peu plus grand que la moyenne, des visuels couleurs pour la pochette différents de ceux de Hors-pistes, une sur-pochette en papier calque dessinée en noir, des sous-pochette cartonnées rouge pour le CD, avec cinq extraits du futur album, et le DVD qui propose un court documentaire sur l'enregistrement du disque avec un sixième titre en bande sonore.
Au moins, la musique mise en avant ici vaut le coup. Robin Leduc nous propose une pop-rock à la française et en français avec des chansons qui passent la rampe, dans un registre pas si éloigné ce celui d'Arnaud Fleurent-Didier.
Sur les titres rapides, le chant peut faire penser à M. Pour ma part, j'aurais mis en avant le 3e titre de ce CD, Ma dose de moral, plus que le tout premier Laissez-moi passer, avec sa touche jazzy. Mes idéaux et Offense me rappellent un peu les amis de Rémy Chante et du Bingo Bill Orchestra. Les deux autres titres, Mais qu'est-ce que ça peut faire, ambiance caribéenne incluse, et Je casse tout (sur le DVD) sont également très bien.
La meilleure preuve de la qualité globale de l'album Hors-pistes lui-même, c'est que deux de mes chansons préférées du disque, Pas d'inquiétude et Zuydcoote song (écrite par Red), ne font pas partie des six retenues pour ce disque promo.
Et comme je n'avais pas encore assez bien écouté ce disque, j'ai réussi à rater le concert de Robin Leduc à La Cartonnerie en novembre dernier...

GERARD MANSET : Gérard Manset 1968

2011-12-17T11:10:00.001+01:00

Acquis auprès de Raymond G. à Reims à la fin des années 1980
Réf : 2C 066 - 11.788 -- Edité par Pathé Marconi / EMI en France en 1971
Support : 33 tours 30 cm
12 titres

Je ne sais plus pour quelle (mauvaise, bien sûr) raison Raymond avait décidé de revendre certains de ses disques, notamment les albums de Manset. Toujours est-il que, ayant déjà et aimant beaucoup Lumières et Royaume de Siam
et sachant que Manset avait décidé de ne pas rééditer une partie de sa discographie, j'ai acheté à Raymond son exemplaire du premier album de Manset, qui avait déjà bien vécu, certes, mais à un prix d'ami car j'ai en souvenir une somme de trente de francs, avec peut-être bien dans le lot un deuxième disque, le beaucoup moins rare Y'a une route.
Ceci n'est pas exactement le premier album de Gérard Manset. L'album original dix titres a dû passer à peu près inaperçu au cours de l'année mouvementée 1968. Je crois ne l'avoir jamais vu, ou alors accroché avec un prix énorme dans une pochette plastique dans le dos d'un vendeur professionnel sur une bourse aux disques. Non, cet album est une réédition de 1971 suscitée par le succès rencontré par le deuxième album, La mort d'Orion. Au verso, de dithyrambiques extraits de presse sont repris, tous à propos de La mort d'Orion. Les fans de cet amphigouri musical qu'est la première face de La mort d'Orion ont sûrement été déçus à l'écoute de Gérard Manset 1968. On est loin de l'oratorio progressivo-classique consacré par la critique. Ici, c'est de la chanson française pop psychédélique, c'est à dire qu'on est plus proche de la face B de ce deuxième album, notamment de l'excellent Le paradis terrestre, qui remixe/échantillonne/cite Animal on est mal, le titre phare du Manset de 1968.
C'est l'écoute dans l'émission de Philippe Meyer d'une version de On ne tue pas son prochain ("Ça ne se fait pas, ça n'est pas bien") qui m'a donné l'idée de ressortir cet album. Jusque là, je ne comptais que deux titres essentiels dans ce disque, Animal on est mal et Golgotha, et voilà subitement que je suis passé à trois, voire beaucoup plus.
Cet album ne reprend pas l'intégrale des titres publiés par Manset en 1968, ce serait trop simple, mais on y est presque : L'arc-en-ciel et l'excellent La dernière symphonie, les deux faces B d'Animal, ont été ajoutés, ainsi qu'un inédit, Golgotha, mais un titre de l'album original, Pas de pain, a été retranché.
Manset a sorti ce disque à 23 ans. Il n'avait pas encore son propre studio, mais il a quand même obtenu un grand contrôle sur ce premier album puisque, outre les paroles et les musiques, il signe toutes les orchestrations.
Animal on est mal donne bien le ton du disque. Dieu est présent, comme la religion et les évangiles sur une bonne partie de l'ensemble. La chanson est excellente, avec une touche psychédélique amenée principalement par la basse, des cordes et même des cris d'animaux. L'autre sommet du disque et l'autre ouverture de face, c'est Golgotha ("Où allez vous donc ? Vous tomberez de haut quand vous saurez ce qu'il vous faut pleurer"). D'après ce que j'ai compris, ce titre a bien été enregistré au cours de cette année 1968. ~~Dieu~~ Manset seul sait pourquoi il est resté inédit alors (et depuis, aussi). Là encore, violons et basse s'associent parfaitement, avec de l'orgue en plus.
A mon sens, tout ne fonctionne pas parfaitement ici. J'ai du mal notamment avec Mon amour et La toile du maître. Mais outre ceux déjà cités, les excellents titres s'enchaînent, comme Je suis Dieu, Il rentre à 8 heures du soir, Tu t'en vas et L'une et l'autre. La thématique de l'également très réussie La femme fusée m'a fait penser à Edith Nylon. Fort logique : j'avais oublié que le groupe new wave avait composé sa propre Femme fusée sur l'album Johnny Johnny en 1980.
Parmi les contemporains français de Manset, on peut penser à Michel Polnareff, et ce n'est sûrement pas un hasard si les deux seuls à s'être attaqués à des titres de 1968 sur l'album-hommage Route Manset sont Bashung avec Animal on est mal et Brigitte Fontaine avec On ne tue pas son prochain.
Ce disque composite n'a pas la même unité et n'a pas eu le même impact que les deux monuments que sont Comme à la radio et L'histoire de Melody Nelson, mais après tout son enregistrement les pré-date et il les vaut presque.
Et maintenant, puisque j'ai récupéré cet autre disque enterré par une autre source (ma petite soeur), il va peut-être falloir que je me plonge dans l'écoute de l'album de Manset de 1972, celui qui a tant marqué François Gorin.

L'album original de 1968.

THE PASTELS : Speeding motorcycle

2011-12-11T18:51:00.001+01:00

Acquis probablement dans un dépôt-vente au début des années 2000
Réf : paper 008 CD -- Edité par Paperhouse en Angleterre en 1991
Support : CD 12 cm
Titres : Speeding motorcycle -- (Sans titre) -- Speedway star -- Speeding motorcycle 2 -- 4th bend

Sur le même label que la réédition de la collaboration entre Jad Fair et Daniel Johnston, voici une reprise de Daniel Johnston par les Pastels qui, sur ce disque, comptent dans leurs rangs deux membres de Teenage Fan Club, Francis Macdonald et Norman Blake.
Au moment où ce disque est sorti, je n'achetais plus systématiquement toute les productions des Pastels et je n'ai même pas eu l'occasion de l'écouter avant de le trouver je ne sais plus trop où pour 2 €, une dizaine plus tard. Dans l'intervalle, j'avais eu l'occasion de découvrir cette chanson, devenue l'un des classiques de Daniel Johnston.
Les Pastels et Yo La Tengo sont des gens assez pointus pour avoir eu l'occasion de connaître la version originale de Speeding motorcycle dès le milieu des années 1980, après sa parution sur la cassette Yip / jump music en 1983. La majorité a dû découvrir ce titre après la réédition de l'album en 33 tours et CD chez Homestead en 1989. C'est à l'écoute de cette version originale, avec Daniel Johnston à l'orgue, en faisant attention aux paroles ("We don't have to break our necks to get our kicks") que l'on saisit le mieux le cousinage de cette chanson avec un autre hymne à la route et à ses véhicules, le Roadrunner du jeune Jonathan Richman.
Yo La Tengo a été le premier groupe à reprendre Speeding motorcycle avec une version très calme dominée par la guitare acoustique sur l'album Fakebook en 1990. Une très bonne version mais elle est surpassée par celle enregistrée en direct à la radio par Daniel Johnston (au chant, au téléphone) et Yo La Tengo (en studio) pour l'émission Music Faucet de WFMU le 4 février 1990 (toute l'histoire est racontée sur le blog de WFMU).
C'est l'année suivante que les Pastels ont enregistré leur version de Speeding motorcycle. Ce qui est très paradoxal, c'est que les Pastels des années 1980 avaient des points communs évidents avec Daniel Johnston, principalement du côté du son bricolé et du chant souvent approximatif. Et pourtant, cette reprise est justement ce qu'ils avaient fait de plus "produit" jusqu'alors (leur son a beaucoup évolué ensuite dans les années 1990 pour les albums Mobile safari et Illumination). Si le chant de Stephen Pastel est égal à lui-même, et s'il faut faire un effort pour ignorer la principale erreur de l'enregistrement, son rythme légèrement baggy, la version instrumentale permet bien de se rendre compte de la qualité et de la variété de l'instrumentation : cordes, cuivres, flutiaux qui donnent un côté folk,...
Sur les deux autres titres, Speedway star et 4th bend, on retrouve les Pastels des années lo-fi et noisy pop. Deux chansons sympathiques, surtout Speedway star, mais pas exceptionnelles.

Speeding motorcycle figure sur la compilation des Pastels Truckload of trouble.
On peut télécharger Speeding motorcycle chez WFMU.

BONNIE "PRINCE" BILLY & THE PHANTOM FAMILY HALO : The mindeater

2011-12-10T18:13:00.001+01:00

Acquis par correspondance via Dodax/Amazon aux Etats-Unis en novembre 2011
Réf : KFR1116CD -- Edité par Knitting Factory aux Etats-Unis en 2011
Support : CD 12 cm
Titres : The mindeater -- Roki for now -- I wonder if I care as much -- Suddenly the darkness

J'ai un peu de retard pour le tout récent Wolfroy goes to town, mais je continue à acheter ou au moins à écouter les albums de Bonnie "Prince" Billy. Simplement, depuis quelques temps (depuis The letting go en 2006 précisément), ces albums ont tendance à me laisser assez indifférent. J'y trouve toujours au moins une ou deux choses que j'aime beaucoup, mais globalement le son est trop éthéré pour moi, les rythmes trop mous et le chant est trop lisse, trop propre. Et il semble bien que sa récente tournée française a été sur le même moule, comme le montre d'ailleurs la session pour Télérama.
Heureusement, Will Oldham reste quelqu'un de très prolifique et éclectique. Il multiplie les collaborations et ne rechigne pas à l'occasion à participer à une grosse blague comme pour la vidéo du Can't tell me nothing de Kanye West en 2007. Rien qu'en 2011, outre l'album, il a notamment sorti deux disques au profit d'associations caritatives (Island brothers et There is no God), une nouvelle collaboration avec Matt Sweeney (Must be blind), plus un 45 tours chez Spiritual Pajamas (Haggard Harper Bonnie) et ce disque avec The Phantom Family Halo.
Cet EP est d'abord sorti au printemps chez Sophomore Lounge, en vinyl et à 1000 exemplaires, aussitôt épuisés bien sûr. Knitting Factory l'a réédité en septembre, en CD et en téléchargement, et après avoir écouté l'excellent morceau-titre, j'ai décidé d'investir.
C'est Kenny Bloggins de The Decibel Tolls qui raconte le mieux la genèse de ce disque. D'abord, il y a eu un concert en juin 2010 au Headliners de Louisville organisé par Todd Brashear, ex-Slint, pour fêter les 13 ans de son magasin de vidéos. La tête d'affiche était Roky Ericson, mais à un moment Todd Brashear et Will Oldham ont rejoint The Phantom Family Halo sur scène pour une version de I wonder if I care as much des Everly Brothers.
Quelques temps plus tard, tout ce beau monde s'est retrouvé chez Dominic Cipolla, à l'étage d'un salon de pompes funèbres, pour y enregistrer ces quatre titres en direct, dont une nouvelle version de I wonder if I care as much, le seul titre où l'on retrouve Todd Brashear et l'ensemble de The Phantom Family Halo. Pour certains (The Decibel Tolls encore, Sensation Rock), c'est le meilleur moment du disque, pour moi c'est le seul faux pas. Ça dure huit minutes, c'est assez électrique, ce qui n'est pas pour me faire peur, mais si dans la première partie, chantée, ça va encore, après on part dans des solos de guitare très années 70 et presque progressifs et là je ne peux pas suivre.
Heureusement, les trois autres titres, tous écrits par Dominic Cipolla et chantés avec Will Oldham, sont très bien. The mindeater est marqué par une guitare slide et son refrain chanté à deux voix. Suddenly the darkness ("is coming for you"), avec juste une guitare acoustique et un tambourin pour marquer le rythme, est une chanson à chanter entre copains autour d'un feu de camp. On est très proche de l'esprit de Little Wings. J'aime aussi beaucoup Roki for now avec son motif de guitare folk qui tourne et son chant à deux voix. Cette chanson semble bien faire référence à Roky Ericson.
Je ne suis pas sûr d'acheter un jour un autre disque de The Phantom Family Halon, mais avec sa pochette très réussie et trois-quarts de titres excellents, ce disque est tout à fait le genre de projet qu'il faut pour m'inciter à continuer à suivre de près les multiples activités de Will Oldham.

The Mindeater par Bonnie "Prince Billy" and The Phantom Family Halo

JACK HAMMER : Twistin' king

2011-12-03T14:37:00.003+01:00

Acquis sur le vide-grenier du Jard à Epernay le 20 novembre 2011
Réf : ABA 3383 -- Edité par ABA en France vers 1977
Support : 33 tours 30 cm
12 titres

Une brocante de fin de saison, avec surtout des vendeurs professionnels, mais un temps correct et un coup de chance : dans un bac miteux de disques à 1 € j'ai trouvé ce disque, miteux en apparence mais dont j'ai tout de suite deviné qu'il valait bien mieux que ça.
Miteux car ce disque a tout l'air d'un de ces trucs édité pour être vendu pas cher principalement sur les marchés, un peu comme le Hit Parade chanté des Pop Hits chers à Mario Cavallero Jr. Il suffit d'un coup d'oeil à une partie du catalogue ABA listée chez Discogs (Spécial Orgue Hammond, Chansons culottées, Du Tyrol au Ch'timi!) pour en avoir la confirmation. Sauf que, contrairement à A tribute to Elvis par Colin Crosby, il ne s'agit pas là de reprises de titres connus "à la manière de", ni même de nouveaux enregistrements années 70 de vieux titres des années 60, comme je l'ai craint avant écoute, mais tout simplement de la réédition d'un excellent album de twist de Jack Hammer sorti à l'origine en 1962.
Et Jack Hammer n'est pas le nom bidon avec un jeu de mots facile sur marteau-piqueur d'un groupe de studio anonyme, non, c'est un pseudonyme, effectivement, mais celui d'un grand nom méconnu du rhythm and blues, qui a d'ailleurs eu les honneurs de Blogonzeureux! à ses tous débuts avec le superbe EP Electricity.
Avec le recul, j'en sais un peu plus sur sa biographie. Earl Burroughs est né à La Nouvelle Orléans le 18 septembre 1940. Il a été un temps membre des Platters mais il a surtout brillé comme auteur-compositeur. A 14 ans, il écrit Fujiyama Mama, crédité à Earl Burrows. Le titre est enregistré par Annisteen Allen fin 1954 mais sera surtout un succès pour Wanda Jackson en 1957 (et pour moi il sera éternellement associé aux Frank Chickens, qui l'ont repris dans les années 1980). Il est égakement l'auteur de Plain gold ring, interprété notamment par Nina Simone et Nick Cave, Peek-a-boo, repris par les Rubinoos, Down in the subway, repris par Soft Cell en 1984 (ce qui fait que, sans le savoir, j'avais plusieurs titres de lui à la maison depuis bien longtemps...).
Pas mal, non ? C'est ce que je me disais aussi, mais il y a mieux. J'ai failli tomber de ma chaise quand j'ai appris que Jack Hammer, alias Earl Burroughs, est le co-auteur avec Otis Blackwell de rien moins que Great balls of fire !! (si je comprends bien le détail de l'histoire, il aurait surtout trouvé le titre et la chanson elle-même aurait été ensuite écrite par Otis Blackwell, sans que les deux se rencontrent).
Une chose est à peu près certaine : Jack a dû céder ses droits d'auteur pour cette chanson pour une somme fixe et ne jamais toucher un centime sur les ventes de disques et les passages radio de sa chanson, interprétée par Jerry Lee Lewis, Little Richard et des dizaines d'autres. Sinon, il n'aurait sûrement pas eu besoin de s'installer en Belgique au début des années 1960 , où il a beaucoup travaillé avec Albert van Hoogten (qui co-signe tous les titres de cet album en tant que A. Vano). Fils du propriétaire du tout premier disquaire de Belgique, Albert a ouvert son propre magasin, Ronny's, puis lancé son label Ronnex. Dans les années 1950, il a même envoyé son frère René créé une filiale aux Etats-Unis, Moonglow, surtout réputée aujourd'hui pour avoir signé les Righteous brothers avant qu'ils ne rencontrent le succès avec Phil Spector.
Même s'il aura plus marqué les esprits comme auteur, Jack Hammer a une discographie non négligeable en tant qu'interprète. Il a sorti plein de titres chez Ronnex au tout début des années 1960, à la grande époque du twist, dont certains, comme Kissin' twist, ont du succès en Europe (Il en a même enregistré une version en allemand, tout comme pour Crazy twist). Ce sont douze de ces titres qui ont été réunis sur un album, qui s'est appelé Twistin' king dans certains pays, mais aussi Le twist est roi en France ou Hammer + Beat = Twist en Angleterre.
Certes, Twistin' king est présenté comme un album de twist, mais c'est avant tout un excellent disque de rhythm and blues : contrebasse, guitare électrique, choeurs, saxophone, orgue, tous les excellents ingrédients sont là.
La face A, avec Kissin' twist, Boogie woogie twist, Twistin' blues, Spelling twist et Crazy twist est carrément un sans faute, d'autant qu'on y trouve aussi mon titre préféré de l'album, Twist talk. Sur cette chanson, Jack est accompagné par le Johnny van Horn Orchestra, mais c'est surtout un duo hilarant avec une chanteuse qui a un sacré abattage. Selon Nothing To Do With Arbroath, cette chanteuse est Jo Leemans, réputée pour être la Doris Day flamande. C'est elle aussi qui fournit les puissants cris qu'on entend sur Crazy twist.
La face B est un peu moins forte, avec des décalques (pas des reprises) comme Twist and shout et Come twist around the clock, mais le morceau Twistin' king est excellent et le disque se conclut non pas avec un twist mais avec une autre danse, lancée par Hammer lui-même, une version sauvage de The wiggle, (prétendument ?) en concert, différente de celle du 45 tours Electricity.
Jack Hammer vit désormais à Hollywood. Pris en photo récemment avec sa fille (mai 2011), on constate qu'il se porte comme un charmeur. Il aime visiblement la compagnie des jolies jeunes femmes. Il les peint également mais, sans être spécialiste, je pense pouvoir avancer qu'il est meilleur chansonnier que peintre...

Twist talk est en écoute chez Popcorn oldies et chez Nothing To Do With Arbroath.
Une compilation MP3 de 30 titres, Twistin' king - The best of, est actuellement en vente.

L'édition originale française de l'album chez Vogue,

l'édition anglaise chez Oriole...

...et un recueil de partitions anglais d'époque pour les douze titres de l'album !

JAD FAIR AND DANIEL JOHNSTON : It's spooky

2011-11-27T15:32:00.000+01:00

Probablement offert par Philippe D. au début des années 2000
Réf : PAPCD19 -- Edité par Paperhouse / Fire en Angleterre en 1993
Support : CD 12 cm
31 titres

Ceci est le premier billet d'une série informelle dédiée à un carré d'artistes, Jad Fair, Daniel Johnston, The Pastels et Teenage Fanclub et à une partie de leurs collaborations croisées. C'est aussi en quelque sorte un hommage à un certain David E. Barker, un anglais visiblement très fidèle dans ses goûts et ses amitiés musicales puisque, au fil des années et sur les différents labels dont il a eu la charge (Glass, Paperhouse Seminal Twang, August, God Bless), il a eu l'occasion de publier en Angleterre des disques de tous ces gens, ensemble ou séparément. Il a ainsi signé les Pastels après leur départ de Creation, lancé Teenage Fanclub chez Paperhouse avant qu'ils ne rejoignent eux Creation. Lui-même y a travaillé de 1992 à 1994, où il a eu droit à son propre sous-label, August.
Là, il s'agit de deux artistes américains, mais Barker suivait le travail de Jad Fair depuis bien longtemps quand il a sorti ce disque puisque l'un des seuls titres des très prolifiques Half Japanese (Jad et David Fair) que je possède se trouve sur Shadow and substance, une compilation de son label Glass de 1984 ! Avant ça, j'avais été très impressionné par Half Japanese quand j'avais découvert chez un disquaire que ce groupe underground avait carrément sorti un coffret de trois albums, 1/2 gentlement not beasts (mais je ne l'avais pasq acheté).
Ce CD It's spooky est une première réédition de l'album sorti sous le titre Jad Fair & Daniel Johnston en 1989 sur le propre label de Jad, 50 Skidillion Watts (avec 20 titres sur le 33 tours et 25 sur la cassette et le CD).Je ne sais pas comment s'est faite la rencontre entre Daniel Johnston et Jad Fair, mais après coup elle apparait presque inévitable tellement ils ont de points communs : production minimaliste, chant approximatif, excellentes chansons, forte productivité, éditions indépendantes, travail graphique en parallèle à la musique... A la limite, le seul risque de cette collaboration était que leurs talents ne s'additionnent pas tellement ils sont proches l'un de l'autre. Mais non, ça fonctionne.
L'album a été enregistré en août 1988. Il y a six reprises et pour le reste, Daniel Johnston en signe la moitié seul et l'autre avec Jad Fair, qui ne place ici qu'un seul titre de lui seul.
Batterie, piano, guitares, quelques bidouillages (pas le plus intéressant de l'album), on n'est pas surpris d'avoir ici une production bricolée. Sur les 31 titres, tous ne me plaisent pas, bien sûr, mais il y a de grandes réussites et mes deux chansons préférées sont sûrement First day at work et son piano façon Méthode Rose ("It's your first day at work and you feel so nervous, you feel just like a jerk, and your boss is being nice to you but that's just for today, tomorrow he'll be mean to you so you'd better listen up and do what you're supposed to do") et I did acid with Caroline (une chanson à la Jeffrey Lewis avant l'heure).
J'aime aussi beaucoup l'assez rock Oh honey, If I'd only known,Tongues wag in this town et sa mélodie pop, I met Roky Erickson, le chien chanteur de Kicking the dog et Hands of love, chanté en choeur.
Côté reprises, Johnston a beau être grand fan des Beatles, je n'accroche pas trop à celle de Tomorrow never knows mais j'aime beaucoup celle du Chords of fame de Phil Ochs, qui se termine d'ailleurs par un bout du Act naturally de Buck Owens, et le chant de Happy talk n'est presque pas pire que celui de Captain Sensible sur sa propre version.

Daniel Johnston, Don't play cards with Satan, filmé par Jad Fair au moment de l'enregistrement de It's spooky. Ce titre ne figure pas sur l'album mais la vidéo a été ajoutée en bonus de la réédition de l'album par Jagjaguwar en 2001.

BOBBY PATTERSON : How do you spell love

2011-11-20T08:58:00.000+01:00

Acquis sur un vide-grenier de la Marne vers 2010
Réf : 1700 -- Edité par Calumet en France vers 1972
Support : 45 tours 17 cm
Titres : How do you spell love -/- Right on, Jody

Une pochette quelconque. Un nom à peu près inconnu, Bobby Patterson. Malgré tout, je n'ai pas laissé passer ce disque car ce nom je le connaissais, étant donné que j'ai à la maison depuis une bonne vingtaine d'années un 45 tours de Bobby paru dans la collection Triple Dynamite, éditée par Charly en Angleterre au début des années 1980. Ce disque, Philippe R. l'avait acquis dans des conditions assez rocambolesques à Paris avec plusieurs autres de ces trois-titres (d'où le nom de la collection) et il me l'a revendu à la fin de la même décennie, avec le Barefootin' de Robert Parker, juste avant une bourse aux disques où il s'est séparé d'une partie de sa collection.
Là, il s'agit d'une édition originale française, avec deux titres sortis aux Etats-Unis en 1971 et 1972.
Contrairement à ce que pourrait laisser penser le recto de la pochette, How do you spell love est ici la face A, comme l'indiquent le verso et la rondelle. A l'origine, c'était une face B, mais ce titre a eu pas mal de succès et a été plusieurs fois réédité. Il a notamment été repris en 1982 par les Fabulous Thunderbirds, sur l'album T-Bird rhythm et en face A d'un single qui a eu un certain succès. Sur le disque Charly, ils avaient rajouté la réponse à la question "How do you spell love ?" et c'était plus parlant. La réponse est "M-O-N-E-Y"...! C'est un excellent titre soul-funk, qui me fait pas mal penser à Joe Tex. Et comme il est question d'épeler, on pourrait dire qu'on est à mi-chemin entre le Joe Tex de S.Y.S.L.J.F.M. et celui plus funky de Loose caboose.
Right on, Jody était à l'origine une face A de single. C'est encore un excellent titre, au son plus brut, plus rhythm and blues, avec des cuivres.
On retrouve ces deux chansons sur l'album It's just a matter of time, sorti en 1972, le sommet d'une carrière d'interprète à la discographie assez conséquente, entamée en 1963 avec Walkin' the floor over you sous l'intitulé Robert Pattinson and his Combo. En tant qu'interprète, Bobby Patterson n'a jamais vraiment percé en-dehors de sa région de Dallas mais, comme il est expliqué au verso de la pochette, ce n'était pas sa seule activité dans l'industrie de la musique puisqu'il était auteur, arrangeur, producteur (de Fontella Bass et Roscoe Robinson entre autres) et même chargé de promotion pour son label Paula / Jewel.
De nos jours, Bobby est d'ailleurs toujours actif dans le domaine musical. Il anime une émission de radio pour KKDA-730 AM Soul 73 dans sa ville de Dallas et s'y produit encore régulièrement sur scène, en fin d'année dernière par exemple, et une chronique de concert de 2007 explique qu'il a conservé toute sa pêche.

Plusieurs compilations de Bobby Patterson ont été éditées en CD, mais parmi celles qui sont encore facilement disponibles, Soul is my music et Taking care of business, je n'en ai pas trouvé qui contienne les deux faces de ce 45 tours.

VOLUME SEVEN

2011-11-17T10:34:00.000+01:00

Acquis neuf en France à Reims ou à Paris en 1993
Réf : 7VCD7 -- Edité par Volume / World's End en Angleterre en 1993
Support : CD 12 cm
18 titres

Le groupe américain Girls, qui avait déjà interviewé Lawrence pour Magic! en 2010, rend hommage à Felt / Denim / Go-Kart Mozart avec un 45 tours à sortir dans les prochaines semaines intitulé tout simplement Lawrence.
Mais on est en 2011, et le 45 tours en forme de coeur tiré à 1000 exemplaires est déjà épuisé à la vente avant même d'être officiellement sorti, tandis que le titre lui-même est en écoute gratuite un peu partout, notamment chez One Thirty BPM, où l'on peut lire une lettre de Christopher Owens, de Girls, dans laquelle il explique qu'il a composé ce titre en 2008 alors qu'il était membre de Holy Shit et qu'il imagine bien la voix de Lawrence sur cet enregistrement sans avoir osé y apposer ses propres paroles.
A l'écoute, il est clair que Girls a opté pour un hommage à la première période du groupe, avec Maurice Deebank à la guitare, avec un instrumental dans la veine de Crumbling the antiseptic beauty ou The splendour of fear, plus quand même une touche personnelle de pop californienne sous la forme de choeurs et de ce qui sonne comme une flûte. En tout cas, après le Song for Dan Treacy de MGMT en 2010, ça fait plaisir d'entendre un nouvel hommage à l'un de nos héros des années 1980.
Pour ce qui concerne Felt, ce n'est en tout cas pas le premier hommage discographique. J'en oublie sûrement, même si on exclut les reprises, mais le premier qui me vient à l'esprit c'est le Belt de Teenage Fanclub qui ouvrait le n° 7 du CD-magazine Volume en 1993. Il s'agit là encore d'un instrumental et, avant même de mettre le CD dans le lecteur, on pouvait tout de suite associer ce titre, bien vu, à la pochette du mini-album de Felt de 1986, Let the snakes crinkle their head to death, notamment sa deuxième édition, centrée sur le ceinturon de Lawrence. Ça se confirme complètement à l'écoute.

Les écossais, qui sont arrivés chez Creation quand Felt était déjà séparé, rendent un hommage sincère au groupe de Lawrence, mais qui ne se prend pas au sérieux pour autant. Il est bien précisé dans le magazine qu'il est conseillé d'avoir à l'esprit qu'iol s'agit d'un hommage à Felt quand on écoute l'enregistrement. Dans l'article sur Teenage Fanclub de la partie magazine, on apprend que c'est Brendan O'Hare qui est surtout responsable de ce morceau et que l'orgue utilisé est un clavier Yamaha QY-20 de la taille d'une cassette VHS.
Contrairement à ce qui est indiqué dans la présentation du titre sur TouTube, Belt n'a jamais été l'une des faces B de Norman 3. Comme le confirme l'excellente discographie commentée en français par Chris Wilde, Belt n'est sorti que sur ce Volume Seven, avec accessoirement une réédition en 1995 sur le 2e tome du best of de Volume, Sharks patrol these waters.
Sans remonter à Sonorama (en France de 1958 à 1962), Volume n'a pas été le premier à associer une revue et un disque, mais c'est l'une des expériences les plus intéressantes du genre, qui a duré une bonne partie des années 1990. La décennie précédente, au moment des nouveaux romantiques et des débuts du rock indépendant, l'angleterre avait notamment eu droit à Debut, avec carrément un 33 tours. J'ai souvent vu des exemplaires de Debut dans les caves de Record and Tape Exchange et, même si j'ai souvent failli le faire, je n'en ai au bout du compte jamais acheté. Peut-être parce que, comme avec beaucoup de compilations, c'est le genre de disques qu'on ne réécoute pas souvent au fil du temps. C'est exactement ce qui se passe pour moi avec les quatre Volume que j'ai achetés, même s'il s'agit d'un produit qui se tient très bien. Le principe : un CD avec des titres inédits au moment de la parution, même s'il s'agit souvent d'avant-premières de quelques jours ou quelques semaines (il y a aussi des live, des remixes et de vrais inédits comme Belt) et un magazine de près de 200 pages format CD avec notamment un article sur chacun des groupes du CD.
A la réécoute de Volume Seven, outre le Teenage Fanclub, le Barney des Boo Radleys s'avère être un de mes titres préférés (décidément, je n'en finis pas de redécouvir cette chanson, qui elle fait référence au chanteur de New Order), avec ceux de Redd Kross et The Heroines, et aussi la reprise de Life's a gas de T. Rex par Bang Bang Machine. Pour le reste, c'est représentatif du son des années 90, oscillant entre rock (remix d'un titre du premier EP de Radiohead, titres live de Verve et Sebadoh) et techno/dance, la palme du titre insupportable dans ce genre allant à Delta Lady.

MARC ODEKA : A Propriano

2011-11-13T18:14:00.000+01:00

Acquis sur le vide-grenier de la rue de la Chaude-Ruelle à Epernay le 11 novembre 2011
Réf : E. P. 45.108 -- Edité par I.R.S. en France dans la deuxième moitié des années 1960
Support : 45 tours 17 cm
Titres : A Propriano -- Pleure, baby, pleure -/- Les folles nuits -- Le yé-yé repenti

Ah, la brocante de la rue de la Chaude Ruelle du 11 novembre... Le dernier grand rendez-vous en plein air de l'année par chez moi et, les traces qui en sont laissées ici le prouvent, généralement un bon coin pour la pêche aux disques.
Cette année n'a pas failli à la tradition puisque j'en suis revenu avec des CD de (Smog), New Order et The Cure, une poignée de 33 tours achetés à l'origine à Hawaï il y a pile cinquante ans, en novembre 1961, et aussi quelques 45 tours.
Celui-ci, je l'ai choisi pour sa pochette et pour ce titre de chanson assez intrigant, Le yé-yé repenti.
Sur le coup, j'étais persuadé qu'il s'agissait d'une de ces éditions à compte d'auteur à petit tirage, que tout un chacun pouvait faire pour distribuer autour de lui. J'ai donc été assez surpris de constater que Où es-tu, toi la fille ?, le premier disque de Marc Odeka (celui-ci est le deuxième), sur lequel il était déjà accompagné par les Martin's (ils étaient cinq, d'après la photo de pochette), avait carrément été édité par Pathé / EMI !
Il n'empêche, les Martin's et ce Marc Odenka, apparemment surnommé Le Baron et étudiant en psychologie à une époque où ça ne courait pas les rues, sont bel et bien un gentil groupe de gentils amateurs dans la tonalité variétés-yé-yé de l'époque.
A propriano est un slow post-Aline, avec basse et orgue proéminents. Sur Pleure, baby, pleure, ils se risquent à accélérer le rythme presque à la vitesse du rock. Le thème de la chanson est assez sombre, venant de quelqu'un qui était sûrement un jeune père de famille : pleure, bébé, pleure, tu pleureras toute ta vie (c'est peut-être l'influence de la psychologie : on trouve sur le premier 45 tours une chanson intitulée Si je pouvais tuer la mort !). C'est quand même le titre le plus intéressant des quatre.
Il n'en a pas l'allure, mais avec les deux chansons de la face B, Le Baron tente de nous faire accroire qu'il a brûlé la chandelle par les deux bouts avant de se ranger, enchaînant Les folles nuits à l'époque du yé-yé. Mais tout ça c'est bien fini, et raconté au passé d'ailleurs, et malheureusement Le yé-yé repenti n'est pas vraiment à la hauteur de son titre, même si on sent bien que, dans une autre dimension ou entre d'autres mains, cette chanson, tout comme Pleure, baby, pleure, aurait presque pu virer freakbeat.
On nous précise au dos de la pochette que "Marc n'a pas dit son dernier mot". Il semble bien en tout cas qu'il n'ait pas sorti de troisième disque.

Je ne suis pas le premier à me pencher sur ce 45 tours. On peut écouter Pleure, baby, pleure et Le yé-yé repenti aussi bien chez Rond Carré que chez Popcorn Oldies.

BUZZCOCKS : Harmony in my head

2011-11-11T13:13:00.000+01:00

Acquis probablement au Record and Tape Exchange de Plymouth vers 2002
Réf : UP 36541 -- Edité par United Artists en Angleterre en 1979
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Harmony in my head -/- Something's gone wrong again

A mon grand étonnement, je me suis rendu compte en faisant référence dans mon billet sur les Smiths à la grande productivité des Buzzcocks entre 1978 et 1980 que je n'avais encore chroniqué aucune de leurs parutions. Que plus de 800 autres disques leur soient passé devant le nez, c'est totalement injustifié.
Mais par lequel commencer pour se corriger ? En toute logique, ça aurait dû être Singles going steady, leur excellente compilation des huit premiers 45 tours. Mais bon, les compilations ne sont pas de "vrais" disques et je viens déjà de faire une exception avec Hatful of hollow, alors on va trancher et prendre plutôt l'un de ces 45 tours, Harmony in my head, qui se trouve être le dernier de leurs disques dont j'ai fait l'acquisition.
J'avais déjà ces deux titres depuis 1980 environ, puisque j'ai acheté Singles going steady depuis peu de temps après sa sortie, mais j'ai quand même pris ce 45 tours quand je suis tombé dessus pour pas cher un matin à Plymouth parce que c'est un très bel objet, Malcolm Garrett ayant produit pour l'occasion une de ses "images" les plus réussies (il en a produit beaucoup notamment pour Magazine, et les Buzzcocks donc). Sur la pochette intérieure de Singles going steady, la pochette de ce 45 tours était toute rouge, mais apparemment c'est cette version en bleu qui est la plus courante.
Harmony in my head est sorti en juillet 1979, c'est donc le dernier a avoir été inclus dans Singles going steady, compilé à l'origine pour le marché américain en septembre 1979. Les deux titres ont dû être enregistrés pendant les sessions qui ont donné le troisième album, A different kind of tension, sorti lui aussi en septembre 1979, mais ils n'ont pas été repris sur l'album, suivant la (bonne) habitude des Buzzcocks.
Moins bijou pop que d'autres singles des Buzzcocks, Harmony in my head est plutôt une tuerie rock. C'est un titre particulier dans l'histoire du groupe car c'est la première face A écrite par le seul guitariste Steve Diggle et en plus c'est lui qui chante plutôt que Pete Shelley. Pour les couplets, il s'exécute avec une hargne digne d'un Hugh Cornwell à son sommet avec les Stranglers. Le refrain, qui doit durer environ 7 secondes, est plus que minimal ("But it's a harmony in my head, it's a harmony in my head"), mais il a la qualité essentielle d'un refrain, celle de rester justement dans la tête.
Something's gone wrong again, la face 1 (et non B, si l'on en croit l'étiquette), le récit d'une journée de merde, marqué par une note de piano insistante, a longtemps été l'un de mes titres préférés de la compilation. Depuis qu'ils ont repris ce titre en 1988 sur un flexi Rock Hardi, et surtout, depuis qu'ils l'ont joué à la MJC Claudel de Reims lors d'un concert mémorable où la foule était si compacte dans la salle minuscule que leur gros son s'en est retrouvé étouffé, je ne peux plus écouter cette chansons sans penser aux Thugs.

Les deux faces de ce 45 tours sont disponibles pour pas cher sur les rééditions de Singles going steady, une compilation qui compte désormais 24 titres, et de A different kind of tension, mais à tout prendre je conseillerais, tant qu'on en trouve des exemplaires en vente à prix correct, d'investir plutôt dans Product, l'excellente intégrale en trois CD de la première époque du groupe.

THE SMITHS : Hatful of hollow

2011-11-06T12:50:00.001+01:00

Acquis à La Clé de Sol à Reims en 1984
Réf : 70 290 -- Edité par Rough Trade / Virgin en France en 1984
Support : 33 tours 30 cm
16 titres

S'il y a un groupe que j'ai raté pendant l'année scolaire que j'ai passée en Angleterre, en 1983/1984, c'est bien les Smiths. Qu'on se comprenne bien, je ne suis pas passé à côté des Smiths, c'était impossible, ils étaient partout, dans la presse, à la télé et chez les disquaires dès la sortie de This charming man à l'automne 1983. Je les ai plutôt volontairement et soigneusement ignorés, en partie par snobisme (ils étaient partout et donc trop à la mode pour moi) mais surtout parce que Morrissey m'énervait, dans ses interviews, avec son chant maniéré sur This charming man, avec son look trop travaillé, son écouteur dans l'oreille façon Diva, et les glaïeuls dans la poche arrière de son jean. Surtout les glaïeuls, en une du NME et à la télé dans Top of the Pops.
Je n'ai donc jamais vu les Smiths en concert alors que j'en aurais eu la possibilité tout au long de l'année. J'ai vu Hand in glove bien mis en avant chez Rough Trade en septembre 1983, mais je ne connaissais pas le groupe et je ne peux pas dire que la pochette m'a donné envie d'en savoir plus. Et dès octobre, les Smiths n'ont dû jouer que dans des grandes salles alors que moi j'allais commencer à fréquenter les petits clubs comme le Living Room. Et de toute façon je boycottais le groupe.
J'ai commencé à évoluer début 1984 avec la sortie des deux singles suivants, What difference does it make ? et Heaven knows I'm miserable now qui m'ont accroché, pour la musique bien sûr, et aussi comme souvent avec les Smiths pour des bouts de phrases fulgurants dans les paroles ("The devil will find work for idle hands to do", "I was looking for a job, and then I found a job and Heaven knows I'm miserable now"). J'ai commencé à changer d'avis, donc, mais pas suffisamment pour acheter mon premier disque des Smiths avant de rentrer en France, même si j'ai bien pensé à me dépêcher d'acheter What difference does it make ? avant que la pochette originale avec Terence Stamp ne soit plus disponible. Mais le terrain était prêt, et quand Hatful of hollow est sorti en novembre 1984, à un prix imbattable (environ 35 francs dans mon souvenir, soit moins que le prix d'un maxi 45 tours pour un 33 tours 16 titres luxueux, avec une pochette ouvrante et les paroles imprimées sur la pochette intérieure), je l'ai acheté de bon coeur, d'autant que j'avais déjà une pointe de nostalgie pour mon séjour en Angleterre.
L'une des grandes forces des Smiths pendant leurs presque cinq ans d'activité discographique c'est d'avoir, encore plus qu'un autre groupe de Manchester (les Buzzcocks) et avec beaucoup plus d'impact, sorti des disques à un rythme digne de celui des Rolling Stones au début des années 1960. D'un février à l'autre, pile un an entre le premier album, The Smiths en 1984, et le deuxième, Meat is murder en 1985, avec des singles à la pelle entre les deux et cette compilation en novembre 1984, pour faire patienter les fans et occuper le marché de Noël. Autre parallèle avec les sixties : à la grande différence de ce qui se faisait en ce début des années 80, les Smiths sur ce disque sont un quatuor pop-rock des plus basiques, et on n'entend sur ce disque que la basse, la batterie et les guitares (avec juste un peu d'harmonica et de mandolines), sans aucun ajout de claviers ou autres séquenceurs.
Je crois que l'unanimité est parfaite pour affirmer que Hatful of hollow, qui aurait pu n'être qu'un assemblage hétéroclite de titres de sessions radio et de faces A et B de singles, est un bien meilleur album que The Smiths (les deux disques ont 5 titres en commun, mais les enregistrements sont tous différents, sauf pour Hand in glove, proposé ici dans sa version originale alors qu'il était remixé sur l'album). Je suis entièrement d'accord et je ne vais pas trop m'étendre là-dessus mais, outre les différences de production (les enregistrements pour la BBC sont plus "frais", claquent plus, mettent mieux en valeur les guitares de Johnny Marr et rendent mieux compte de la façon de composer du groupe, avec Morrissey qui ajoute ses paroles et son chant sur un instrumental préalablement composé), on remarquera que The Smiths, et c'était sûrement volontaire, ne contenait que deux singles (Hand in glove et What difference does it make ?), alors que celui-ci contient des versions des cinq premiers singles du groupe, et même des six premiers si l'on considère que la monumentale face B How soon is now ? a été promue en face A dès février 1985, et on pourrait compter un demi-point en plus quand on sait que, avant le groupe ne compose et enregistre This charming man, cette excellente version BBC de Reel around the fountain a failli sortir en face A du deuxième single (ça s'est arrêté à l'étape du test-pressing).
De Louder than bombs aux différents best-of, il y a des dizaines de compilations des Smiths. Pour ma part, en ces temps de rééditions de la discographie complète du groupe dans des versions plus ou moins luxueuses, je maintiens que seule celle-ci est indispensable et suffit pour avoir l'essentiel des meilleurs titres du groupe,d'autant que, pour le coup, je me refuse à considérer The Queen is dead comme une pierre de touche. Ici, avec This charming man, Girl afraid, Handsome devil ("Let me get my hands on your mammary glands") Still ill ("England is mine and it owes me a living") What difference does it make ?, William, it was really nothing, Accept yourself, Heaven knows I'm miserable now, Reel around the fountain, Hand in glove ("The sun shines out of our behinds") et How soon is now ?, je n'ai pas besoin d'implorer avec l'excellent Please please please let me get what I want car j'ai absolument tout ce qu'il me faut des Smiths !

GUERRE FROIDE : Guerre froide

2011-11-01T16:52:00.002+01:00

Acquis à La Clé de Sol probablement à Reims fin 1981 ou en 1982
Réf : STECHAK PRODUCTS 001 -- Edité par Stechak en France en 1981
Support : 45 tours 30 cm
Titres : Ersatz -- Demain Berlin -/- Mauve -- Peine perdue

Noir c'est noir, il n'y a pas d'espoir. Et froid c'est froid, et c'est fini tant pis.
Je ne sais plus comment j'ai découvert Guerre Froide. Probablement une fois de plus avec Bernard Lenoir et Feedback, ou alors via un collègue étudiant de l'Aisne dont j'avais fait la connaissance au RU.
En tout cas, si on cherche un exemple parfait de groupe cold wave français, on ne peut guère trouver meilleure illustration que Guerre Froide, du nom du groupe à la pochette (maquette noire et blanche, photos en noir et blanc au recto et sur l'étiquette, pochette intérieure monochrome noire...) en passant par les thèmes abordés, pas débordants de gaité.
Voilà un groupe d'Amiens qui avait sorti une cassette avant ce maxi, et qui en sortira une autre, en forme de bilan posthume, en 1985. Une étoile filante brillant d'une lumière noire dans l'histoire du rock français, un groupe qui à l'époque a rarement dû jouer en-dehors de ses bases.
En tout cas, un stock de son disque a voyagé jusqu'à Reims. Pour 32 francs, j'en ai fait l'acquisition, principalement, comme beaucoup, pour Demain Berlin, le titre de bravoure du disque, à fond dans les références européennes du moment, avec son chant en trois langues (français, anglais, allemand) et sa vision presque romantique du Berlin coupé du Nord au Sud par le Mur, et par la guerre froide justement :
"Nous nous rencontrerons dans les ruines de Berlin
We will meet in the ruins of Berlin
We will laugh 'cause death ain't a sin
La mort semble parfois un bien
A Berlin, bientôt la fin"
L'instrumentation de Guerre Froide est typiquement new wave : percussions électroniques, synthés, basse très en avant et des plages de guitare à bon escient. Le chant assez détaché d'Yves Royer, principalement en français, fait beaucoup pour la réussite du groupe. Avec le recul, et après avoir réécouté Ersatz récemment sur la compilation Des jeunes gens modernes, je me dit qu'à force de me concentrer sur Demain Berlin, j'ai un peu négligé deux autres excellents titres de ce disque.
Ersatz, effectivement, avec sa deuxième voix féminine (de Marie-José Deffais, la clavier, j'imagine) et des paroles très réussies :
"Un goût de déraison, un désir peu banal
- Tendances au maquillage -
Sourire de dérision, retour à l'anormal ...
- La solution ultime -
Et toujours ce goût pour le néant
Ou plutôt pour le moment qui le précède"
Sur la face B, l'introduction de Mauve me rappelle le Cure de Seventeen seconds. C'est encore une réussiste. Je place Peine perdue un tout petit cran en-dessous, mais la chanson marque quand même par sa guitare à la Young Marble Giants.
Un peu plus tard dans les années 1980, une petite scène cold s'est développée à Reims, sous l'influence notamment d'un DJ du Tigre, la boite rock de la ville. Des disques comme ceux de Trisomie 21 (associé à Guerre Froide car leur premier disque est sorti aussi chez Stechak) et la réédition du maxi Eisbär de Grauzone se sont vendus comme des petits pains.
Quant à Guerre Froide, à force de voir sa notoriété et celle de Demain Berlin grandir, il a fini par se reformer en 2006 autour de deux de ses membres fondateurs. Ils ont depuis sorti deux albums (le dernier, Abrutir les masses, date de 2010) et ils tournent régulièrement.
Pour ce qui est de ce maxi, il a été réédité il y a quelques temps de façon limitée et plus ou moins officielle. Pour ce qui est des 1000 exemplaires du vinyl original, ils sont plus recherchés maintenant qu'à l'époque puisqu'un des exemplaires a été récemment vendu aux enchères pour 231 €.

BILL BLACK'S COMBO : Josephine

2011-10-30T15:26:00.000+01:00

Acquis auprès de "M. Beatnik" sur le vide-grenier du Jard à Epernay le 2 octobre 2011
Réf : HLU 9156 -- Edité par London en France en 1961
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Josephine -/- Dry bones

Quelques minutes après avoir trouvé le Big Bill Broonzy à Pierry, j'ai acheté trois 45 tours à M. Beatnik, dont un de Cousin Joe, de La Nouvelle-Orléans et, trois ans après le premier, un second 45 tours en service de presse de Rupie Edwards, l'excellent Boogayaga.
Et mine de rien, avec ce 45 tours du Bill Black's Combo, c'est la troisième fois cette année que je déniche une pochette qui satisfait aux canons du discographisme récréatif de Patrice Caillet, alors que pendant des années j'ai fait chou blanc (Il y a eu plus tôt cette année le Albert King et entre les deux un 45 tours de Ten years After, Love like a man, que je n'ai pas chroniqué ici).
Comme souvent avec ces pochettes maison, le propriétaire du disque, G. Renard dans ce cas précis, a fait les choses très soigneusement. La Joséphine, assez bizarrement, a un visage de cochonne et est accoutrée avec un costume folklorique dont je serais bien incapable d'identifier l'origine géographique. Le dessin est fait sur du papier Canson et le tout est protégé par du papier à couvrir les livres scotché au dos.
Ce n'est pas seulement pour cette pochette que j'ai acheté ce disque édité à l'origine à Memphis par Hi Records. En effet, je connaissais ce nom de Bill Black. Je savais qu'il ne s'agissait pas du Bill Black anglais (également connu sous le nom de Bill Prince) que j'ai eu l'occasion de voir sur scène comme bassiste de The Loft et des Wishing Stones. Non, pour moi, dans ce contexte, j'associais Bill Black à "bassiste d'Elvis Presley" et à rockabilly. Et je n'étais pas loin d'avoir complètement raison : Bill Black, avec Scotty Moore à la guitare, est bien le contrebassiste des tous débuts d'Elvis Presley en trio, et il est bien considéré comme l'un des pionniers du rockabilly. Mais avec les disques instrumentaux de son combo, qui a eu un très gros tube fin 1959 avec Smokie, Bill donnait déjà plus dans la pop que dans le rockabilly.
On n'est quand même pas encore dans l'easy listening car leurs interprétations sont carrées et énergiques. Leur version de Josephine, une chanson de 1937 avec des paroles de Gus Kahn à l'origine, démarre avec un orgue bien cinglant comme instrument solo, qui laisse ensuite la place au saxophone.
J'ai déjà naturellement tendance à confondre ce Josephine, que Ray Charles parmi de nombreux autres a également repris, avec le My girl Josephine de Fats Domino, mais le Bill Black's Combo fait tout pour m'embrouiller puisque, quelques mois après ce single, ils ont sorti en face B de Twist-her leur propre version de My girl Josephine !
En face B, on a un arrangement instrumental de Dry bones, avec guitare, puis piano et saxophone encore comme instruments solo.
Le succès du Bill Black's Combo a été tel que, à partir de 1963, de deux à cinq formations différentes du groupe tournaient dans les différentes régions des Etats-Unis. Bill Black, lui, restait à la maison pour enregistrer, s'occuper de sa famille et se soigner, car il était déjà malade. Il ne jouait donc pas avec le combo qui porte son nom quand le groupe a, à leur demande expresse, ouvert pour les Beatles lors des treize dates de leur première tournée américaine en 1964. Bill Black est mort en 1965 à moins de quarante ans, d'une tumeur au cerveau.

THE STORY OF VEE-JAY

2011-10-29T22:20:00.001+02:00

Acquis chez Noz à Dizy le 22 octobre 2011
Réf : METRDCD509 -- Edité par Metro Doubles / Union Square Music en Angleterre en 2002
Support : 2 x CD 12 cm
50 titres

Il ne faut pas s'attendre à trouver un disque excellent à chaque passage chez Noz, mais mine de rien ça arrive quand même de temps en temps, comme le prouvent les quelques disques déjà chroniqués ici trouvés chez ce soldeur.
La semaine dernière, j'ai d'abord vu un gros paquet de rééditions de vieilleries dans une série ultra-économique, un peu comme pour le Townes Van Zandt, qui ne m'intéressaient pas, mais un peu plus loin je suis tombé sur quelques disques de la collection Metro Doubles. Il y a avait surtout des trucs années 70 et un peu funky. J'aurais sûrement dû prendre la compilation du label Curtom (on verra la prochaine fois si elle y est encore), mais c'est sans hésitation, au vu de la liste des titres, que je me suis emparé de cette rétrospective du label Vee-Jay. A 1,50 € le double-CD, ce n'est pas le prix qui risquait de m'arrêter.
Je pensais avoir à faire à une édition très cheap, mais non, finalement. Les titres sont sous licence de Charly et le son est excellent. Quant aux notes de pochette, elles sont signées de John Crosby, un journaliste qui a notamment écrit pour Mojo.
Dans sa courte histoire, de 1953 à sa faillite brutale en 1966, Vee-Jay a édité énormément de disques et a eu énormément de succès. A Chicago, ils ont lontemps eu leurs bureaux en face de chez Chess et la grande découverte pour moi à l'écoute de cette compilation, outre qu'elle est de bout en bout excellente, c'est à quel point, à la différence de Chess justement ou de Stax par exemple, je connaissais mal ce label, célèbre notamment pour s'être retrouvé presque par hasard à être le premier à éditer les Beatles aux Etats-Unis.
C'est d'ailleurs une grande joie de me rendre compte que, malgré tous les disques que je possède, les coffrets Triomphes de 25 CD, les compilations Northern soul ou autres, les disques des copains, ceux empruntés à la médiathèque, les MP3 des blogs, il me reste énormément de bonne musique à découvrir même sur une période aussi connue et balisée que les années cinquante. Je n'ai pas fait le compte exact, mais précédemment je ne devais avoir chez moi que deux ou trois des cinquante titres de ce disque dans les mêmes versions. Cela comprend le It hurts me too d'Elmore James car j'ai appris à cette occasion que ma compilation Upfront est une réédition de titres Vee-Jay.
Vee-Jay a édité énormément de jazz, mais on n'en trouve pas ici, par contre il y a du gospel (The Original Blind Boys of Alabama, The Staple Singers), du blues (John Lee Hooker, Eddie Taylor, Memphis Slim), plein de doo-wop, de la soul, du rhythm and blues et de la pop.

Je ne vais pas lister ici toutes les découvertes que j'ai faites en écoutant ce disque, mais je me suis rendu compte que je connaissais très mal un momument comme Jimmy Reed (Honest I do, Big boss man, Bright lights, big city), Jerry Butler, la vedette des Impressions qui n'est pas Curtis Mayfield (sauf que sa version originale de Make it easy on yourself est le seul titre ici qui m'est carrément insupportable), une excellente chanteuse comme Betty Everett (Getting mighty crowded, repris par Costello en 1980 en face B de High fidelity, mais aussi la version originale de The shoop shoop song (It's in his kiss) et celle de You're no good, un tube pour Linda Ronstadt dans les années 70 et repris aussi entre autres toujours par Costello, en face B de Veronica).
Pour des titres individuels, on peut citer El Dorados (Bim bam boom), Dee Clark (Hey little girl), Billy Boy Arnold, qui fut l'harmoniciste de Bo Diddley (Rockin'itis), le tube Duke of Earl de Gene Chandler, le quasi-ska de 1955 Hands off de Jay MacShann with Priscilla Bowman ou encore The twist par son créateur Hank Ballard, dans une première version de 1958 restée inédite pendant vingt-cinq ans.
Dernière grande claque, les deux titres de Little Richard, deux singles de 1964 et 1965. Il y a d'abord une excellente version de Whole lotta shakin' goin' on, pas la première enregistrée par Richard Pennimann mais sur celle-ci il y a un jeune guitariste, Jimi Hendrix, dont le jeu ici annonce déjà Foxy Lady. L'autre, c'est I don't know what you got but it's got me, un grand morceau de soul digne du meilleur Otis Redding, un titre qui a eu pas mal de succès et qui a pu fortement inspirer Percy Sledge.
Little Richard a enregistré en peu de temps près d'une cinquantaine de titres pour Vee-Jay, dont seule une partie a été éditée à l'époque à cause notamment de la faillite. Ils sont sortis au fil du temps sur divers albums par la suite. S'ils sont tous aussi bons que ces deux-là, ça me laisse pas mal de pépites à chercher...

A moins de trouver cette compilation à très vil prix, comme moi, je conseillerais plutôt l'achat de Chicago hit factory, un coffret 4 CD pas cher du tout édité par Charly, avec 111 titres, dont probablement les 50 de The story of Vee-Jay (Je n'ai pas tout vérifié un par un !).
A lire absolument pour en savoir plus, The Vee-Jay story par Mike Callahan et David Edwards.

Image et son pourris pour cette version courte de I don't know what you got but it's got me en play-back en 1965, mais c'est le seul document filmé que j'ai trouvé d'un de mes titres préférés de cette compilation et c'est toujours mieux que de regarder un disque tourner sur une électrophone.

Bien meilleure qualité pour cette version en direct de Whole lotta shakin' goin' on, probablement pour une émission de télé anglaise, avec le groupe Sounds Incorporated qui accompagne Little Richard.

WRECKLESS ERIC & AMY RIGBY : Do you remember that ?

2011-10-22T09:35:00.000+02:00

Acquis chez Radio Free Song Club via Boogie Woogie Flu en juillet 2011
Réf : [sans] -- Diffusé par Radio Free Song Club aux Etats-Unis en juin 2010
Support : 1 fichier MP3
Titre : Do you remember that ?

Je connais le new-yorkais Ted Barron depuis quelques années grâce à son blog Boogie Woogie Flu, excellent et très documenté. Par ailleurs, Ted Barron est photographe et c'est en tant que tel qu'il participe depuis quelque temps au Radio Free Song Club.
Qu'est-ce que c'est que Radio Free Song Club ? C'est une émission de radio mensuelle diffusée sur internet, présentée par Nick Hill (un ancien de l'émission Music Faucet chez WFMU) et Kate Jacobs. Le principe est simple : chaque auteur-compositeur membre du club doit fournir un titre inédit par mois, soit terminé et déjà enregistré ou à l'état de démo ou même à l'état d'ébauche. Dans ce cas, c'est le groupe de l'émission, The Radio Free All Stars, dirigé par Dave Schramm, qui l'interprète en direct. Les membres du club ? Rien moins que de vieilles connaissances comme Peter Holsapple (dB's), Victoria Williams, Jody Harris, Peter Blegvad, Freddy Johnston, Laura Cantrell et Dave Schramm.
Ca donne envie, non ? Je n'ai pas tout écouté, mais outre des inédits de Victoria Williams, mon titre préféré pour l'instant est la première chanson proposée par Ted dans son billet, Do you remember that ? par Amy Rigby et Wreckless Eric, invités du n° 7 l'émission en juin 2010.
Il y a tout ce que j'aime dans cette chanson auto-biographique qui retrace les débuts de l'histoire commune d'Amy et Eric : de l'humour, de la joie, de l'auto-dérision. C'est excellent, et on attend qu'ils la sortent officiellement sur l'un de leurs disques, mais c'est encore meilleur quand on écoute l'interview qu'ils ont donnée dans l'émission avant de jouer la chanson. On a plein d'anecdotes sur leur vie dans la campagne française, avec des voisins âgés et sympas qui leur demandent de jouer plus fort pour qu'ils entendent mieux (malheureusement, ils ont des aventures moins agréables lorsqu'ils donnent des concerts en France), et sur leurs aventures lors des soirées Hanukkah annuelles de Yo La Tengo, le 31 décembre 2004 d'abord, où ils ont joué séparément, Amy avec une reformation ponctuelle de son group The Shams et Wreckless Eric accompagné par Yo La Tengo, et le 31 décembre 2005 ensuite, où ils ont donné leur premier concert ensemble, qui fut catastrophique, si on en croit leur propre récit !
Baladez vous dans les archives du Radio Free Song Club, il y a plein d'excellentes choses à découvrir. Quant à Amy Rigby et Wreckless Eric, leurs aventures continuent : après avoir sorti deux albums en commun, dont un de reprises, Two-Way Family Favourites, ils vont aller s'installer aux Etats-Unis et du coup Eric a du matériel musical à revendre !

Amy Rigby & Wreckless Eric : Do you remember that ?, à télécharger chez Radio Free Song Club.

THE JESUS AND MARY CHAIN : I love rock 'n' roll

2011-10-16T18:01:00.000+02:00

Acquis à La Petite Boutique Primitive à Reims au début des années 2000
Réf : SCR 665858 2 -- Edité par Creation en Europe en 1998
Support : CD 12 cm
Titres : I love rock 'n' roll -- Easy life, easy love -- 40,000 K -- Nineteen 666

Après I hate rock 'n' roll en 1995, trois ans ont passé sans nouveau disque de The Jesus and Mary Chain. Entre-temps, leur label Blanco Y Negro les avait virés après avoir écouté les démos de la moitié des chansons de ce qui allait devenir l'album Munki. Le groupe a alors trouvé refuge chez son tout premier label, Creation, mais les frères Reid s'entendaient alors aussi bien que les frères Gallagher dans les années 2000 et ça sentait la fin : ils ne se parlaient plus, écrivaient les chansons chacun de leur côté et évitaient même de se rencontrer au Drugstore, leur propre studio, lors de l'enregistrement. Pas surprenant que le groupe ait annoncé sa séparation peu de temps après la sortie du disque (ils rejouent ensemble ponctuellement depuis 2007).
Bien qu'il ait trois ans d'âge, le titre I hate rock 'n' roll, écrit par William Reid, s'est retrouvé sur Munki, le dernier titre du dernier album du groupe. Mais pour bien symboliser les deux pôles opposés de JAMC à ce moment, l'album s'ouvrait avec I love rock 'n' roll, une chanson écrite par Jim pour contrebalancer la frustration et la négativité de celle de son frère. Ce titre sera le dernier extrait en single de l'album, c'est donc la toute dernière parution du groupe à ce jour.
Côté pochettes, c'est à peu près match nul. Sous sa couche de violet presque uniforme, celle de I hate rock 'n' roll cachait une photo de deux jeunes femmes portant des lunettes noires. En regardant bien, celle de I love rock 'n' roll, qui a peut-être quand même ma préférence, révèle dans sa masse de noir et de blanc un corps portant une petite culotte à fleurs !
Côté musique, I love rock 'n' roll n'est pas une reprise de la chanson des Arrows rendue populaire par Joan Jett. C'est plutôt, dans la lignée du Rock & roll du Velvet Underground, un hymne à la puissance salvatrice du rock. Il manque à ce titre un peu de la sauvagerie de I hate rock 'n' roll, une absence compensée par l'addition bienvenue d'une trompette sur le refrain qui réveille presque le fantôme des June Brides.
Les deux titres suivants, Easy life, easy love et 40,000 K, également signés Jim, un titre au tempo moyen et un rapide, sont d'excellente facture et très accessibles. Peut-être trop pop pour William, on imagine, mais ils auraient sûrement mérité une place sur un album. William se rattrape avec le plus expérimental Nineteen 666, co-signé avec l'ingénieur du son Dick Meaney.

On retrouve les quatre titres de ce maxi sur la toute récente réédition en 2 CD plus 1 DVD de Munki.

THE JESUS AND MARY CHAIN : I hate rock 'n' roll

2011-10-15T19:44:00.001+02:00

Acquis par correspondance via Discogs en Belgique en septembre 2011
Réf : 0630-10522-2 -- Edité par Blanco Y Negro en Allemagne en 1995 -- Promotion copy only not for resale
Support : CD 12 cm
Titres : I hate rock 'n' roll -- Bleed me -- 33 1/3 -- Lost star

Après nous être penchés sur les tous débuts de Jesus and Mary Chain avec Upside down et Psychocandy, on va s'intéresser à la fin de parcours du groupe (en fin de la première partie de ce parcours avant la reformation de ces dernières années) avec ce single qui, dix ans après Never understand, fut le dernier sorti chez Blanco Y Negro., d'autant que Demon a désormais bouclé avec Munki son programme de réédition des six albums studio du groupe grossis d'un deuxième CD et d'un DVD.
Etant donné qu'à ce moment-là je m'intéressais beaucoup moins à JAMC, je dois bien dire que je suis passé complètement à côté de la sortie de I hate rock 'n' roll. C'est bien simple, jusqu'à il y a peu, je ne suis même pas sûr que je connaissais son existence ! Il faut dire que cette poussée de bile de William Reid (celui des deux frères qui tient la guitare - et qui chante aussi - tête baissée, agenouillé devant son ampli, dos tourné au public) a mis toutes les chances de son côté pour ne pas passer en radio ou à la télé. Ironiquement, les paroles proclament "I love the BBC, I love it when they're pissin' on me and I love MTV, I love it when they're shittin' on me". Avec ça, le groupe était certain de n'avoir aucune chance de passer sur Radio 1, à Top of the pops ou dans 120 minutes !, ce qui ne les a pas empêchés de réaliser un clip !
D'ailleurs, il est même étonnant que Blanco / Warner ait accepté de sortir ça en single. Ils étaient à bout de toute façon : après la sortie de ce maxi, ils en ont repris le titre et la pochette pour Hate rock 'n' roll, la troisième compilation de singles et raretés du groupe après Barbed wire kisses et The sound of speed, puis ils ont écouté les premières démos de Munki et ont décidé d'arrêter là les frais, incitant les frères Reid à retourner au bercail Creation pour sortir cet ultime album.
Musicalement, I hate rock 'n' roll est quand même une baffe, une grosse giclée de haine, d'énergie, d'électricité réjouissante. Après les quelques couplets presque sages, on a droit à une bonne minute de magma sonore instrumental, agrémenté de ce qui ressemble presque à un solo de guitare. On retrouve là ce qui a plu aux Pixies chez Mary Chain (Ils ont repris Head on sur Trompe le monde) et tant inspié My Bloody Valentine. Ça éclate, et ça se termine sur ce constat : "Rock 'n' roll hates me, I hate rock 'n' roll".
Les trois titres suivants sont dans le style ballade plus calme du groupe, ce qui n'exclut jamais une partie de guitare bruyante à un moment ou un autre, à la fin de Bleed me ou au milieu de 33 1/3 par exemple.
Rien d'extraordinaire dans tout ça, mais ces quatre titres auraient fait un tiers d'album tout à fait consistant. Au bout du compte, Hate rock 'n' roll se retrouvera en clôture de Munki. Un final adéquat pour le chant du cygne du groupe.

BIG BILL BROONZY : An evening with Big Bill Broonzy 2

2011-10-09T14:42:00.001+02:00

Acquis sur le vide-grenier du parking Leclerc à Pierry le 2 octobre 2011
Réf : SLP 143 S -- Edité par Storyville / Festival en France en 1965
Support : 33 tours 30 cm
13 titres

Quel contraste ! Ce matin, la fameuse grande brocante d'automne de Magenta a été noyée dans la pluie et le froid. J'y ai fait un tour rapide par acquis de conscience, mais sans surprise j'en suis rentré bredouille (et mouillé). Dimanche dernier, par contre, c'était encore l'été et c'est sous un grand soleil que j'ai arpenté les allées du parking Leclerc à Pierry, grâce à Christian S. qui m'avait signalé cette manifestation qui ne figurait pas dans mon guide. Ça tombait bien, car j'avais de toute façon prévu de passer aussi au vide-grenier du Jard à Epernay, à quelques centaines de mètres de là. J'ai ramené quelques disques intéressants d'Epernay (on y reviendra peut-être), et à Pierry j'ai acheté un 45 tours (décevant) et trois albums à un stand où ils étaient à 1 € : le Masterpiece des Temptations, The best of Tavana's Polynesian spectacular et ce disque en concert de Big Bill Broonzy, que je me suis offert le luxe de négocier à 50 centimes car, si la pochette est en parfait état, le disque lui-même comporte une grande marque en travers de toute la face B (bonne surprise une fois arrivé à la maison : cette rayure est quasiment inaudible !). L'objet m'intéressait de toute façon en lui-même, ne serait-ce que pour la superbe étiquette Storyville et pour la photo de pochette avec la ficelle qui tient la guitare parfaitement à l'horizontale. Il n'y a pas de crédit photo sur mon exemplaire, mais l'auteur en est sûrement Jean-Pierre Leloir, qui a signé la photo au dos de l'édition anglaise de l'album et au verso de la réédition dans la série Portraits in blues (et j'ai bien l'impression qu'à chaque fois Bill porte la même cravate...).
Les enregistrements ont été réalisés lors de concerts au Club Montmartre de Copenhague du 4 au 6 mai 1956. Il y a une chanson qui pourrait être parfaite pour notre météo d'aujourd'hui, I gets the blues when it rains, sauf que la pluie ne me déprime quand même pas à ce point, même les dimanches matin, et sauf que, pour ce qui concerne Big Bill Broonzy lui-même, il parle du blues au passé ("We did have the blues sometimes when it rained too much and it drowned our farms") et sa chanson est presque guillerette, musicalement plus proche de Toute la pluie tombe sur moi que du blues. C'est d'ailleurs l'une des caractéristiques de ce disque. Je gardais le souvenir d'enregistrements de Big Bill Broonzy des années trente, au son rugueux et rustique, très blues. J'ai été très surpris de découvrir un chanteur très loquace, drôle, qui respire plus la joie de vivre qu'il n'expose ses bleus à l'âme.
Musicalement, pour ce concert où Big Bill Broonzy est seul sur scène avec sa guitare acoustique, on est d'une manière générale plus proche du folk que du blues. Le jeu de guitare des deux premiers titres, Glory of love et Careless love, peut même rappeler Elisabeth Cotten.
Le côté folk et même pop se reflète également dans le choix des titres, avec deux reprises de Leadbelly, Take this old hammer et surtout Midnight special, une version de Sixteen tons, plus présentée comme une chanson de mineurs que comme une reprise de Tennessee Ernie Ford, et même I love you so much, chantée haut, qui pourrait carrément être issue du répertoire de Tin Pan Alley.
On a aussi droit à un auto-portrait très drôle, My name is William Lee Conley Broonzy, et là la bonne ambiance est similaire à celle des concerts de Jonathan Richman. Et d'un seul coup je me rends compte que c'est le deuxième album de blues en concert, en solo plein de bonne humeur que j'achète cette année, après le Back to the blues de Mickey Baker.

FRANK BLACK : Headache

2011-10-08T12:35:00.002+02:00

Acquis par correspondance chez Action Records en Angleterre vers 1998

Réf : BAD 4007 CD -- Edité par 4AD en Angleterre en 1994
Support : CD 12 cm
Titres : Headache -- Men in black -- At the end of the world -- Oddball

Réf : BADD 4007 CD -- Edité par 4AD en Angleterre en 1994
Support : CD 12 cm
Titres : Headache -- Hate me -- This is where I belong -- Amnesia

Depuis la séparation des Pixies, Frank Black est des plus prolifiques : 15 titres pour l'album Frank Black en 1993, 22 carrément pour Teenager of the year l'année d'après, dont Headache justement, des singles et faces B dans tous les sens, et depuis ça continue à un rythme encore plus effréné, d'albums enregistrés en deux jours en collaborations diverses.
En corollaire, ça signifie que M. Charles Michael Kittridge Thompson IV a choisi de nous balancer aux oreilles la majeure partie de sa production et de nous laisser faire le tri. Pas sûr que ça lui ait réussi à la longue, parce que c'est fatigant de se fader des CD entiers pour y déterrer quelques perles. Pour ma part, je me suis très vite lassé, et ce n'est pas le concert de Frank Black & the Catholics auquel j'ai assisté à Nantes en 2003 qui m'aura fait changer d'avis : il s'est contenté d'enchaîner ses titres en mode bourrin pendant une heure sans dire un mot : ce n'est pas l'idée que je me fais d'un bon concert...

J'avais acheté Teenager of the year à sa sortie, mais j'ai quand même commandé ces deux CD singles quand je les ai trouvés en solde chez Action Records, tout simplement parce que je pense que Headache est l'un meilleurs titres de Frank Black en solo, et aussi parce que chacun contenait trois faces B inédites.
Je sais bien que se référer aux Pixies est une facilité, mais franchement je trouve que Headache a toutes les qualités de leurs meilleures chansons : mélodie dynamique, attaque, paroles ("wrinkle in my time", "crammed in my cranium"), choeurs sur le refrain, voix parlée sur le pont... Manquent bien sûr la basse et la voix de Kim Deal et la guitare de Joey Santiago, mais on récupère l'orgue d'Eric Drew Feldman ! Le tout est un tout petit peu engoncé mais je crois que je préfère cette chanson à Monkey gone to heaven, par exemple. En plus, dans son bleu de travail, Frank fait même le drôle sur la vidéo ! Un seul regret, que la version de Headache du deuxième CD soit la même que celle du premier, c'est à dire celle de l'album : il existe en effet une autre version, dite NYC car elle a été enregistrée à New-York, sortie en Angleterre en face B du 45 tours et diffusée en France avec Hate me et Amnesia sur un CD bonus fourni aux premiers acheteurs de Teenager of the year.
Bien après les Stranglers, mais avant le film du même titre, Frank s'intéresse aux Men in black avec une chanson entièrement tournée vers son refrain, pas mauvais du tout d'ailleurs et assez intéressant pour que ce titre soit réenregistré en 1996 sur l'album The cult of Ray.
At the end of the world, tout comme l'excellent Hate me, sonne un peu au début comme du Pixies époque Come on pilgrim, sauf que sa construction est artificiellement compliquée, façon pièce montée d'Elvis Costello dans un mauvais jour. Je pense d'ailleurs aux Attractions en écoutant la reprise des Kinks, This is where I belong. Une version tout à fait d'un bon niveau, mais rien à voir avec l'éclair de génie de la reprise de Winterlong de Neil Young par les Pixies.
Oddball n'est pas vraiment une mauvaise chanson : on a simplement l'impression que Black pourrait les écrire à la chaîne. Ce qu'il a fait, d'ailleurs, pendant toute sa carrière solo.
Des six faces B, Amnesia est ma préférée avec Hate me, principalement parce qu'elle sort du moule : c'est un quasi-instrumental (seul le titre est prononcé) qui évoque une musique de manège, mais saccadée comme du ska. De la migraine à la tête, ça se passe dans la tête ici et la boucle est bien bouclée.

THE WOMBATS : Let's dance to Joy Division

2011-10-02T17:24:00.001+02:00

Acquis probablement chez Parallèles / Gilda à Paris le 2 février 2010
Réf : 5051442372625 / 14FLR26CD -- Edité par 14th Floor en Europe en 2007
Support : CD 12 cm
Titres : Let's dance to Joy Division -- Let's dance to Joy Division (KGB remix)

Après celle de CSS, voici une autre invitation à passer du bon temps en écoutant de la musique. Celle-ci émane des Wombats et il s'agit là simplement de danser, pas sur du Death From Above mais sur du Joy Division. Comme le précisent les paroles, on peut du coup en "savourer l'ironie", à la fois parce que Joy Division a une réputation lugubre peu compatible avec la fête mais aussi parce que "tout va mal, mais on est si heureux".
Côté musique, Let's dance to Joy Division fait dans la pop noisy avec une rythmique de guingois. Les paroles, avec une pointe d'accent du Nord de l'Angleterre, sont plus crachées que chantées. On est plus près de Bloc Party que de la new wave.
Les illustrations de pochette, qui prolongent les allusions à Joy Division, sont bien vues. La statue du maxi de Love will tear us apart se retrouve pourvue d'un verre de vin tandis que les crédits au verso rappellent la pochette de Unknown pleasures.
En fait, la seule faute de goût est à chercher du côté du deuxième titre, le KGB remix. Ce groupe KGB a conservé une bonne partie du chant de Matthew Murphy, coupé en petits bouts mélangés et saupoudrés d'effets, mais il l'a plaqué sur sa propre interprétation d'un medley de Transmission et de Love will tear us apart. Et là, pour moi c'est clair : le seul effet que ça a sur moi, c'est de me donner envie de ressortir mes disques de Joy Division, pas d'écouter les Wombats !

CSS : Let's make love and listen to Death From Above

2011-10-01T15:27:00.002+02:00

Acquis au Record & Tape Exchange de Notting Hill Gate à Londres probablement le 24 septembre 2009
Réf : PRO16307 -- Edité par Sire / Sub Pop en Angleterre en 2006 -- For promotional use only - Not for resale
Support : CD 12 cm
Titres : Let's make love and listen to Death From Above (Dan Carey radio mix) -- Let's make love and listen to Death From Above (Album version)

La première fois que j'ai prêté attention à CSS, ça devait être fin 2006, quand Libération avait placé leur premier album en tête de leur classement des meilleurs disques de l'année. Ça m'avait suffisamment intrigué pour que je cherche à écouter quelques titres de ce groupe qui m'était inconnu. J'en étais resté là car ce que j'avais entendu ne m'avait pas plus titillé que ça, mais quand je suis tombé sur ce single promo à la pochette très colorée et avec un titre faisant référence à un autre groupe, les canadiens Death From above 1979, je l'ai aussitôt mis dans ma pile d'achats, d'autant qu'il avait été abaissé à 50 pence à partir d'un prix initial de 4 £.
La chanson est sympathique. On est dans l'esprit du titre, une invitation à passer un moment des plus agréables en écoutant de la musique. Dans ce cas précis, la musique non pas de Death From Above mais de CSS est une pop-disco à la Blondie, avec pour le chant un rap léger qui ne peut qu'évoquer Tom Tom Club (et d'ailleurs je note que l'un des remixes de Let's make love and listen to Death From Above figurant sur un maxi vinyl hors commerce se nomme le Rappinhood remix). La chanteuse mange tellement les mots quand elle prononce "and listen to Death From above" que j'ai l'impression de m'écouter parler !
Pour ce qui concerne ce CD promo, DJ of Mercy, du blog Introuvables, précise que le premier titre, le Dan Carey radio mix, qui n'apportait effectivement rien d'intéressant à la version de l'album, n'a finalement pas été retenu dans la version commercialisée du disque. C'est vrai, mais par contre, contrairement à ce qu'il pensait, la pochette a bien été utilisée pour la version CD du single distribuée en Angleterre en 2007, et aussi pour le 45 tours (c'est le 45 tours américain qui a une pochette différente).
Voilà un titre léger, plein de joie de vivre, 100% hip-pop hoptimiste, quoi, qui invite à se trémousser comme le font les membres de Cansei de Ser Sexy sur la vidéo correspondante. Comme quoi, contrairement à l'affirmation contenue dans le nom du groupe, ils ne sont pas fatigués d'être sexy !

GIANT SAND : Official bootleg series volume 2 : The rock opera years

2011-09-25T12:30:00.001+02:00

Offert par Howe Gelb à l'Ekko d'Utrecht le 7 mai 2000
Réf : [Ow Om 1] -- Edité par Ow Om aux Etats-Unis en 2000
Support : CD 12 cm
13 titres

Dans sa folle campagne, lancée l'an dernier, de réédition de la quasi-intégralité de la production de Howe Gelb depuis plus de vingt-cinq ans, Fire Records va ressortir le mois prochain l'album Chore of enchantment, l'un des disques essentiels de Howe Gelb et peut-être le point d'entrée idéal dans son oeuvre pour un nouveau venu. Pas mal pour un disque conçu dans le chagrin et la douleur qui a bien failli ne jamais voir le jour !
Howe explique sur le site de Fire que les sessions pour l'album ont commencé à peine deux mois après la mort de son ami Rainer, à Tucson avec John Parish comme producteur, dans le studio même où Rainer avait fait ses ultimes enregistrements quelques semaines plus tôt. Howe n'allait pas bien et n'était pas capable, selon ses propres mots, de bien "écouter" ce qu'il venait d'enregistrer. D'où le début d'un long périple qui l'a mené à Memphis avec Jim Dickinson puis chez Kevin Salem. Cependant, une fois la sale période passée et Chore of enchantment finalement publié, Howe s'est rendu compte que les sessions initiales de Tucson, dont il restait relativement peu de choses sur l'album, étaient loin d'être mauvaises, et il a sorti ces enregistrements au printemps 2000 sur le deuxième volume de sa série de pirates officiels, un CD vendu lors des tournées et par correspondance. Aujourd'hui, c'est cet excellent CD, The rock opera years, qui se retrouve fort logiquement être le CD bonus de la réédition de Chore of enchantment.
En mai 2000, avec Philippe R., nous avons zappé le concert de Giant Sand à La Maroquinerie de Paris le 3 mai pour aller passer le week-end férié suivant en Hollande, où des amis pouvaient nous accueillir et où Giant Sand donnait deux concerts, au Paradiso d'Amsterdam le 6 et à l'Ekko d'Utrecht le 7. Le concert d'Amsterdam fut assez typique d'un concert de capitale : surchauffé, électrique et assez court. Pas mauvais, mais pas spécifiquement ce que j'attends d'un concert de Howe Gelb et consorts. Le concert du lendemain, comme j'ai eu l'occasion de le relater dans Vivonzeureux!, fut plus long et plus bordélique, marqué en ouverture et presque en clôture par une reprise de Just like a woman de Dylan et surtout empreint d'une grande tension sur scène, peut-être en grande partie due au fait qu'il s'agissait de la dernière date de Giant Sand pour cette tournée, les membres du groupe continuant leur périple européen séparément sous les intitulés de Calexico et de Howe Gelb.
C'est ce soir-là que Howe Gelb m'a offert ce CD de The rock opera years, alors que j'étais allé le saluer dans les loges et qu'il s'extasiait devant la dense coïncidence qui l'avait vu découvrir mon texte sur l'hommage à Rainer de Jonathan Richman & The Band of Blacky Ranchette chez lui, alors même que Jonathan Richman et Tommy Larkins se trouvaient dans la pièce !!
Je viens de réécouter The rock opera years plusieurs fois cette semaine. C'est vraiment un excellent disque et c'est presque dommage de le voir réduit à un appendice dans la discographie pléthorique de Howe Gelb. Il mérite mieux.
On a donc ici un album homogène enregistré à Tucson avec John Parish comme producteur et Head comme ingénieur du son (excusez du peu). On y retrouve les version originales de quatre des piliers de Chore of enchantment qui ont été réenregistrés ensuite à Memphis : Dusted, Astonished, Punishing sun et Shiver. Shiver est un chef d'oeuvre, quelle que soit la version. Je crois que celle de Punishing sun ici est supérieure à celle de Chore et j'ai une tendresse particulière pour Dusted, le premier titre joué par Giant Sand la première fois que je les ai vus en concert, en avril 1997 à Fribourg en Allemagne, et aussi pour Astonished, la chanson que le groupe était en train de répéter pendant les balances au moment où je suis arrivé sur la scène de l'Olympic le 23 octobre 2000 pour le fameux concert qui associait Giant Sand et Jonathan Richman à la même affiche.
Plusieurs des autres chansons de cet album ont eu une autre vie dans la discographie de Howe Gelb : Seldom matters again est une version toute en retenue de Seldom matters, qu'on trouvait en 1991 sur un autre disque essentiel de Giant Sand, Ramp ; une version de Catapult avait été publiée en 1998 sur Hisser de Howe Gelb ; on trouvera une autre version, moins bonne, de Hard on things sur Confluence de Howe en 2001, tandis que des éléments de cet enregistrement de Dilemma seront incorporés sur 3 sisters, toujours sur Confluence ; Quant à Not good, qui s'enchaîne parfaitement avec Dilemma, c'est fort logiquement une version de Bad, un titre publié uniquement sur la version vinyle et le CD japonais de Chore.
Tout cela est excellent, et il nous reste quatre titres spécifiques à The rock opera years, et pas des moindres.
Rock opera, d'abord. Alors que l'album Chore est marqué par l'utilisation d'une cassette d'airs d'opéra que Rainer écoutait souvent, on pouvait s'attendre à les retrouver ici. Il n'en est rien. Rock opera est un titre à la construction complexe, comme Howe les affectionnait à l'époque, une méditation sur le rock, bien sûr, et le succès. Il n'est pas impossible qu'il pense à lui-même, pionnier de l'Americana, artiste à l'influence marquante resté à la marge, quand il chante "You get by by what you can afford while millionaires with guitars exploit what you explore".
On trouve aussi ici, et uniquement ici, la chanson Chore of enchantment, qui fait probablement référence à Rainer. La discographie officielle Sa-Wa-Ro de Giant Sand créditait à l'origine Rainer à la slide sur cet album, sans préciser sur quel titre. A mon avis, c'est celui-ci.
Il a aussi Françoise, un titre de moins de deux minutes. Il est question d'une Françoise chanteuse : Françoise Hardy ou Françoiz Breut ? Probablement l'une des deux.
Terminons avec l'un des sommets du disque, et la seule reprise, Music arcade, collecté en 2001 sur la compilation Selections circa 1990-2000. Il faut être fou fan de Neil Young comme Howe Gelb pour aller piocher une ballade acoustique passée à peu près inaperçue en 1996 sur l'album Broken arrow et la réenregistrer dans une version électrique, qui prend son temps sur près de sept minutes. Et Howe n'est pas seul pour chanter le plus paresseusement possible ce récit d'une journée aux humeurs changeantes, puisque tour à tour les amis Victoria Williams et Evan Dando le rejoignent.
Sur la foi du premier couplet, j'ai longtemps pensé que cette chanson était plutôt gaie : "Je marchais dans la grande rue, pas sur le trottoir mais dans la rue, esquivant le trafic d'un pied agile, je me sentais bien à ce point. J'ai fait un tour à la laverie, joué à la Music Arcade, je n'arrêtais pas de gagner pendant que le groupe jouait, je me sentais bien à ce point". Mais après diverses aventures, le refrain ne semble pas aussi optimiste : "As-tu déjà été perdu ? As-tu déjà été débusqué ? T'es-tu jamais senti tout seul ?". Un état d'esprit qui devait convenir à celui de Howe à l'époque et une reprise magistrale pour un album qui ne l'est pas moins. A 10 £ le double-CD chez Fire, franchement il n'y a pas à hésiter !

CORNERSHOP : Brimful of Asha

2011-09-24T17:34:00.002+02:00

Acquis par correspondance via Amazon en septembre 2011
Réf : INT 8 84508 2 -- Edité par Wiiija en Angleterre en 1980
Support : CD 12 cm
Titres : Brimful of Asha (Radio friendly edit) -- Easy winners (Part 1 [Dublin]) -- Rehoused ([Walsall]) -- Brimful of Asha (Sofa Surfers solid state radio mix [Vienna])

Au début de l'année, j'ai eu dans l'idée de chroniquer ici Brimful of Asha. A mon assez grande surprise, je me suis alors rendu compte que je n'avais pas ce disque ! Certes, je savais qu'à l'époque de sa sortie je m'étais fort bien contenté d'avoir cet excellent succès de Cornershop sur l'une des compilations trimestrielles envoyées aux abonnés des Inrockuptibles, mais il me semblait qu'entre-temps j'avais eu l'occasion soit d'acheter le single, très courant vu son succès, soit de récupérer une version du titre sur un autre maxi CD (et j'avais bien Sleep on the left side, mais on n'y trouve pas Brimful of Asha).
J'ai alors décidé d'acheter ce disque à la première opportunité, mais bizarrement aucune ne s'est présentée tout au long des vide-greniers du printemps. Mon intérêt a été renforcé par l'excellente rubrique The making of... du Uncut daté de juin dédiée à cette chanson. Je n'ai pas non plus trouvé le disque cet été, alors j'en ai eu marre d'attendre et j'ai décidé de me commander Brimful of Asha. Comme j'avais le choix dans la multitude des différentes éditions, j'ai opté tout simplement pour la version originale de 1997 de cette chanson qui allait être un tube en 1998.
A l'origine, Brimful of Asha est un single extrait de l'album When I was born for the seventh time de Cornershop. C'est la version qu'on entend sur ce CD, à peine raccourcie pour les passages en radio. Et c'est même en 1997 leur plus grand succès depuis leurs débuts discographiques "bruyants" en 1993 : ce single indépendant monte à la 60e place des ventes au niveau national, et surtout les auditeurs de John Peel le placent en tête de leur sélection de fin d'année, le Festive fifty.
Pas mal, mais Norman Cook, l'ex-Housemartin qui venait de se transformer en Fatboy Slim, aimait bien le morceau et a proposé d'en faire un remix mieux adapté aux pistes de danse. Il a commencé par découvrir que la chanson n'avait pas de ligne de basse ! Il en a concocté une ainsi qu'un "beat" (pas trop big) à base de plusieurs échantillons, il a accéléré le rythme, ce qui a fait monté le tout d'un demi-ton, et le tour était joué ! Le remix, qui à l'origine devait uniquement être distribué aux professionnels des discothèques et des médias, a tellement plu qu'il a été utilisé pour une réédition du single, celle avec la pochette bleutée qui est devenue un vrai tube, n° 1 des ventes en Angleterre et 16e au Billboard aux Etats-Unis.
La grande réussite de Norman Cook, c'est qu'il a réussi à muscler le morceau, à le formater pour la danse et la radio, tout en conservant intacts ses différents ingrédients et ses qualités. La seule chose qui s'est un peu perdue au passage, et qu'on redécouvre à l'écoute de cette version originale, c'est le côté Velvet/Sweet Jane du riff de guitare qui est la colonne vertébrale de Brimful of Asha. Et même, si on ajoute les choeurs qui répondent en écho "45" (et non pas "Radio on"), on pourrait trouver une parenté avec le Roadrunner des Modern Lovers. Et ça tombe bien car, si Roadrunner est un hymne à la radio rock des années 50 qu'on écoute en voiture à la nuit tombée, Brimful of Asha est aussi un hymne, un hommage aux chanteurs des films de Bollywood comme la Asha Boshle du titre (qui a enregistré plus de 12 000 titres), certes, mais aussi et surtout un chant d'amour pour le 45 tours, ce qui explique pourquoi sa présence ici était indispensable. Et les références sont nombreuses. Je ne les aurais jamais décryptées seul à l'oreille mais un article du Melody Maker ou du NME à l'époque les avait détaillées, et j'avais été très surpris de découvrir que, entre le "Bolan boogie" et "Trojan Records", Tjinder Singh avait inséré deux références francophiles, à Jacques Dutronc et à Georges Brassens ("Bancs publics"). En plus de tout ça, il y a le refrain, d'anthologie : "Tout le monde a besoin d'une poitrine comme oreiller" !
Question remix, ce que le groupe autrichien Sofa Surfers a fait de Brimful of Asha est le contre-exemple de la réussite de Norman Cook. Ils ont gardé une partie du chant mais collé ça sur une sorte de dub tristos, à l'opposé de la gaité et de l'enthousiasme de la chanson originale.
Pour ce qui est est des deux autres faces B de ce maxi, Easy winners est un titre électro à la voix vocodérisée qui annonce peut-être Clinton, le projet parallèle à Cornershop, mais qui ne me botte pas trop. J'aime beaucoup plus Rehoused, une chanson qu'on trouvait déjà en face B du single Born disco ; Died heavy metal en 1994. Je ne sais pas s'il s'agit de la même version, d'un remix ou d'un nouvel enregistrement, mais entre le côté drone orientalisant typique de Cornershop et la guitare, on se retrouve à nouveau dans une ambiance à la Velvet Underground, cette fois plus proche de celle du deuxième album White light, white heat, façon The gift avec cette histoire de maison qui vous mène à la mort où il me semble entendre bien entendre une voix parlée (et samplée ?) qui demande en français s'il y a quelqu'un à la maison.
Après un long sommeil, Cornershop est revenu sur le devant de la scène en 2009 avec l'excellent album Judy sucks a lemon for breakfast, où sitar et guitare se marient parfaitement sur le single The roll off characteristics (of history in the making), Soul school ou Who fingered rock'n'roll.

FABULOUS TROBADORS : Demain, demain

2011-09-18T17:04:00.001+02:00

Offert par La Radio Primitive dans un bar de Reims vers 2004
Réf : PRO4026 -- Edité par Tôt Ou Tard en France en 2003 -- Disque de promotion - Interdit à la vente
Support : CD 12 cm
Titre : Demain, demain

Parmi les dizaines de disques promo achetés chez Gilda en avril dernier, il y avait Duels de tchatche et autres trucs du folklore toulousain, le quatrième et dernier album en date des Fabulous Trobadors. Un disque excellent qui associe, comme son titre l'annonce, des chansons gaies, combattantes et optimistes comme Bonne nuit ou L'anniversaire avec des joutes verbales dans le style qui a fait connaître les Fabulous comme Si tu te fais ou Duel de sans-pareil. Le sommet du disque, c'est incontestablement Il nous ment : il ne faut pas trop de douze minutes pour raconter magistralement et de l'intérieur un conflit social.
C'est en rangeant l'album que j'ai (re)découvert que j'avais déjà depuis quelques temps un autre CD promo en pochette cartonnée avec le titre que le label avait choisi de mettre en avant pour la promotion du disque dans les médias, Demain, demain. Je dois avoir gagné ce disque avec une poignée d'autres en répondant correctement lors d'un blind-test organisé par La Radio Primitive dans un bar rémois.
Le choix du label de mettre en avant Demain, demain n'est pas trop surprenant. Sur un rythme latino-américain, il s'agit d'une chanson sereine chantée par Claude Sicre, accompagné aux choeurs probablement par Les Femmouzes T. (pas de crédits détaillés ni de livret sur les CD promo). C'est très agréable, ça passe bien, et sans faire injure aux Fabulous Trobadors, je crois bien que si je faisais encore de la radio j'enchaînerais probablement Demain, demain avec un autre hymne sudiste à l'aujourd'hui du futur, le Aujourd'hui peut-être... de Fernand Sardou !
J'hésite à affirmer qu'il s'agit de la même chanson tellement les arrangements et les choix musicaux sont différents, mais Demain, demain a son pendant en occitan sur Duels de tchatche... : il s'agit de Doman où, sur une rythmique plus habituelle pour les Fabulous T., Ange B. tchatche et les Femmouzes T. et Claude Sicre lui répondent.
J'ai été surpris de ne pas trouver en ligne une vidéo pour Demain, demain. Il n'y en a peut-être pas eu de réalisée. Pas d'infos récentes non plus sur les éventuelles activités des Fabulous Trobadors. Je ne sais pas s'ils sont encore actifs en tant que groupe mais j'imagine bien que, ensemble ou non, Claude Sicre et Ange B. ne manquent pas de projets, à Toulouse ou ailleurs.

GRANDADDY : The crystal lake

2011-09-17T17:10:00.002+02:00

Acquis je ne sais franchement plus où ni comment vers 2001
Réf : VVR5015693 -- Edité par V2 en Europe en 2001
Support : CD 12 cm
Titres : The crystal lake -- Moe Bandy Mountaineers -- She-deleter -- What can't be erased -- I don't want to record anymore

Onze ans après sa sortie initiale, The sophtware slump, le deuxième album de Grandaddy, vient d'avoir droit à sa réédition en grande pompe, en version double-CD avec faces B, raretés et inédits en bonus. Pour ma part, c'est dès la sortie de ce disque que, constatant que les longues ballades pseudo-cosmiques ce n'est décidément pas mon truc (même si, quand c'est Grandaddy qui les joue je ne les déteste pas, loin de là), j'ai entrepris de me concentrer sur certains aspects de la production du groupe de Jason Lytle : les titres courts, pop ou bruyants des albums, les EP bricolés, les démos et autres faces B pleines de fraîcheur. J'ai même édité une sélection de ces Pépites de Pépé sur Vivonzeureux! Records.
Concrètement, ça signifie que, sur Sophtware slump, même si j'aime beaucoup Miner at the dial-a-view ou Jed' other poem (Beautiful ground), mes titres préférés sont The crystal lake, Hewlett's daughter, Chartsengrafs et Broken household appliance national forest.
Sans trop de surprise, c'est The crystal lake qui a été le premier single extrait de l'album en 2000. C'est une chanson assez rapide, très pop, avec un un petit riff de guitare digne du Cure d'In between days. Les paroles sont bien, sur un gars qui regrette d'avoir quitté sa campagne pour la grande ville, et la vidéo est bien drôle aussi. En France, ce single n'a pas été commercialisé en tant que tel : V2 s'est contenté d'ajouter un deuxième CD, dans une pochette cartonnée reproduisant celle de l'album, qui a été fourni aux premiers acheteurs de The sophtware slump (principalement dans les FNAC je crois). Acheteurs qui se sont retrouvés à acheter d'un seul coup deux versions identiques de The crystal lake, celle de l'album et celle de la face A du single.
Et ce n'était pas fini, car The crystal lake n'a pas vraiment marché en Angleterre à sa sortie en mai 2000. Alors, après avoir sorti Hewlett's daughter en single, V2 a remis le couvert en 2001 en rééditant The crystal lake avec une nouvelle pochette et de nouvelles faces B. Etant donné que je figurais sur les listes de promo anglaises de Grandaddy depuis que j'avais reçu Machines are not she, je recevais presque à chaque sortie une carte postale. Pour la deuxième sortie de The crystal lake, il s'agissait d'une petite carte reproduisant la pochette du CD 1 anglais, qui s'ouvrait pour nous proposer, découpée et en relief, la famille esquimau vue sur la pochette du CD 2 anglais (sur ma photo, on ne se rend pas compte que les esquimaux sont découpés et à la verticale de la carte) :

Au bout du compte, je n'ai acheté aucun des deux CD anglais puisque j'ai eu la chance de tomber sur l'édition européenne de ce single, qui a le grand avantage de rassembler sur un seul disque les quatre faces B des CD anglais. Dommage que V2 Europe n'ait pas poussé sa logique jusqu'au bout et ait oublié d'inclure Rode my bike to my sister's wedding, qu'on trouvait en face B du 45 tours !
Parmi ces faces B, mes deux préférées sont aussi les deux plus courtes, que j'ai incluses sur Les pépites de Pépé. Il s'agit de la blague country Moe Bandy moutaineers, en référence au chanteur Moe Bandy, où il est question d'arrêter le whiskey, le vin et la bière tellement les effets d'un pulvérisateur nasal acheté dans un bric-à-brac sont bien plus efficaces pour planer, et de I don't want to record anymore, probablement composé à un moment où le bricolo de génie du studio maison qu'est Jason Lytle avait dépassé la dose prescrite !
She-deleter est un de ces titres (de près de six minutes) en plusieurs parties que Grandaddy affectionnait à l'époque. Après une minute calme au piano, un "solo" de batterie de trente secondes tellement basique que n'importe qui pourrait le jouer après une demie-leçon, introduit une partie électrique à la Pavement.
What can't be erased est une belle chanson lente qui n'aurait pas déparé sur l'album. C'est d'ailleurs chose faite en 2011 puisque bien sûr les cinq titres de ce CD se retrouvent tous sur la nouvelle édition de The sophtware slump.

TELEPHONE ! : Métro / Hygiaphone

2011-09-11T19:49:00.001+02:00

Acquis probablement au Hifi Club à Châlons-sur-Marne vers 1979
Réf : TP 40.001-- Edité par Tapioca en France en 1977
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Hygiaphone -/- Métro

C'est sûrement l'un des tous premiers disques que j'ai achetés non seulement parce que la musique qu'il contient m'intéressait mais aussi parce que je savais que ce tout premier 45 tours de Téléphone était assez difficile à trouver.
J'avais lu dans la presse que le groupe avait auto-édité son premier disque et le vendait 5 francs à ses concerts. Ça doit à peu près correspondre au prix que j'ai payé pour ce disque, trouvé en solde au Hifi Club, sauf que je ne savais pas à l'époque qu'il ne s'agissait pas de la première édition auto-produite et sans pochette du disque mais d'une réédition sortie quelques temps plus tard sur le label Tapioca. Signalons pour l'anecdote que ce label Tapioca est un point commun inattendu entre Pascal Comelade et Téléphone : en effet, outre leurs relectures personnelles et divergentes des répertoires de Chuck Berry ou des Rolling Stones, tous les deux ont eu un de leurs disques réédités au catalogue du label plutôt expérimental Tapioca ! (Pour Comelade, il s'agit de son premier disque Fluence).
Comme la plupart des gens qui s'intéressaient un minimum au rock à cette époque, j'ai découvert Téléphone dès son premier album. J'ai énormément écouté ce disque tout au long de 1978, même si je ne l'ai pas acheté car j'avais pu me faire une copie sur cassette de l'exemplaire d'un copain.
C'est un peu plus tard que j'ai fait l'acquisition de ce 45 tours. Il a été enregistré le 8 juin 1977 au Bus Palladium lors d'un concert gratuit. La veille, ils avaient joué à l'Olympia, remplaçant au pied levé Blondie. Ça avait du coup donné une affiche intéressante du point de vue des intitulés puisque la tête d'affiche ce soir-là était Television ! Sachant que le groupe avait à peine plus de six mois d'existence au moment de ce concert, c'est impressionnant de constater comme il est bien en place. Le son et l'interprétation sont excellents et les versions sont au bout du compte très proches de celles en studio. Je me souvenais bien sûr très bien du décalque de Chuck Berry que constitue Hygiaphone, mais ce qui m'a surpris à la réécoute c'est le son de guitare très blues de Bertignac, avec beaucoup de bottleneck, surtout sur Métro (c'est trop).
La chronologie de Téléphone en 1977 est presque aussi resserrée que celle d'un groupe sixties : ils signent en chez Pathé-Marconi fin août et l'album sort trois mois plus tard. Il a été enregistré à Londres avec Mike Thorne à la production, ce qui signifie que celui-ci a dû quasiment enchaîner la production de Téléphone avec celle du Pink flag de Wire. Un sacré contraste car, même si on était en 1977, Téléphone n'avait absolument de rien de punk ni de new wave.
En 1979, j'ai acheté Crache ton venin dès sa sortie, ce qui fait que j'ai la pochette originale en plastique qui, quand on sort la sous-pochette, peut faire accroire que ce groupe aux trois-quarts masculins n'avait pas de couilles. C'est grâce au billet aperçu chez Reimspunknroll que je sais ce que c'est précisément le 18 mai 1979 que j'ai assisté au concert de Téléphone à la Maison des Sports de Reims (qui ne devait même pas s'appeler encore René Tys). Un de mes tous premiers concerts, quelques mois après avoir vu à Epernay Jacques Higelin , avec qui Louis Bertignac avait joué quelques années plus tôt. Ensuite, j'ai très vite laissé Téléphone suivre son chemin sans plus trop m'y intéresser : c'est à peine si j'ai cherché à écouter Au coeur de la nuit à sa sortie en 1980.

Ce disque a été réédité une deuxième fois, en disque souple, pour être inclus dans Téléphone le livre en 1983, et autant que je sache c'est tout : pas d'édition en CD pour ces deux faces live. Il y a bien une version live de 1977 de Métro (c'est trop) sur l'un des CD du coffret Téléphone illimité, mais c'est un disque d'inédits, donc ce titre a dû être enregistré à une autre date.

SMOG : Rock bottom riser

2011-09-10T18:52:00.002+02:00

Acquis par correspondance via Amazon en août 2011
Réf : DC302CD -- Edité par Drag City aux Etats-Unis en 2006
Support : CD 12 cm
Titres : Rock bottom riser (+ vidéo) -- I feel like the mother of the world (+ vidéo) -- Bowery -- Fools lament

J'ai déjà eu l'occasion de parler ici de Diamond dancer, le tout premier disque sorti par Bill Callahan sous son nom. Là, on a à faire au disque sorti juste avant, autrement dit, fort logiquement, la toute dernière parution créditée à Smog.
Pourquoi, un an après la sortie de l'album A river ain't too much too love, en extraire deux titres, qui constituent la moitié de ce EP Rock bottom riser, complétés par deux inédits composés au même moment que l'album mais enregistrés entre-temps ?
La réponse est sûrement à trouver dans les deux vidéos tournées pour ces extraits de l'album, incluses ici dans la partie multimédia du CD. Dans deux styles très différents, ce sont deux réussites. Celle de Rock bottom riser, réalisée par Brendan Cook et Paul McNeil, est animée à partir de dessins à l'aquarelle. Celle de I feel like the mother of the world, réalisée par Bryce Cass, est plus classique. On y voit une énigmatique Chloë Sevigny, à qui ce disque est dédié, et un Bill très crédible en présentateur télé.
Les deux chansons elles-mêmes sont excellentes. Arrivé à ce stade du développement de Smog, Callahan s'était forgé un style qu'il continue à cultiver depuis. Impossible de faire la différence dans le son et la production entre ce disque de Smog et ses productions solo. Comme toujours, c'est la voix profonde et posée de Callahan qui commande tout et nous guide tout au long des récits.
Le tempo est moyen à lent, l'instrumentation décontractée. J'ai une petite préférence pour I feel like the mother of the world, au rythme un peu plus enlevé et au refrain surprenant ("Oh, do I feel like the mother of the world, with two children, fighting").
Difficile de parler de face B avec une chanson du calibre de Bowery. Je l'ai découverte l'an dernier quand elle a été diffusée gratuitement en version live en MP3 à l'occasion de la sortie de l'album Rough travel for a rare thing (J'aurais d'ailleurs bien acheté cet album, mais il n'a pas été édité en CD et je n'avais pas envie de mettre une trentaine d'euros dans un vinyl du XXIe siècle, ni même une dizaine dans des fichiers MP3...). Cette version originale en studio est très proche de celle en concert quelques années plus tard. Autour d'un motif cyclique à la guitare, on est plongé au coeur d'un histoire familiale compliquée, où il est question de grand-père, de fils, de père, et même de méthadone. Et comme on est à New-York, bien sûr, on n'est pas si loin de la chanson Street hassle de Lou Reed.
Le dernier titre, Fools lament, une valse, relève le défi de ne pas faire baisser la qualité de l'ensemble. Un exploit au vu ce qui a précédé.

Bill Callahan a sorti cette année son troisième album, Apocalypse. Je ne l'ai pas encore acheté car ce que j'en ai entendu pour l'instant m'a semblé décidément trop lent et monotone. Mais je vais probablement finir par me décider... En attendant, Bill est annoncé à Paris le 26 novembre, à la Gaîté Lyrique, pour la seule étape française de sa tournée européenne.

THE B-52'S : Give me back my man

2011-09-04T17:05:00.000+02:00

Acquis probablement à Châlons-sur-Marne dans la première moitié des années 1980
Réf : 6010 236 -- Edité par Island en France en 1980
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Give me back my man -/- Give me back my man (Version instrumentale)

Dans mon souvenir, il s'était passé un temps assez long entre la sortie du premier album des B-52's et celle du deuxième, Wild planet. En fait non, puisqu'il s'est écoulé à peine plus d'un an entre les deux. L'effet de comparaison a été renforcé par le choix de donner au deuxième une pochette qui est le pendant, en rouge, du premier album "jaune".
Ce n'est jamais facile de donner une suite à un disque aussi réussi que The B-52's. On s'était éclatés en boum sur Rock lobster, Planet Claire, Dance this mess around, Downtown, Lava et 52 girls et ce qui est certain, c'est que Wild planet est nettement moins flamboyant que son prédécesseur. Au contraire, c'est un album solide et de bonne tenue, ce qui est déjà pas mal, mais du coup il nous a déçu à sa sortie. Question d'argent et d'envie, après l'avoir écouté chez un copain je ne l'ai pas acheté. Ce n'est que l'année suivante avec le mini-album Party mix !, qui contenait trois titres de Wild planet remixés, que j'ai vraiment découvert les deux perles de cet album que sont Private Idaho et Give me back my man, toutes deux éditées en single d'ailleurs.
Justement, ce 45 tours de Give me back my man, je l'ai acheté encore quelques années plus tard, surtout parce qu'il était soldé pas cher, avec une pochette assez réussie.
Il y a aussi une face B qu'on ne trouve pas ailleurs. Certes, ce n'est "que" une version instrumentale de la face A, mais elle a le mérite de mettre en valeur les atouts musicaux de ce titre : une basse implacable, tellement soutenue, insistante et rapide qu'elle ne peut qu'être électronique (pas exactement du séquenceur, je crois, mais un clavier basse), une guitare surf entêtante, des bruitages électroniques par-ci par-là et une petite mélodie au glockenspiel (sûrement synthétique).
Mais cette chanson ne prend tout son sens que lorsqu'elle est chantée par Cindy Wilson. Une performance impressionnante : la voix se fait vraiment suppliante et on veut bien la croire quand elle promet de tout donner, ou de se jeter à l'eau, si on ne lui rend pas son homme. Avec Give me back my man, les B-52's ne sont ni kitsch ni drôles, juste excellents...

THE JESUS AND MARY CHAIN : Psychocandy

2011-09-03T20:26:00.001+02:00

Offert par Matthew Jones par correspondance en août 2011
Réf : EDSG 8006 -- Edité par Edsel en Angleterre en 2011 -- For promotional use only
Support : 2 x CD + DVD 12 cm
20 + 24 + 9 titres

Le label a raté de quelques mois le 25e anniversaire (cet album aura vingt-six ans en novembre prochain), mais avec cette méga-édition de deux CD et d'un DVD convient très bien à un album de la stature et de l'importance de Psychocandy (les autres albums de Jesus and Mary Chain , sauf peut-être Munki, vont avoir droit au même traitement, même s'ils ne sont pas tous aussi marquants).
Voilà une reconnaissance supplémentaire pour cet album considéré comme un classique des années 1980, et cela devrait satisfaire Jim Reid, qui déclarait au moment de sa sortie : "On a passé des mois à faire des remixes pour obtenir le bon résultat. Il faut que ça tienne la comparaison pendant des années. J'espère que ce sera un de ces disques comme le premier album du Velvet Underground, qui continue à se vendre, tout le monde l'a et il est toujours dans les rayons. J'essaie de me projeter à quelque chose comme dans une vingtaine d'années.". Bingo, Jim ! Et, comme pour le Velvet, on sait que Psychocandy a influencé énormément de monde. My Bloody Valentine, évidemment, mais aussi pour n'en citer que deux les Pixies, qui ont repris Head on, et Nirvana.
En plongeant dans ma malle à souvenirs, j'ai pu fournir quelques documents au coordinateur de ce projet. Seuls deux d'entre eux se retrouvent dans le livret (l'affiche de la tournée européenne Creation Package d'octobre-novembre 1984, avec aussi The Jasmine Minks et Biff, Bang, Pow ! à l'affiche, ainsi que mon passe pour le concert de JAMC à l'université de Leeds le 27 novembre 1985, mais ça m'a valu un remerciement dans le livret et cet exemplaire de la chose.
L'impressionnant à l'écoute des quatorze titres de l'album original c'est de constater que c'est un disque sans temps mort, excellent de bout en bout. J'aurais tendance à diviser les titres en trois groupes, les lents, les bruyants bruyants et les bruyants plus pop, mais on ne va pas chipoter ou disséquer, puisqu'on aime tout : les trois singles, Just like honey, Never understand et You trip me up (avec à chaque fois un petit pincement à l'écoute de ce dernier en me souvenant que, la première fois que j'ai entendu cet enregistrement, le 15 février 1985, il filtrait à l'extérieur du bureau de Geoff Travis chez Rough Trade, où les Mary Chain et leur manager Alan McGee étaient en réunion ); My little underground, qui aurait aussi pu sortir en 45 tours, et aussi The hardest walk, Taste of Cindy et Taste the floor; The living end et Inside me pour s'éclater; Cut dead et Sowing seeds pour se calmer un peu; Something's wrong avec sa boite à rythmes (présente sur une minorité de titres) et son chant plus travaillé, qui rétrospectivement semble annoncer Darklands.
Si les deux faces du tout premier 45 tours Upside down, reprises ici, sont imparables, il y a à boire et à manger dans les faces B des singles Blanco Y Negro. Just out of reach, que le groupe réenregistrera en 1988, est au-dessus du lot, tout comme la reprise d'Ambition de Subway Sect, deuxième dans la liste des reprises au goût impeccable de Mary Chain, après Vegetable man de Pink Floyd/Syd Barrett et avant Can, Bo Diddley et The Temptations, parmi d'autres.
On trouve sur le deuxième CD les trois sessions enregistrées par le groupe pour John Peel en 1984-1985. La plus intéressante, c'est la fameuse session "acoustique" du 29 octobre 1985, diffusée pile au moment de la sortie de l'album, que le groupe a certainement voulue aussi dépouillée pour montrer que ses chansons se tenaient sans feedback ni distortion. Cette session fournit les seules versions de Some candy talking et la chanson Psychocandy proposées dans cette édition. Les acheteurs de la version CD de l'album diffusée à partir de 1986 seront peut-être surpris de ne pas trouver ici la version single de Some candy talking, mais l'album original de 1985 (en 33 tours ou cassette) ne comptait effectivement que quatorze titres et Some candy talking, sorti en 1986, n'était qu'un ajout postérieur pour le CD. Le choix du label de le mettre plutôt sur la réédition de Darklands est logique.
L'un des intérêts de cette édition est de proposée des démos et autres titres rares ou inédits. C'est ainsi que la version démo d'Upside down que j'avais sur un maxi connait ici sa première sortie officielle, tout comme le titre multi-censuré mais musicalement sans trop d'intérêt Jesus fuck. Le morceau le plus intéressant du lot, ce serait plutôt Up too high, une démo des tous débuts du groupe (1983-1984), déjà éditée aux Etats-Unis en 2008 sur le coffret The power of negative thinking. Elle sonne très new wave, avec de forts échos de New Order, c'est à dire très différemment de tout ce qu'on connaissait de Mary Chain à cette époque. Il y a aussi deux bonnes version démos de The living end et de My little underground datées de juin 1985. Si j'en crois la cassette de cette session que j'avais repiquée chez Alan en 1985, il reste de la matière pour une prochaine édition définitive de Psychocandy (pour les cinquante ans ?), puisque trois autres démos avaient été enregistrées à cette occasion : Just like honey, You trip me up et surtout une très bonne version de Cool about you, que Sandie Shaw enregistrera (j'avais oublié ça) et que le groupe incluera sur Darklands avec un titre abrégé en About you.
Les illustrations proposées ici font la part belle à l'émeute du concert à la North London Poly le 15 mars 1985. Les quelques fois où j'ai vu les Mary Chain en concert, j'ai échappé à ces scènes de bagarres, même si les concerts étaient courts, bruyants et imbibés.
Le meilleur des cinq reste le tout premier, le 9 juin 1984 à la Living Room, où le son du groupe était saturé, distordu, mais sans feedback, ce qui fait que je n'avais pas eu besoin de l'avis d'Alan McGee, qui sautait partout en disant que c'était les nouveaux Sex Pistols, qu'il allait les signer et faire un album avec eux, pour apprécier la qualité des chansons du groupe.
Les autres fois, ces chansons étaient noyées dans le bruit. Il faut dire que, à la MJC Claudel de Reims le 3 novembre 1984, j'ai beau avoir organisé le concert, je n'ai fait qu'entendre les Mary Chain sans les voir car, le temps risquant de manquer, j'étais à l'étage en train d'interviewer Alan pour mon émission de radio.
Les concerts des 26 et 27 novembre 1985 à l'Hacienda de Manchester et à Leeds m'ont surtout marqué parce que j'accompagnais le groupe et parce que Felt et les Shop Assistants étaient de la partie.
Le concert du 6 mars 1985 aux Bains Douches, haut lieu de la branchitude parisienne à l'époque, était justement typiquement parisien. Les gens ont payé 90 ou 100 Francs pour l'habituel concert très court. Je pensais que pour ce prix ils pourraient profiter de la soirée entière en discothèque, mais non, tout le monde a été mis dehors après le concert, avant que la boite ne ré-ouvre. Mon meilleur souvenir reste le moment, dans les loges ou sur scène après le concert, quand le groupe a entonné comme une ritournelle "JC Brouchard, Brouchard JC" sur l'air du carillon de Big Ben !

BOBBY BARE JR'S YOUNG CRIMINALS' STARVATION LEAGUE : OK - I'm sorry...

2011-08-28T14:41:00.004+02:00

Acquis par correspondance via Amazon en août 2011
Réf : BS 102 -- Edité par Bloodshot aux Etats-Unis en 2003
Support : CD 12 cm
8 titres + 2 vidéos

Les messages d'information que Bobby Bare Jr envoie à ses abonnés me laissent rêveur. Voilà un gars qui, au cours du même mois, va faire des concerts chez l'habitant, participer à Shelebration, un hommage à un vieil ami de sa famille, Shel Silverstein, jouer avec son groupe de reprises des Pixies Is She Weird, Is She White, qui compte des membres de And You Will Know Us By The Trail Of Dead et des Cassette Tapes, et donner des concerts "normaux" avec son groupe Young Criminals' Starvation League !
Un programme de fou, mais c'est de toute façon typique de la vie même de Bobby, fils bien sûr de Bobby Bare, numéro 1 aux Etats-Unis en 1972 en interprétant le Daddy what if de Shel Silverstein avec Papa (ces temps-ci, il inverse les rôles en interprétant la chanson avec sa fille) et qui a eu l'occasion de chanter en famille dans la cuisine.
Ce disque est sorti entre le premier album des Young Criminals' Starvation League de 2002 et From the end of your leash de 2004. Comme plusieurs des disques de BB Jr, il est mixé par Mark Nevers et on y trouve par-ci par-là une bonne moitié des membres de Lambchop, ses voisins de Nashville. Il est enthousiasmant, comme le sont tous toutes ses productions, même si le dernier album en date, A storm - A tree - My mother's head est un peu en retrait par rapport au sommet The longest meow. Il est à noter que Bobby a une voix remarquable et chante très bien.
Les huit titres sont répartis équitablement entre enregistrements en studio et en concert.
Les titres studio vont d'une reprise de I'd like to teach the world to sing, un tube des New Seekers de 1971 construit à partir d'une publicité pour Coca, à une excellente version démo de I'll be around, en passant par Pinky, chanson écrite et chantée avec Tywanna Jo Baskette (je n'invente rien !) et True story, adaptée d'un poème de Shel Silverstein, avec un petit côté Come on pilgrim (Bobby Sr avait déjà mis ce poème en chanson, dans une version country, en 1973 sur l'album Sings lullabys, legends and lies).
Côté live, on a deux des meilleurs titres de l'album de 2002 (Flat chested girl from Maynardville et I'll be around), Valentine, un titre qui ne sortira en version studio que sur From the end of your leash, et une chanson restée inédite par ailleurs, Mother ucker, qui manque peut-être de "f" mais certainement pas d'air puisque l'animateur de la radio où elle a été enregistrée se fait même piéger par le break silencieux du milieu.
Rien de tel qu'un disque de Bobby Bare pour garder sa bonne humeur. Ne reste qu'à espérer qu'il quitte un peu Nashville pour venir tourner par chez nous, dans l'une ou l'autre de ses configurations.

OK - I'm sorry... est toujours en vente chez Bloodshot, où on peut télécharger gratuitement Valentine.

Je n'ai pas trouvé en ligne les vidéos du CD sur scène à Chicago en 2003. A la place, voilà Valentine par Bobby Bare Jr et Carey Kotsionis lors d'un concert privé à Alameda en Californie le 5 juin 2011. Comme quoi il ne fait visiblement pas beau et chaud tous les jours en Californie, même au printemps !

SLEEPYARD : Down Tangerine Road

2011-08-27T17:38:00.000+02:00

Offert par Jim Shepherd par correspondance en août 2011
Réf : EAT2 -- Edité par Oatcake en Ecosse en 2010
Support : 45 tours + 33 tours 17 cm
Titres : Down Tangerine Road -/- Dear melody -- Pebble girl (Only you)

Après quelques sorties, le projet de Jim Shepherd pour son propre label Oatcake commence à se préciser. Il a d'abord sorti le Poppy white EP, des titres inédits de son groupe The Jasmine Minks, en hommage à deux membres du groupe décédés. Puis il a sorti un ce vinyl du groupe norvégien Sleepyard, un deux-titres de The Beat Hotel, The fire, et un CD sept titres du groupe post-funk écossais APB, Jaguar. Ces trois parutions ont un point commun : elles comportent toutes des collaborations avec Jim au chant.
Les deux très bons titres de The Beat Hotel sont ceux qui se rapprochent le plus du son des Jasmine Minks ou de Biff, Bang, Pow! des années Creation.
Avec APB, Jim chante sur deux titres, dans un style qui se rapproche plutôt des Talking Heads de Remain in light ou de Gang of Four.
Ces deux disques sont très bons, mais dans le lot, le grand frisson on l'a surtout à l'écoute de Down Tangerine Road, une ballade au piano et à la guitare steel avec un chant bluesy impressionnant de Jim, sur le thème éternel (et d'actualité) des étés qui passent.
Chez Caught In The Carousel, Jim explique comment il s'est retrouvé à collaborer avec un groupe norvégien. En fait, il est en contact avec Oliver Kersbergen de Sleepyard depuis quelques années et il a été très inspiré à l'écoute de la version originale de ce titre, Tangerine Road, parue en 2009 sur Future lines, le quatrième album, entièrement instrumental, de Sleepyard. Il a alors très vite composé des paroles et enregistré la voix, d'abord avec son téléphone portable, puis avec un magnétophone numérique dans sa salle de bains, un lendemain de cuite. Le résultat est impressionnant, et si le piano est aussi présent sur ce titre, c'est sûrement parce que le pianiste est un invité vedette, Mike Garson, celui-là même qui a joué sur Aladdin Sane de Bowie.
En face B, on retrouve un autre titre de Future lines mis en paroles par Jim Shepherd, l'atmosphérique Pebble girl. Le troisième titre, Dear melody, qui n'est pas chanté par Jim, est dans un style plutôt sunshine pop sixties.
Je ne sais pas quels sont les prochains projets de Jim, mais en plus de tout ça il a eu l'occasion cet été de donner un concert à Londres avec une formation originale des jasmine Minks reformée ponctuellement pour l'occasion !

Ce disque est en vente sur le site d'Oatcake.

CLIFF NOBLES & CO : Horse fever

2011-08-24T17:37:00.001+02:00

Acquis sur le vide-grenier de la rue de l'Hôpital à Epernay le 21 août 2011
Réf : INT. 80 155 -- Edité par Vogue en France en 1968
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Horse fever -/- Judge baby, I'm back

Mon début de journée dimanche dernier a été assez cauchemardesque. Au moment même où je me levais en me faisant une joie d'aller à la brocante, un (petit) orage non annoncé par la météo s'est déclenché. J'ai attendu une bonne heure que la pluie s'arrête et, au moment de partir, j'ai mis les doigts dans le vomi qu'un chat avait gentiment déposé sur les affaires que j'avais préparées pour partir, y compris - scandale ! - sur la pochette cartonnée d'un de mes CD promo !
Sans trop de surprise, le vide-grenier était encore plus clairsemé qu'il ne l'est généralement en plein mois d'août, et quand il y avait des disques ils étaient souvent mouillés. J'ai acheté juste trois ou quatre bricoles et c'est au dernier stand avant de partir, dans des cartons protégés de la pluie par des 45 tours sacrifiés qui avaient été étalés pour protéger le reste, que j'ai trouvé ce disque de Cliff Nobles.
Ce n'est pas le prix (50 centimes), ni l'état de la pochette, fragile comme toutes ces pochettes en papier léger des 45 tours deux titres Vogue de la fin des années 1960, qui ont failli m'arrêter. J'ai cependant eu une assez forte hésitation car je ne connaissais pas du tout cet artiste et le style de la pochette me donnait très peu d'indications. Et chez Vogue, il y avait à boire et à manger à l'époque dans la Série Fashion : les six disques présentés au dos vont de Light my fire des Doors à Entre ton coeur et le mien de Luigi ! Dans le doute, j'ai pris le disque. De toute façon, un coup d'oeil plus attentif au rond central aurait dû me convaincre puisque le label américain original se nomme Phil L.A. of Soul.
Le soleil et la canicule étaient revenus entre temps, mais de toute façon ma journée a été illuminée quand j'ai mis ce 45 tours sur la platine à mon retour : c'est un excellent disque de soul funk chaud comme la braise d'un barbecue qui attend ses premières merguez.
Le brave Chris Nobles, mort en 2008 à 67 ans, aura eu une carrière très paradoxale, racontée en détails par exemple chez Funky 16 Corners ou chez The Soul Review. Après quatre 45 tours sans succès, il sort début 1968 Love is all right, qui va pour le coup être un très grand succès, mais seulement une fois qu'un animateur radio aura décidé de retourner le disque et de matraquer la face B, The horse, qui se trouve être la version instrumentale de Love is all right. Voilà donc un excellent chanteur, Cliff Nobles, qui se retrouve classé numéro deux des ventes aux Etats-Unis avec un titre sur lequel il ne figure pas, puisque c'est un instrumental sur lequel il n'intervient pas du tout. Evidemment, le label a très vite ressorti le disque avec The horse en face A, devenue une des danses à la mode de cette années 1968, et les disques suivants, à commencer par celui-ci, ont mis en avant la version instrumentale du titre.
C'est vraiment dommage car, si effectivement Horse fever est un excellent instrumental soul-funk, avec quand même des choeurs qui font des "Bom bom bom" assez graves, la version chantée en face B, Judge baby, I'm back, c'est carrément autre chose. Cliff Nobles y met une telle énergie, une telle patate, qu'il transforme ça en dynamite funky. A lui tout seul, c'est James Brown, Otis Redding ressuscité, Sam et Dave à la fois, qui nous font danser le Horse, le Bougalou et le Funky Chicken !
Les cuivres qui ne sont pas manchots, formeront plus tard les fameux MSFB. Quant au "Judge" du titre, il fait référence à un autre grand succès de 1968, Here comes the judge de Pigmeat Markham, l'un des nombreux titres samplés sur le Rush de BAD II. L'histoire de Pigmeat, un comique américain qui s'est retrouvé avec un énorme tube après quarante ans de carrière, est passionnante. Elle est racontée en détails chez WFMU (c'est très long mais ça vaut le coup de s'y pencher).
Pour ma part, je saurai quoi écouter pour rester de bonne humeur la prochaine fois que la météo me privera de brocante !

MARK OLSON : The salvation blues

2011-08-23T16:02:00.002+02:00

Acquis chez Cash Express Beaubourg à Paris le 5 avril 2011
Réf : R2-205884 -- Edité par HackTone en Europe en 2007 -- For promotional use only - Not for sale
Support : CD 12 cm
13 titres

Juste avant d'aller chez Gilda et d'y trouver notamment le Dan le Sac vs Scroobius Pip et le Cowboy Church Sunday School, j'étais passé chez Cash et j'avais été tout content de découvrir, posé en évidence sur une enceinte car son format ne permettait pas de le ranger dans les meubles à CD, ce premier album solo de Mark Olson, quelqu'un dont j'ai suivi d'assez près les aventures avec Victoria Williams et les Creekdippers.
Peut-être inspiré par le titre de la chanson My one book philosophy, le format un peu particulier du disque est dû au fait qu'on a pris grand soin de le présenter comme un petit livre : livret de seize pages, couverture cartonnée avec effet reliure, recouverte d'une jaquette couleurs sur les rabats duquel Michele Gazich (violoniste, notamment sur cet album, et professeur de littérature) a écrit un texte de présentation. Quand on en arrive au CD lui-même, on découvre que ce livre-disque n'est pas censé être venir de n'importe où : le tampon et le numéro d'inventaire indiquent qu'il ferait partie des collections de la bibliothèque de Joshua Tree, qui fait partie du réseau du Comté de San Bernardino.
Dommage que tout ce travail minutieux ait été fait et que visiblement personne, que ce soit Mark Olson ou son label, n'ait pris la peine d'offrir un exemplaire du disque à la bibliothèque pour qu'elle le mette à son catalogue ! D'un autre côté, quand je vois mon exemplaire d'occasion qui a bien vécu et qui est censé venir de cette bibliothèque (sans avoir été rendu, donc), je me dis que c'est logique qu'elle n'en ait plus à proposer à son public...

Blues et salut, ce sont deux termes qu'il parait assez difficiles d'associer comme le fait Mark Olson avec Salutation blues. Il explique très bien lui-même ce qu'il entend par là dans une courte émission de Radio Grenouille (de Marseille), disponible en ligne, que je vous invite à aller écouter.
Il est clair en tout cas que cet album est indissociable des différents événements survenus dans la vie de Mark Olson à ce moment-là, dont la séparation d'avec Victoria Williams et la fin des Creekdippers et d'autres événements qui ont suivi.
Musicalement, en tout cas, pas de révolution pour ce disque produit par l'impeccable Ben Vaughn : on pourrait se croire à l'écoute d'un album des Creekdippers, et encore plus quand il y a une voix féminine, comme sur le premier titre My carol, même si celle-ci n'est évidemment pas la même que celle, reconnaissable entre toutes, de Miss Williams.
Je trouve que quelques-uns des titres sont un peu ordinaires mais j'aime beaucoup ce disque dans l'ensemble, particulièrement, outre les deux titres déjà cités, Clifton Bridge, National Express, Winter song et Sandy Denny, une chanson dont je n'arrive pas à décider si elle parle ou non de la fameuse chanteuse (je pencherais plutôt pour non).
Je regrette de ne pas avoir eu l'occasion d'assister à l'un des nombreux concerts en Europe de Mark Olson avant et après la sortie de cet album en 2007 (comme celui de Marseille en décembre 2008).
Gary Louris, l'un des fondateurs des Jayhawks avec Mark Olson, est présent aux choeurs sur cet album. Par la suite, les deux compères ont sorti ensemble début 2009 l'album Ready for the flood et parallèlement les Jayhawks se sont relancés, avec Olson pour la première fois depuis 1995, et vont sortir en septembre un nouvel album, Mockingbird time.
Quant à Salvation blues, l'album est toujours disponible. Si vous vous mettez en quête, veillez à vous procurer un exemplaire de la "European first edition", qui compte deux très bons titres, Copper coin et Your time will come, qui ne sont pas sur l'édition américaine.

Mark Olson, Salvation blues, sur scène à New-York tiré du documentaire Salvation blues de Ray Foley.

SOUNDS INCORPORATED : 4 succès de la danse

2011-08-21T17:20:00.001+02:00

Offert par Philippe R. à Nantes le 9 août 2011
Réf : POX 68 -- Edité par Pop en France vers 1966
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Michelle -- L'amitié -/- Yesterday man -- Treat her right

Après L'hymne au boudin blanc, voici un autre des cadeaux de Philippe de ce mois-ci. Outre la sélection de reprises instrumentales proposée ici, ce disque m'intéressait notamment pour sa pochette, qui semble pré-psychédélique au premier coup d'oeil mais qui s'avère après inspection représenter tout simplement une décoration de Noël prise, par Michel laguens, au travers d'une vitre en verre granité. Je m'intéresse aussi à certains disques du label Pop, sous-marque de Vogue. Là, le logo a évolué par rapport à des disques plus anciens comme celui de Jack Hammer, pouvant même faire croire que le nom du label est Pop'4 (en référence aux nombres de titres des EP, j'imagine), mais au verso il est bien fait référence à "un enregistrement Pop".
Une fois rentré à la maison, j'ai commencé par (re)découvrir via Google que j'avais déjà deux titres de ce 45 tours, sur la compilation Vogue Voulez vous venier en surprise-partie avec moi ?. Je les avais alors qualifiés de "bons instrumentaux".
Avec un nom comme Sounds Incorporated (à ne pas confondre avec Sounds Orchestral, lancé par un label rival pour les concurrencer), je n'avais même pas essayé à l'époque de trouver des infos sur ce groupe tant j'étais persuadé qu'il s'agissait d'une formation de musiciens de studio anonymes comme il y en a eu des centaines pour sortir à la chaîne des versions instrumentales des grands succès. C'est encore ce que je pensais en lisant au verso du 45 tours les rappels de catalogue allant du Carnaval Polka à des Opérettes célèbres, en passant par des disques des Villagemen ou de Jacky Noguez.
Là où je me trompais, c'est que si Sounds Incorporated est effectivement une formation de (bons ) musiciens ayant surtout enregistré des reprises (essentiellement) instrumentales, il ne s'agit pas d'un vague conglomérat de pros du studio mais bel et bien d'un véritable groupe anglais, formé en 1961, qui a enregistré pour Parlophone, Decca (dont un 45 tours produit par Joe Meek) et Columbia. Leurs disques n'ont pas eu énormément de succès en Angleterre mais ils ont eu un tube en Australie avec leur version de l'ouverture de Guillaume Tell. Leur grande chance a été de signer un contrat de management avec la société d'un certain Brian Epstein. Cela leur donnera notamment l'occasion d'ouvrir en tournée pour les Beatles, notamment lors du fameux concert au Shea Stadium, et même, pour leur section de cuivres, de participer à l'enregistrement de Good morning good morning sur l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.
Si les quatre titres de ce 45 tours français figurent bien sur l'un des trois CD de The Sounds Incorporated story, édités en 2004 par Stylus, je ne les vois pas mentionnés dans la discographie anglaise. Il est possible qu'ils ne soient sortis que dans quelques pays, voire uniquement en France.
On a deux slows en face A. L'arrangement de Michelle, avec guitare et orgue en instruments principaux, est intéressant. On pourrait s'étonner de voir des anglais reprendre un titre français, L'amitié, mais Françoise Hardy a eu beaucoup de succès en Angleterre en 1965, et cette chanson fait partie de celles qu'elle a enregistrées en anglais, sous le titre So many friends.
Sur la face B, il y a deux jerks, c'est à dire deux titres rapides. La version de Yesterday man de Chris Andrews est arrangée avec des cuivres, du piano et de l'orgue. Quant à la reprise du Treat her right de Roy Head and the Traits, elle est assez échevelée : sûrement pas assez folle pour être freak, mais très beat quand même. Elle confirme, ainsi que le medley des Beatles ci-dessous (datant probablement de 1967) ce qui est somme toute logique : les membres de Sounds Incorporated sont avant tout des musiciens techniquement compétents, s'attaquant à un répertoire intéressant. On n'a pas vraiment à faire à des rockers, même si les images du Shea Stadium montrent qu'ils ne manquaient pas d'énergie quand il s'agissait de chauffer un stade !

THE MEMPHIS JUG BAND : He's in the jailhouse now

2011-08-20T15:50:00.000+02:00

Acquis par correspondance via Amazon en mars 2011
Réf : ACRCD 190 -- Edité par Acrobat en Angleterre en 2003
Support : CD 12 cm
25 titres

Pendant très longtemps, les enregistrements les plus anciens que j'écoutais et qui m'intéressaient remontaient à la deuxième moitié des années 1930. C'était surtout du blues (Big Bill Broonzy, Robert Johnson) auquel j'étais arrivé en remontant la trace d'Elmore James et de son Dust my broom.
C'était déjà pas mal rustique et je n'imaginais pas qu'il y ait des choses plus anciennes susceptibles de m'intéresser. Je ne cherchais pas après d'ailleurs.
Au fil du temps, les choses ont évolué, grâce notamment aux rééditions en CD de chansons comme Le tango stupéfiant de Marie Dubas, et plus Internet se développe, plus on remonte le temps dans la découverte d'enregistrements intéressants. J'ai déjà évoqué ici Geeshie Wiley, il y a aussi Washington Phillips, mais je suis vraiment tombé de ma chaise quand j'ai écouté On the road again du Memphis Jug Band l'an dernier, sur un CD Mojo je crois.
Je me souviens étant tout gamin avoir vu à la télé des images de jug bands et être tout surpris d'apprendre qu'on pouvait faire de la musique avec un cruchon de whiskey, mais c'étaient des images historiques et là non plus je n'avais jamais eu envie de creuser plus loin. Ici, en l'absence de percussions et d'autre basse, le cruchon est essentiel ici. Il fournit le rythme aux autres instruments, harmonica, kazoo, banjo, guitare, violon, mandoline...
Arrivé au XXIe siècle, ce qui m'a surpris et séduit à l'écoute d'On the road again, c'est combien j'ai été capable d'apprécier pleinement cette chanson pour ce qu'elle est, un titre qui s'inscrit pleinement dans ma culture et mes goûts, du titre (qui n'a rien à voir avec la chanson de Canned Heat, le MJB s'est apparemment plutôt inspiré d'un titre de Tommy Johnson de 1928, Big road blues) au style et au son, et cela indépendamment de tout sentiment de nostalgie ou de recherche archéologique. Du coup, j'ai voulu en écouter plus et j'ai porté mon choix sur ce CD pas cher avec une pochette assez sympathique qui, avec 25 titres, propose grosso modo un quart du total des enregistrements du Memphis Jug Band de 1927 à 1934.
Evidemment, tout ne m'a pas fait un effet aussi fort que On the road again, mais dès les premières de Newport news blues en ouverture, une très belle partie de guitare, j'ai été conquis. Je ne vais pas détailler tous les autres titres (s'agissant d'enregistrements dans le domaine public, on en trouve assez facilement en ligne ou sur des CD à prix correct), mais ceux qui m'ont le plus marqué sont Sun Brimmers blues (pour l'harmonica, la cruche, le kazoo, la voix très claire bien en avant et le court "solo" de guitare à une corde), le très beau Stealin stealin', en écoute ci-dessous (il n'y est pas question de vol, mais plutôt de filer, de se faufiler), Move that thing et Jug Band Quartette (même si là le son est un peu pourri, c'est justement et déjà, en 1934, un hommage nostalgique à leur style de "vieille musique" : "It sounds so sweet, oh, you know it's hard to beat, this jugband music certainly was sweet to me").
La seule chanson que je connaissais très bien avant d'écouter le disque, c'est He's in the jailhouse now, et ça renforce encore ma proximité avec la musique du Memphis Jug Band car les versions que je connaissais sont plutôt celles de Johnny Cash ou de la BO de O'Brother et en découvrant celle-ci, datée pourtant du 21 novembre 1930, j'ai l'impression qu'elle aurait pu être enregistrée lors d'une fête ou un bal à Memphis la semaine dernière.

LES PLAYERS : Last space train (Danses modernes) - Disco chansons de France

2011-08-18T18:51:00.002+02:00

Offert par Sonic Steph via Philippe R. à Nantes le 9 août 2011
Réf : P 8 -- Edité par Poulain en France en 1980 -- Offert par le chocolat Poulain
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Last space train -- Nashville -/- Happy guitar -- Players theme

Je ne sais pas précisément ce qui a donné l'idée à Steph de m'offrir ce disque qu'il a trouvé en tout début d'année (J'ai ma petite idée quand même...), mais il ne pouvait pas mieux tomber ! En effet, je recherche un exemplaire de cet album (pochette ouvrante avec livret 4 pages agrafé à l'intérieur) depuis un bon moment. Ces albums ont été diffusés par Poulain dans les années 1960 et, s'agissant de Poulain, il existe également en plus des disques un album d'images à collectionner avec le même titre et la même couverture.
Ces albums contenaient chacun deux disques, pris au hasard parmi une liste de dix figurant du dos. Pour tout dire, en souvenir de celui que nous avions à la maison à l'époque (qui existe peut-être encore quelque part dans la famille, mais avec la pochette déchirée en deux parties, le livret disparu et les disques maltraités), j'en avais déjà acheté un exemplaire il y a un an ou deux, mais il contenait les disques 1 (Un soir à Vienne - Valses de Johann Strauss) et 9 (Accordéon musette), qui ne sont quand même pas très motivants. Il manque un des deux disques à l'album offert par Stéphane, mais au moins celui qui reste m'intéresse !
Si je m'étais mis en quête de cette Collection disco-chansons de France, c'est parce qu'elle me rappelle de très bons souvenirs, et ces souvenirs sont certainement liés à Tonton Poulain :

Je me souviens très bien où ça s'est passé : c'était au Cirque de Châlons, probablement au tout début des années 70, à une époque donc où le cirque n'accueillait pas encore l'école des arts du cirque : c'est là que se tenaient les matches de boxe et les réunions de catch de la ville et le café qui le jouxtait (la Coupole ?) était sûrement le plus grand PMU de la ville.
Je ne sais plus par contre à quelle occasion c'était. Peut-être le passage du Tour de France, puisque Poulain patronnait alors le Grand Prix de la Montagne, ou la foire-exposition (mais c'est peu probable car la foire a déménagé du Jard au parc des expositions dès 1969) , ou plus sûrement l'une des "grandes manifestations enfantines" où Tonton Poulain et son équipe d'animateurs étaient présents pour organiser "des jeux passionnants pour le grand plaisir des enfants et de leurs parents". Toujours est-il que, ce jour-là, autant que je m'en souvienne, avec mon frère et ma soeur nous étions sûrement accompagnés, mais pas par nos parents je crois, et nous avons sûrement eu à faire à Tonton Poulain, qui chantait finement "Viens Pou-Poule, viens Pou-Poule, viens Poulain, le meilleur chocolat c'est le chocolat Poulain" et nous avons en tout cas participé à des jeux passionnants, puisque nous en sommes revenus avec l'album de disques, certes, mais aussi et surtout un certain nombre de plaques de chocolat parmi lesquelles certaines avaient des saveurs surprenantes (au café, au raisin...). Un bel exploit familial, qu'on aurait aimé renouveler tous les jeudis !

Dans la liste des titres de la collection au dos de la pochette du disque, il est indiqué que le disque A8 (Last space train (Danses modernes)) est un disque des Spotnicks. Il y a dû avoir un hic dans la gestion du contrat de licence au dernier moment car on découvre sur l'étiquette du disque que les interprètes n'en sont pas les Spotnicks mais Les Players, même si ceux-ci reprennent bien deux des titres des suédois annoncés sur la pochette, Last space train et Happy guitar.
Je n'avais jamais entendu parler des Players, c'est pourtant un groupe français du début des années 60, issu de la scène du Golf Drouot, qui a eu une carrière non négligeable, sortant au moins huit 45 tours et un album 25 cm. Outre les Spotnicks, leurs productions en majorité instrumentales sont notamment influencées par les Shadows et Duane Eddy, avec cependant des particularités puisque la batterie est très souvent mise en avant et le quatuor compte un organiste/pianiste plutôt qu'un deuxième guitariste. Le groupe a notamment raté le coche avec sa version en français de The house of the rising sun des Animals : ils ont été les premiers à sortir Le pénitencier, mais on sait que c'est Johnny qui en a fait un tube...
Outre les deux reprises des Spotnicks, on a droit ici à deux originaux des Players (qui figurent sur leur album), Nashville, un titre un peu western complètement dans le style Spotnicks/Shadows qui a notamment été un succès au Japon, et Players theme, avec carrément un solo de batterie, ce qui ne doit pas surprendre car ces deux titres sont signés du batteur, Jean-Pierre Prevotat (et non J.H. Frevotat comme indiqué sur l'une des étiquettes du disque).
Jean-Pierre Prevotat, qui est mort au début de cette année, a marqué le rock français, puisqu'après la séparation des Players il a joué avec Triangle puis Magnum. Oeuvrant plus dans la variété, Hervé Roy, mort en 2009, a eu lui aussi une immense carrière comme compositeur, arrangeur et chef d'orchestre (il est même déjà cité une fois ici-même).

Magic Records a édité un double CD reprenant l'intégrale des Players.
A lire absolument : l'article sur Les players extrait de La belle histoire des groupes de rock français des années 60 par Jean Chalvidant et Hervé Mouvet.

Ajout du 20 août 2011

Hier, j'avais un petit bricolage à faire : rajouter une plaque à la serrure de la porte de la cour pour la protéger de la pluie, vu que le bois commence à s'abimer car y a deux trous d'anciennes serrure.
J'ai donc eu besoin d'une plaque en fer blanc. En cherchant dans le grenier, je me suis souvenu de la boite à sucre familiale, celle que nous avions à la maison dès avant 1971. Elle avait été recyclée par la suite en boite à forets et, un jour que mon père était venu bricoler chez moi, la boite a été cassée. Soit elle s'est effondrée sous le poids, soit, plus probablement, je l'ai écrasée malencontreusement en mettant le pied là où il ne fallait pas ! Au lieu de jeter toute la boite, j'en avais conservé la partie verticale qui, une fois dépliée, proposait un paysage en ombres chinoises avec la mention "Vieilles chansons de France", et j'ai laissé le tout mariner au grenier... jusqu'à hier.
De façon très exceptionnelle, j'ai réussi du premier coup à découper une plaque de la bonne taille dans les restes de la boite, à faire un trou pour la serrure élégamment placé là où était le "de" et à clouer la plaque sur la porte !!!
Par curiosité, j'ai cherché à savoir aujourd'hui d'où venait cette boite. Et bingo ! Elle fait partie d'une série de six diffusée par Poulain accompagnée d'un album d'images Les belles chansons de France !
Vu la quantité de chocolat à avaler, en plaques ou en poudre, pour avoir assez de points pour commander la boite, ceci confirme que notre famille, même gourmande, devait être fidèle à cette marque...

THE WEATHER PROPHETS : She comes from the rain

2011-08-15T21:32:00.001+02:00

Acquis probablement à Londres en 1987
Réf : ACID 1TX -- Edité par Elevation en Angleterre en 1987
Support : 45 tours 30 cm
Titres : She comes from the rain -- Wide open arms /- You upset the grace of living when you lie -- Who by fire

En dix-sept ans d'existence, Creation Records a eu plusieurs labels satellites, comme August, Infonet, Eruption ou Ball Product. Aucun d'entre eux n'a été vraiment marquant, même si Infonet a sorti toute une série de disques intéressants dans un style électro-danse.
Connaissant le penchant rétro de Creation, il n'est pas surprenant de constater que le label qui a le mieux marché c'est celui dédié aux rééditions, Rev-Ola, qui, en passant sous la houlette de Cherry Red, a même survécu à sa maison mère. Notons cependant que le fondateur de Rev-Ola, Joe Foster, ne s'en occupe plus et s'est désormais lancé dans l'aventure Poppydisc.
Le premier de ces labels annexes, et le plus ambitieux, ce fut Elevation (en référence à un titre de Television), une étiquette financée par Warner Angleterre avec Alan McGee à la direction artistique. Si dans la presse Alan a eu l'occasion de dire que l'idée c'était de monter une collaboration similaire à celle entre Elektra et Warner aux Etats-Unis dans les années soixante, le véritable modèle d'Elevation est à chercher beaucoup plus près : il s'agit de Blanco Y Negro, le label de Warner monté en partenariat avec des membres de Rough Trade et Cherry Red en 1983. Dans les deux cas, l'objectif était le même : faire passer à une autre échelle en terme de ventes et de notoriété des artistes ayant fait leurs preuves sur des labels indépendants. Pour Blanco Y Negro, il y a eu des succès (Everything But The Girl) et des échecs (The Monochrome Set). Entre les deux, il y a eu The Jesus and Mary Chain, qui venait justement de chez Creation, avec initialement Alan McGee comme manager.
Pour Elevation, l'aventure a été de très courte durée (à peine un an), principalement parce que, contrairement à ce qui était espéré, les vedettes des charts indépendants qu'étaient Primal Scream et les Weather Prophets, rejoints par l'ex-Orange Juice Edwyn Collins, n'ont pas vendu beaucoup plus en Angleterre ou à l'international une fois chez Warner. Du coup, les groupes dont passés de la tête des charts indépendants à la soixantième place des charts nationaux, pas vraiment le meilleur moyen de faire plus parler de soi. Les raisons de cet échec ? Elles sont évidemment multiples, mais elles tiennent sûrement en partie au fait qu'Alan et ses groupes n'ont pas voulu jouer tout à fait le jeu du gros label et aussi bien sûr au fait que les deux albums sortis, Mayflower et Sonic flower groove, n'étaient pas les disques exceptionnels escomptés.
Ce She comes from the rain des Weather Prophets est le tout premier disque sorti par Elevation. Ici, ce n'est pas le maxi original auquel on a à faire, mais à la version en édition limitée à prix réduit. La différence, en-dehors de la pochette ? Une des deux faces B, Happy, est remplacée par deux reprises. Je ne connais pas Happy, mais en tout cas en quantité on n'y perd pas au change.
She comes from the rain est un titre tout à fait dans la lignée du premier single à succès des Weather Prophets, Almost prayed. De façon assez amusante, la production de Lenny Kaye lui donne des tons psychédéliques qui rapproche le son des Weather Prophets de celui du Biff, Bang, Pow ! de The girl who runs the beat hotel, par exemple. En tout cas, avec (un peu) plus de moyens, le résultat final n'est pas très différent des productions sans budget de Creation enregistrées à l'Alaska Studio.
Wide open arms est une chanson qui aura été condamnée aux faces B des singles des Weather Prophets : elle était déjà en face B du maxi Almost prayed et on la retrouve ici. C'est dommage car c'est une bonne chanson. Dans cette nouvelle version elle est rapide et très électrique, annonçant le son plus rock du deuxième album des Weather Prophets. L'arrangement de la première version, à base de bongos et de guitare acoustique, était peut-être plus original et intéressant.
Après avoir repris Richard Hell (avec The Loft), Robert Johnson et Chuck Berry, Peter Astor élargit ici sa palette de références en proposant en face B des versions de You upset the grace of living when you lie de Tim hardin et Who by fire de Leonard Cohen. Connaissant les propres compositions de Peter, ce choix de reprises n'est pas très surprenant. Les deux titres sont très bons et il faut noter que peu de gens reprenaient Hardin ou Cohen dans ces années-là. Je me demande d'ailleurs si cette version de Who by fire ne fait pas partie des enregistrements qui ont pu donner à l'équipe des Inrockuptibles l'idée de se lancer quelques années plus tard dans l'aventure de la compilation-hommage I'm your fan. Sur cet album, Peter Astor (en solo) reprend un autre titre de l'album New skin for the old ceremony, Take this longing.
Peter Astor reste actif musicalement : on attend ce mois-ci la sortie de son nouvel album, Songbox.

Mayflower peut actuellement être téléchargé chez Obscurely Fragile Productions.

Peter Astor le 20 novembre 1985, dans la loge du Croydon Underground, le soir d'un concert où les Weather Prophets étaient à l'affiche avec Primal Scream et Meat Whiplash. Photo : JC Brouchard.

PASCAL BALDO "SPARAL II" : L'hymne au boudin blanc de Rethel

2011-08-13T11:23:00.002+02:00

Offert par Philippe R. à Nantes le 9 août 2011
Réf : KO/880203 -- Edité par Pascal Baldo en France en 1988
Support : 45 tours 17 cm
Titres : L'hymne au boudin blanc (Paroles et musique) -/- L'hymne au boudin blanc (Musique)

Je crois que Philippe a été subjugué par la force de Ô Chauny, comme tu es jolie ! de Gonthier, l'ode à une ville de son département natal. Malheureusement, ce disque manque toujours à sa discothèque et du coup, chaque week-end, Philippe est condamné à se lever aux aurores pour partir en quête de ce 45 tours élusif. On pourrait croire que l'Ouest de la France n'est pas le meilleur terrain pour trouver un 45 tours du Nord-Est, mais les disques ont tendance à voyager de façon surprenante. Ainsi, s'il n'a toujours pas trouvé le Gonthier, sa vigilance a permis à Philippe de se procurer un autre disque vantant une spécialité locale, cet Hymne au boudin blanc de Rethel, qu'il m'a aimablement offert, pensant à juste titre que j'aurais envie d'en faire profiter le plus grand nombre.
Pascal Baldo, à qui nous devons cet hymne, est un musicien précoce : vers 11-12 ans il faisait déjà des imitations de Thierry le Luron et des animations de club du 3e âge ! Aujourd'hui professeur de musique, il joue notamment dans le groupe Baldo & co. après avoir été membre de Sparal de 1979 à 1988 (un 45 tours, PCV en 1983). Peut-être inspiré par l'ambiance à la bonne franquette et le succès de Viens boire un p'tit coup à la maison, Pascal a composé pour le monument du patrimoine gastronomique ardennais un hymne chaleureux à la conscience sociale marquée, dont le refrain s'entonne à plusieurs :

Pas besoin d'avoir de dents pour déguster du boudin blanc
Avec un petit verre de blanc c'est succulent
Pas besoin d'être un notable, le boudin blanc c'est abordable
Et sur toutes les bonnes tables il est présent

La version instrumentale en face B permet de s'entraîner et sera fort utile pour animer votre prochaine fête familiale !
Il est rassurant de constater que le petit commerce rethélois connait une certaine stabilité. Après plus de vingt ans, si le magasin de disques-carterie Graffi'disc, qui a vendu cet exemplaire, n'existe plus (presque sans surprise), les deux sponsors figurant au verso continuent leur activité, le fleuron qu'est la Charcuterie Demoizet, bien sûr, mais aussi Rethel Vidéo.
Mon exemplaire du disque est dédicacé à une certaine Denise. Le seul autre exemplaire que j'ai vu en ligne est lui aussi dédicacé, mais à une Monique !

En plus du 45 tours de Pascal Baldo, Philippe a trouvé dans la pochette un disque souple faisant la promotion d'un coffret de huit albums des Beatles édité par reader's Digest. a la différence du coffret Jouvin, pour lequel Georges officiait en personne, le label, qui n'avait probablement pas de membre des Beatles sous la main, a fait appel à une personnalité extérieure, le journaliste Gérard Klein, qui débite sa promo ("Quel coffret que ce coffret là !") avec des qualificatifs choisis ("Formidable", "Superbe", "Rien à dire") avant l'emballage final : "C'est un magnifique coffret, vraiment, qui vous transportera d'allégresse et de joie sans cesse renouvelée et qui deviendra j'en suis sûr le numéro un de votre discothèque, in-dis-pen-sable !"
On trouve assez souvent des disques souples de ce genre. La meilleure utilisation qui en a été faite à ma connaissance est due au Vieux Thorax, avec le titre Sources d'inspiration sur l'album Echantillons légèrement modifiés en 2007.

COUNTRY GUITAR (GREAT COUNTRY AND WESTERN HITS)

2011-08-08T10:01:00.002+02:00

Acquis dans une boutique de charité de Portsmouth le 19 mai 2010
Réf : RCX 107 -- Edité par RCA en Angleterre en 1957
Support : 45 tours 17 cm
Titres : HANK LOCKLIN : Geisha girl -- JIM REEVES : Two shadows on your window -/- JIM EDWARD, MAXINE AND BONNIE BROWN : I heard the bluebirds sing -- HANK SNOW : Tangled mind

Le même jour que le Jean-Claude et ses Wachi-Wala et le Chubby Checker mais au centre-ville de Portsmouth, j'avais trouvé ce superbe EP à un tout petit prix, alors que la même boutique vendait des CD de rééditions country (relativement) cher.
Ce 45 tours est le premier volume de la série Country guitar de RCA Angleterre, qui en comptera treize jusqu'en 1961, des compilations pour la plupart, mais aussi des quatre titres de Hank Locklin et surtout Hank Snow, pour ne citer que ceux présents ici.
Le principe est de présenter une sélection de tubes country américains, mais je dois dire que la sélection a été très bien faite puisqu'il n'y a que des bons titres ici.
Il suffit de voir la photo des frères et soeurs Jim Edward, Maxine et Bonnie Brown, également connu, fort logiquement, sous le nom de The Browns, pour penser à la Carter Family. Et quand on écoute le réjouissant I heard the bluebirds sing, on a confirmation qu'il y a un air de famille, si je peux me permettre. Dans un style plus folk-pop, leur plus gros succès en 1959 fut une reprise de Les trois cloches, la chanson à succès d'Edith Piaf et des Compagnons de la Chanson ! Ils se sont séparés depuis bien longtemps mais tous les trois sont encore vivants.
Je ne connaissais pas du tout le nom d'Hank Locklin, pourtant il a sorti 65 albums en plus de cinquante ans de carrière et à sa mort en 2009 il était le membre le plus âgé du Grand Ole Opry. L'épatant Geisha girl ("Have you ever heard a love song that you didn't understand ?") est l'un de ses plus grands succès avec Please help me I'm falling et Send me the pillow you dream on.
Tangled mind est un bon titre tout à fait dans le style d'Hank Snow. La version en dirct à la télévision ci-dessous est des plus sympathiques.
Two shadows on your window de Jim Reeves est le titre qui me plait le moins du lot. On sort du style country le plus traditionnel pour aborder une ballade taciturne et larmoyante avec des choeurs, mais quand il chante "One of them is taking my place", ça ne peut que me rappeler le Stranger in the house d'Elvis Costello et George Jones.

CASS McCOMBS : Dreams-come-true-girl

2011-08-06T14:28:00.001+02:00

Acquis au Record & Tape Exchange de Notting Hill Gate à Londres le 24 septembre 2009
Réf : RUG324CDP -- Edité par Domino en Angleterre en 2009 -- For promotional use only - Not for sale
Support : CD 12 cm
Titres : Dreams-come-true-girl (featuring Karen Black) - Radio edit -- Dreams-come-true-girl (featuring Karen Black) - Album version -- Minimum wage

Cass McCombs, je ne le connaissais pas vraiment. Pour tout dire, j'avais tendance à l'associer à la scène post-rock américaine, ce en quoi j'avais tort puisque je confondais avec Doug McCombs de Tortoise.
Je ne connaissais rien de lui, donc, mais mon attention avait été aiguisée par les louanges que lui tressent régulièrement Philippe Dumez dans ses différentes publications, notamment les billets Le Cass du siècle et Cass et la voix sur I wanna be your blog (Quels jeux de mots ! Bon, il faut dire que Cass lui-même y incite quelque peu en intitulant son quatrième album, dont ce single est extrait, Catacombs : je suis bien sûr qu'il faut entendre Casstacombs ou quelque chose dans le genre...).
Donc, j'étais sensibilisé et les deux fois où je suis tombé sur des CD promo de Cass McCombs dans la cave chez Record & Tape Exchange je les ai pris. De toute façon, à 10 pence et chez Domino, je pense que je ne les aurais pas laissé passer.
J'ai donc deux extraits de l'album Dropping the writ, That's that et Crick in my neck (des deux, seul le premier a été vraiment commercialisé en single) et ce Dreams-come-true-girl.
A la première écoute, aucun de ces titres ne m'a accroché et j'ai mis les disques de côté. Mais quand Philippe Dumez a remis ça en début d'année à l'occasion de la sortie d'un nouvel album, j'ai réécouté mes disques et cette fois-ci j'ai mieux apprécié Dreams-come-true-girl, titre d'ouverture de Catacombs et seul single extrait de l'album.
Continuant ses facéties habituelles (voir au hasard les Triffids, James Yorkston ou les TV Personalities), le label Domino n'a édité ce single qu'en 45 tours, ce qui ne l'a pas empêché d'envoyer aux médias ce CD,avec une pochette différente de celle du disque mis dans le commerce !
Avec son premier couplet, Dreams-come-true-girl sonne comme un exercice d'écriture de chanson d'amour stéréotypée ("You're not my dream girl, you're not my reality girl, you're my dreams-come-true-girl"). L'instrumentation est épurée (contrebasse, batterie, guitare acoustique et électrique) mais entre le chant de Cass, les choeurs et les interventions vocales de l'invitée vedette, l'actrice Karen Black, la chanson finit par nous gagner au fil de ses cinq minutes. Problème ici avec la version raccourcie pour les radios : comme elle est amputée de ses deux dernières minutes, il ne reste de Karen Black que quelques vocalises en "Hou hou", alors que dans la version complète elle chante quelques vers. Drôle de façon de remercier une invitée !
Les deux chansons ont le même titre, mais Minimum wage n'a rien à voir et n'est pas aussi drôle que le morceau de They Might Be Giants de l'album Flood. Je ne crois pas d'ailleurs qu'il faut s'attendre à beaucoup d'humour dans les disques de Cass McCombs. Là, la chanson n'est pas mauvaise du tout, mais déjà au bout de la deuxième on perçoit les limites du style McCombs : tempo moyen, chant détaché et distancé, on aimerait qu'il se lâche un peu...

La pochette du 45 tours diffusé commercialement. Je n'arrive pas à retrouver le nom de l'acteur, mais j'imagine bien que c'en est un.
Les deux pochettes sont bien plus réussies que celle de l'album Catacombs dont ce single est extrait.

P-A-O-L-A avec ALAIN GORAGUER, SON ENSEMBLE et LES FONTANA : Hula hoop (La danse du cerceau)

2011-08-04T18:16:00.001+02:00

Acquis sur le vide-grenier de Fère Champenoise le 31 juillet 2011
Réf : 372.617 / TP1 -- Edité par Philips en France vers 1958
Support : 45 tours 17 cm
Titres : Hula hoop (La danse du cerceau) -/- Hou la-la-hoop

C'est un peu loin de chez moi, mais la brocante de Fère Champenoise a lieu en plein dans le creux de l'été et n'a guère de concurrence localement. En plus, elle est assez grande et plutôt sympathique, c'est pourquoi j'y fais régulièrement le déplacement.
Cette année, je n'y ai pas trouvé grand chose. Juste quelques disques, dont celui-ci, heureusement. Pour compléter cet achat, j'ai acheté quelques minutes plus tard une autre version de la chanson Hula hoop (qu'on trouve aussi dans une graphie partiellement francisée en Houla-houp !), celle de Jerry Mengo.
Avant d'être une chanson à (grand) succès, lancée par Georgia Gibbs aux Etats-Unis, le hula hoop a d'abord été un jouet (un cerceau en plastique), un jeu et surtout une mode qui a déferlé sur le monde entier (en-dehors des documentaires sur les années cinquante, on peut regarder Le grand saut des frères Coen si on veut en savoir plus sur l'histoire du hula hoop en passant un moment agréable).
J'ai connu les patins à roulettes, le tac-o-tac, le skateboard, mais à quelques années près j'ai raté la folie du hula hoop (par contre, j'imagine assez bien Philippe R. piquant l'engin de sa grande soeur à la fin des années cinquante pour essayer de le faire tournoyer en jouant des hanches). Et parmi tous ces gamins qui jouaient au cerceau, j'imagine que beaucoup le faisaient en passant une version de Hula hoop sur le tourne-disques. Et question disques, il y avait le choix, avec des dizaines de versions dont la plus connue est peut-être bien celle d'Annie Cordy.
Ces derniers temps, le hula hoop j'en ai le plus souvent entendu parler sur le site Amour du rock 'n' roll. C'est un site passionnant qui m'apprend plein de choses, mais par contre j'ai beaucoup de mal à naviguer dedans. Sans Google, pas sûr que j'aurais retrouvé les quatre pages qui y sont dédiées au hula hoop : la page de base sur la danse du cerceau, celle où ce disque est présenté, la page sur hula hoop & rock and roll, celle sur le hula hoop made in Europe et enfin la page hula hoop danse & sport.
Au fil de la lecture, on a la confirmation que, comme pour le twist quelques années plus tard, tout le monde, absolument tout le monde, a dû enregistrer sn titre hula hoop en 1958-1959, y compris Marcel Bianchi et bien sûr Georges Jouvin ! Et depuis la grande époque, ça continue. Plastic Bertrand par exemple a enregistré son propre Hula hoop.
Les 3 Ménestrels, accompagnés également par Alain Goraguer et son orchestre, ont eux enregistré Hou, la houppe sur un 45 tours qui contenait également La bourrée des labours, c'est dire. Ce disque des Trois Ménestrels a été réalisé par Boris Vian pour Fontana et il est très probable que ce disque de P-A-O-L-A et Alain Goraguer chez Philips a été édité quand Boris Vian y était directeur artistique. Même s'il n'est pas signé, même s'il n'est pas repris dans le recueil Derrière la zizique, même si ce disque n'est pas (pas encore ?) listé sur cette liste de pochettes du site De Vian la zizique, je ne me pense pas me tromper en avançant, comme le fait également le site Fleurs de vinyl, que Boris Vian est l'auteur des notes de pochette, où Goraguer est surnommé Gogo comme dans d'autres textes effectivement signés par Vian.

La face A de ce 45 tours est une version chantée par P-A-O-L-A de la chanson de Georgia Gibbs, avec les paroles les plus courantes, qui mélangent allègrement dans la même phrase un sorcier d'Haiti, des vahinés (de Tahiti par définition), le tout sur fond de guitare hawaïenne. Pas étonnant après que certains, comme moi pendant longtemps, confondent tous ces lieux. Il y est aussi question d' "un nouveau jeu pour les jeunes et les vieux" et même de "maigrir en gardant le sourire". On le voit, on est dans un registre léger, fantaisiste, mais les arrangements et l'interprétation sont de qualité, et les Fontana (avec notamment Christiane Legrand, la soeur de Michel) font des "Hou hou" très réussis.
Pour ce qui concerne P-A-O-L-A, je vous conseille si vous ne l'avez pas fait ces derniers temps de retourner voir mon billet sur Si t'as été à Tahiti : je l'ai complété récemment par des informations sur le parcours de P-A-O-L-A fournies par son mari, Lucien Juanico.
La face B, Hou la-la-hoop, est une composition instrumentale originale d'Alain Goraguer, dans le même esprit de légèreté, avec aussi notamment de la guitare hawaïenne.
La photo de pochette, très réussie, est créditée à Ionesco, sans prénom (Pourrait-il s'agir d'une jeune Irina Ionesco ?). Il est amusant de constater que, sur mon exemplaire comme sur celui reproduit ci-dessus, le cercle d'usure sur la pochette dû au rond central du disque vient rajouter comme un hula hoop de plus à la photo !

J'ai non seulement piqué au blog Nouvelle danse l'image du recto de la pochette du disque, mais aussi ce lecteur MP3 où on peut écouter la face A du 45 tours.

SIMPLE MINDS : Real to real cacophony

2011-08-02T19:03:00.000+02:00

Acquis à La Clé de Sol à Châlons-sur-Marne fin 1979 ou début 1980
Réf : SPART 1109 -- Edité par Zoom / Arista en Angleterre en 1979
Support : 33 tours 30 cm
12 titres

J'ai acheté mon exemplaire en import de ce deuxième album de Simple Minds dans les semaines ou mois qui ont suivi sa sortie, mais pourtant je n'ai pas tout à fait l'édition originale anglaise de Real to real cacophony. En effet, comme pour mon exemplaire, la pochette de l'édition originale était imprimé sur un carton bleuté texturé assez léger, mais en plus ce carton comportait des découpes, comme on peut le voir là ou là. Mais ce genre de plaisanterie, comme les formes en relief sur le Fear of music de Talking Heads, qui venait de sortir et qui a peut-être inspiré le graphiste Paul Henry, ou les différents projets pour Factory qui ont fait la réputation de Peter Saville, ça revient tout de suite très cher et, dans ce cas précis, Arista a très vite décidé d'arrêter les frais après la sortie initiale du disque. N'empêche, je préfère ma pochette anglaise "pas finie" à celle qu'Arabella Eurodisc a fini par sortir en France au bout d'un certain temps : une pochette avec un bleu différent sur un carton lisse filmé tout brillant, qui n'avait pour le coup plus grand chose à voir avec le projet original, qui n'est de toute façon pas une réussite.
Il faut se replacer dans le contexte de 1979 : Simple Minds était un jeune groupe prometteur qui décevait beaucoup sa maison de disques Arista : le premier album Life in a day et les 45 tours associés avaient peu marché et le label s'est vite rendu compte que ça serait idem avec celui-ci. Simple Minds est un cas d'espèce plutôt rare, celui d'un groupe qui a connu le méga-succès seulement au moment de son cinquième album ! A ce moment-là, le groupe avait depuis longtemps quitté Arista et c'est Virgin qui a empoché la mise.
Musicalement, je dirais que le Simple Minds de 1979 est un caméléon de la new wave. On reconnait la voix de Jim Kerr, l'album est loin d'être mauvais, mais il manque d'originalité et se situe presque trop dans l'air du temps. A tel point que, à l'écoute, c'est un florilège des grands noms de l'époque qui vient à l'esprit, et cela dès les premières notes du disque avec le début du titre Real to real qui me fait immanquablement penser à Kraftwerk, notamment la façon de chanter qui m'évoque beaucoup le tube Radioactivity.
Avec ses sept titres, la face A part un peu dans tous les sens. Si Naked eye et Citizen (Dance of youth), avec leur côté sombre et claustrophobe, semblent annoncer Empires and dance, Carnival (Shelter in a suitcase) me renvoie plus au premier album Life in a day.
Après l'instrumental Cacophony, il a Veldt, et là c'est particulier. Une fois plongé en 1980 dans l'album solo d'Andy Partridge Take away / The lure of salvage, je n'ai pas pu m'ôter de l'idée que Veldt, ce titre à l'ambiance de jungle expérimentale digne également de la série Homo safari d'XTC, avec John Leckie comme producteur commun, ne pouvait qu'avoir bénéficié de l'apport (non crédité) d'Andy Partrtidge, que j'étais presque persuadé d'entendre. Ce n'était pas le cas et je le sais car je suis même allé jusqu'à poser cette question subsidiaire à Mr Partridge, qui m'a répondu par la négative. A moins peut-être que Leckie ait utilisé à son insu un enregistrement de la voix de Partridge, mais je ne pense pas quand même !
La face B de l'album est plus homogène. Elle contient notamment trois titres très forts de chacun cinq minutes grosso modo qui auraient pu apporter le grand succès un peu plus tôt à Simple Minds. Il s'agit de Changeling, qui pour le coup est sorti en single et n'a pas marché, Calling your name et Premonition, qui a été mise en version live en face B de deux singles différents. Mais là encore les références abondent à l'écoute. La basse proéminente de Premonition me rappelle le Psycho killer des Talking Heads, Changeling me ferait plutôt penser au Gary Numan de Replicas (Il avait été question un temps que Numan produise cet album plutôt que Leckie), quant à Calling your name et Scar, ces deux titres me font penser à la fois à Ultravox ! et Magazine...
Pour finir, et là je ne pense pas qu'il y ait pu avoir une influence dans un sens ou dans l'autre car les deux titres doivent être à peu près exactement contemporains et les mondes sont assez différents, mais Film theme a tendance à me rappeler le Rectangle de Jacno et les autres titres géométriques de son premier disque solo.
Real to real cacophony est un album que j'ai énormément écouté au moment de sa sortie, une époque où j'avais de toute façon peu de disques que j'écoutais tous énormément. Je continue à l'écouter de temps à autre avec plaisir et ça reste plus de trente ans après un bon album, très solide et très représentatif de la new wave.

ALOHA - HAWAIIAN FAVORITES

2011-07-31T18:11:00.001+02:00

Acquis sur le vide-grenier de Fleury-la-Rivière le 17 juillet 2011
Réf : PLP - 516 -- Edité par Pontiac aux Etats-Unis en 1952
Support : 33 tours 25 cm
8 titres

Au même stand que le Emile Decotty & Luc Harvet, j'ai acheté ce disque de musique hawaïenne pour 1 €. Inutile de préciser que j'étais très content de ma trouvaille. Des albums 25 cm en parfait état des années cinquante, on n'en trouve pas tous les jours. Celui-ci est en aussi belle condition que celui de Danny Stewart que j'ai acheté en début d'année, bien qu'il soit encore plus vieux de cinq ans.
A l'écoute, c'est encore mieux : contrairement au Danny Stewart qui était un disque de guiatre hawaïenne aux arrangements très léchés, très américanisés, tendant vers l'easy listening, celui-ci est dans un style beaucoup plus traditionnel. Certes, on entend du vibraphone et un bel orgue très discret sur quelques titres mais la guitare hawaïenne est excellente et surtout le chant, intégralement en hawaïen même pour les chansons dont le titre est donné en anglais, est très pur et souligne la proximité avec les chants tahitiens tels que je les aime.
Dans l'ensemble, le tempo est très lent. Des chansons comme Halona et Mi nei semblent presque ralenties par rapport à des équivalents tahitiens. La guitare est particulièrement bien mise en valeur sur My heart's choice et Waialae, et dans l'ensemble le disque en entier se tient très bien, même si j'aime un tout petit peu moins les titres comme Step lively et Na' lii où la guitare est presque jazz..

Une des énigmes de ce disque, c'est qu'aucune indication ne crédite les artistes qui l'ont enregistré, ni sur la pochette, ni sur l'étiquette. J'ai évidemment cherché à en savoir un peu plus, à partir des références du disque, du nom du label Pontiac et de la maison visiblement associée Remington dont une partie du catalogue est listée au verso de la pochette.
J'ai ainsi découvert que ce même disque avait été précédemment édité sous étiquette Remington (référence RLP - 1008) sous le titre Hawaii - Best known Hawaiian songs, avec cette fois-ci un nom d'artiste mentionné sur la pochette, Waikiki Wanderers Orchestra. Un nom bateau qui ne nous en dit pas beaucoup plus sur les chanteurs et musiciens impliqués, mais c'est mieux que rien.

J'ai ensuite appris que Remington Records avait été fondé par un certain Don Gabor, à qui un site internet est dédié. D'origine hongroise, ancien employé de RCA Victor, installé dans le Massachusetts, il a développé ses affaires en s'adressant d'abord aux communautés immigrées d'Europe de l'Est puis surtout en proposant des disques à prix très réduit, les économies se faisant sur la rémunération des artistes, le réseau de promotion et aussi sur la qualité même des disques qui sont gravés sur un substitut de vinyl, la vinylite, ce qui peut expliquer que mon exemplaire d'Aloha est très épais avec une gravure peu profonde et ressemble plus à un 78 tours qu'à un microsillon.

Pour ce qui est des diques Pontiac, comme l'explique un article de Billboard d'octobre 1951, il s'agit carrément d'une collection d'albums 25 cm 8 titres aux pochettes en couleurs vendus au prix cassé de 79 cents. On y trouve tous les styles de musique populaire, des valses de Strauss aux tubes country, y compris cet album de musique hawaïenne.

Chez Thrift Store DJ, on peut écouter le titre Beautiful Kahana et télécharger intégralement cet album.

La pochette du 45 tours Remington Holiday in Hawaii, avec quatre titres extraits de l'album.

FALL OF SAIGON : Fall of Saigon

2011-07-29T23:42:00.002+02:00

Offert par Thierry Tannières par correspondance en juillet 2011
Réf : GA8851 -- Edité par Gazul en France en 2011
Support : CD 12 cm
13 titres

De tous mes disques que j'ai eu l'occasion d'évoquer en ligne, le maxi de Fall of Saigon, tiré à 1000 exemplaires, est celui que des correspondants du monde entier ont le plus souvent essayé de me racheter, en proposant même parfois des sommes ridicules (de 100 à 150 €).
Avec cette réédition dans la collection Les Zut-O-Pistes de Dominique Grimaud, qui a déjà sorti ces dernières années Back to schizo (1975-1983) de Pascal Comelade et même un Assemblage de pièces comeladiennes du plus bel effet, les complétistes fous fans de Pascal Comelade devraient pouvoir économiser leurs devises puisque ce CD réédite l'intégralité du maxi, augmenté de sept titres rares ou inédits.
Près de trente ans plus tard, les six titres du maxi conservent tout leur mystère et leur magie, je n'en dirai pas plus, vu que j'ai déjà eu l'occasion de le chroniquer ici.
Dans le livret du CD, un entretien avec Thierry Tannières (alias Terry Den, l'un des trois membres du groupe avec Florence Berthon et Pascal Comelade) nous en apprend beaucoup sur la courte histoire du groupe, de fin 1981 à fin 1983, et sur ses différents enregistrements.
On constate que, du début à la fin, le trio n'en a pas toujours été un, puisque les membres du groupe ont joué et enregistré sous les trois combinaisons possibles de duos que ce nombre permet : Pascal et Florence sur scène (c'est en les voyant que Thierry a eu envie de rejoindre le groupe), Thierry et Pascal en studio dès 1981, puis Florence et Thierry et des amis en 1984, après la séparation du groupe, pour deux titres qui étaient restés inédits jusqu'à la sortie de ce CD.
Voilà en fait comment se répartissent les treize titres de ce CD (les titres du maxi sont soulignés) :

1981, Pascal et Thierry : She leaves me all alone, On the beach at Fontana, Andalucia, I'll never be back (ces deux derniers titres ont paru en 1982 sur la cassette Irregular organs, sauf que I'll never be back s'appelait alors 96 larmes)
Janvier 1982, Florence, Pascal et Thierry : le premier concert au Grand Odéon de Montpellier, un concert de vingt minutes en première partie du groupe "principal" de Thierry, Joli Garçon : The model, Part time punks et The end, trois reprises de bon goût de Kraftwerk, Television Personalities et des Doors.
1982, Florence, Pascal et Thierry : Visions, Blue eyes, So long, The swimmer, quatre titres enregistrés en une matinée à Montpellier.
1984, Florence, Thierry et trois amis : Sha la la la, Let it go.

J'avais été complètement surpris d'apprendre par la bouche de Thierry que Fall of Saigon avait interprété sur scène des versions de The model et Part time punks, deux titres très importants pour moi à des titres différents. Ils ne doivent pas être nombreux les groupes qui ont eu à la fois Kraftwerk et TV Personalities à leur répertoire. Et en 1982 , j'en parle même pas... La reprise de The end des Doors permet surtout au groupe de tenir dix minutes sur scène avec un répertoire peu fourni. Ce n'est pas désagréable, mais à la rigueur j'aurais bien échangé ce titre contre un enregistrement du Puis je ? de Kevin Ayers, qu'ils ont régulièrement joué sur scène. C'est mon seul regret à propos de ce CD.
Avec Pascal Comelade au piano, Andalucia et I'll never be back sonnent plus comme ses premiers disques (Sentimientos, Détail monochrome...), pas étonnant donc que ces deux titres se soient retrouvés sur une cassette publiée sous son nom.
Si on poursuit la comparaison légitime avec Young marble Giants, on pourrait dire qu'avec Sha la la la et Let it go, les deux membres de Fall of Saigon impliqués avaient atteint en 1984 leur phase Weekend !

Pour fêter la sortie de ce CD, Thierry Tannières a eu l'occasion de se produire en public avec deux acolytes sous le nom La Chute de Saïgon, pour interpréter une partie du répertoire de Fall of Saigon. Des extraits du concert du 4 juin 2011 à Marseille sont visibles en ligne. Peut-être verra-t-on un de ces jours la formation originale de Fall of Saigon remonter sur scène. Si ça devait arriver, ils pourraient peut-être choisir de s'appeler pour l'occasion La Rechute de Saïgon !